Cascahuesos Editores

Talleres cascahuesos

2012-01-11T08:20:00.000-08:00

El objetivo principal del Taller de Narración es que los talleristas reconozcan los códigos discursivos de los que está constituido un cuento, las diversas técnicas y sus modos de uso; tal reconocimiento se hará necesariamente a través de la lectura de los maestros del género, tanto clásicos como modernos, y se aplicará de manera libre y creativa en los cuentos de los talleristas. A fin de cada mes los talleristas presentarán un cuento, que luego, al finalizar el taller se elegirán para integrar la revista del taller, con lo que concluirá el mismo.

Inicio: 7 de febrero
Informes:
971509571 - (054) 457969
cascahuesos@gmail.com

CORTOMETRAJE de Yuri Vásquez por ELTON HONORES

2011-12-23T15:35:00.000-08:00

Elton Honores

Universidad San Ignacio de Loyola

Cortometraje (2010) de Yuri Vásquez (Arequipa, 1963) es uno de los libros de cuentos más importantes publicado en el nuevo milenio. No es extraño que buenos narradores permanezcan aún en el desconocimiento público; no lo es, sin embargo, que el circuito de la crítica limeña les preste tan poca atención a casos como el de Yuri, salvo excepciones (Ricardo González Vigil, José Donayre) o en su defecto, sea incapaz de procesar la enorme y saludable producción tanto de provincias como incluso la de Lima que se aleja de los tópicos dominantes (que huelen ya a viejo) o que les preste más atención a escritores de dudosa calidad o aún en proceso de consolidar un proyecto narrativo sólido. El caso de Yuri Vásquez es modélico en ese sentido. Ganador del Premio Copé de cuento del año 1994, Vásquez corría el riesgo de convertirse en acaso uno de los varios ganadores de importantes concursos con un solo cuento, que tiempo después desaparecen de la escena. Con Cortometraje, Yuri Vásquez termina por saldar una deuda con los lectores de sus libros inéditos, anunciados ya desde hace más de 15 años.

Con ecos cortazarianos en “Pithecántropus Erectus (o La tribu de los Ichipawa)”, cuento con el que se abre el libro, el lector es consciente que se encuentra frente a un narrador que domina el oficio, con una prosa que fluye naturalmente como las improvisaciones propias del jazz, o mejor aún, con el hálito de vida que requiere la ficción para hacerse creíble, sorprendente, misteriosa, insólita, fantástica. El cuento es también clave porque propone una de las tensiones del libro: la civilización/ barbarie, con todas las implicancias posibles de concebir. Verbigracia: en este cuento asistimos a una violencia bárbara ritual enfrentada a la vida anodina y mediocre de la ciudad. La doble vida de los personajes que fuera del espacio familiar, de la casa, asumen otros roles (¿sobrevivencia? ¿Perpetuación de hábitos y costumbres primigenias, innatas? ¿Refracción de la violencia política real?). Esta doble vida familiar de los padres se verá enfrentada a la inocencia de su único hijo, ignorante de las violentas prácticas de sus padres. En “Canto de lucha haitiana”, cuento con el que se cierra el libro, en un juego metatextual con el primer cuento, asistimos a las tensiones del propio hacedor de ficciones que se ve enfrentado en la representación de la pura violencia o en el imperativo moral de dar una solución moral al inocente personaje del hijo. Porque escribir es también asumir un compromiso, un matrimonio (como señalaba Reynoso en los 70). No estoy seguro si exclusivamente con la realidad (lo que derivó en cierta literatura usada como plataforma para resolver imaginariamente problemas reales del Perú), pero sí quizás con lo que entendemos por “humanidad” en sentido amplio y menos localista de la palabra, además del compromiso con su propio universo de ficción.

Me siento tentado a hacer una recensión más extensa del libro, pero prefiero que el propio lector descubra este magnífico libro. Agregare simplemente que una imagen recorre inconscientemente el libro: el matrimonio como apertura o instauración de otra realidad, es decir, varios de sus personajes se encuentran en ese nuevo estado o próximos a éste, que desestructura su vida anterior, más aún con la aparición del nuevo ser, o de amores extraños. De estilo cinematográfico, el libro juega con otras posibilidades como el relato policial, lo onírico, lo insólito y sobre todo lo fantástico. No dudo en decir que nos encontramos frente a un libro redondo, una absoluta obra maestra de la narrativa peruana contemporánea.

Yuri Vásquez. Cortometraje.
Arequipa: Cascahuesos, 2010. 116 pp.

* Tomado del blog Iluminaciones de EH.

Presentación del poemario “Animal Urbano y la Otra Ópera”

2011-11-22T04:46:00.000-08:00

Hora	Sábado, 26 de noviembre · 20:00 - 23:00

Lugar	La Catrina Piano Bar. Jr. Camaná 878 (Sótano)

Creado por	Cascahuesos Editores

Más información	CASCAHUESOS EDITORES se complace en invitar al público limeño a la presentación del poemario ANIMAL URBANO Y LA OTRA ÓPERA, que se llevará a cabo en La Catrina Piano Bar. Jr. Camaná 878 (Sótano) Las palabras estarán a cargo de Mary Soto, Domingo de Ramos y Braddy Romero. Ademas se realizará la presentación de videopoemas “Perro Ciego” y “Rareza Dura” de Braddy Romero y Pavel Ugarte respectivamente. Quedan cordialmente invitados.

Prologo de Maurizio Medo a la edición de Letra a letra de Carlos German Belli

2011-11-13T17:58:00.000-08:00

Mientras la poesía deriva con nuevas densidades manifestándose a través de formas, antes marginales. Mientras la crítica ensaya nuevas clasificaciones y taxonomías, obsedida en ordenarlas a través de nuevos sistemas y categorías —unos más abigarrados que otros— la escritura de Carlos Germán Belli, fiel y genuina, aparece, aparte de todo este desborde, hasta constituirse en uno de los territorios ineludibles si es que uno debiera referirse a la poesía hispanoamericana del siglo XXI.

Oscura comarca, qué duda. Ahí el lenguaje es tensado hasta el extremo: el habla que callejea se eslabona con el cultismo —a través de la refundación semántica—, con la sintaxis clásica —hasta quebrar su preceptiva— o con una genuina preocupación social. Se trata de uno, que por su construcción, diera la impresión de ser, simultáneamente otro: dialoga con los maestros del Siglo de Oro, y sin embargo se da maña para hablar con el ciudadano de a pie; es profusamente barroco, y sin embargo no deja de mostrar nuestro presente; ostenta una erudición en el manejo del idioma, y sin embargo lo pulveriza —incluso a punta de pura onomatopeya; domina con maestría las formas clásicas—, y sin embargo las arrastra hasta la más pura guturalidad.
Ocurre que Belli va edificando la realidad conforme la enuncia. Todo acontece en el habla —la de un amanuense “hipando/ hasta las cachas de cansado ya”; la de un hombre escéptico de la eficacia de las vitaminas “ni B ni C, que al diablo vayan todas,/ de una vez por los siglos y los siglos”; o de quien vislumbra “en el gabinete del gran más allá” la boda de la pluma y la letra. El yo —Belli o esa multiplicidad de conciencias, ocultas tras su máscara barroca— existe en la medida en que se “dice”. Incluso la blanca página “Aquella que nunca escribir se pudo” diera la impresión de estar(se) diciendo:
Aprisa inmóvil inmediatamente (sin duda es éste un pensamiento absurdo, pero da cuenta de quien llega pronto al mundo y yace fijo como un clavo metido eternamente en la madera).

Meditar sobre el habla —escribe Heidegger[i]— exige en consecuencia que entremos al hablar del habla para instalarnos en la morada del habla, es decir, en su hablar, no en lo nuestro. Pero ello es posible sólo a través de su corresponder: escuchar. Cada escuchar tiene su propio decir. Cuando Belli, el sujeto —sujetado—, calla, también se hace audible, pues inmediatamente “La voluntad materna/se inclina por la química precisa”; “y a salmodiar empiezan cada día una línea”; “y el oculto don nadie (que es Miguel de Cervantes)”; “mas solitario como día u olmo”; “cual un pobre amanuense del Perú”. Es decir su memoria, su observación y sus situaciones le toman la voz exigiéndonos no perder nunca la atención pues amalgama a toda la realidad en su melopea, sin perder nunca esa inconfundible dicción.

Su poesía es difícil, melodramática, de un narcisismo negro, impregnada de extraño humor, cáustica y cultísima… Nadie ha sabido encarnar con más estrafalaria originalidad que Carlos Germán Belli el destino del poeta, escribe Mario Vargas Llosa.
Y esto es cierto, como también lo es decir que muy pocos han permanecido en la poesía resistiendo “el alternado paso de los hados”, aún “con el pie sobre el cuello”, “por el monte abajo”, generando un lenguaje —y por ende una realidad, otra— qué decir, qué volver a decirle, al mundo.

Maurizio Medo.

Presentación del libro de cuentos "Sombras en el agua" de Jorge Monteza

2011-11-08T13:38:00.000-08:00

Hora	Viernes, 11 de noviembre · 19:00 - 22:00

Lugar	Biblioteca Regional Mario Vargas Llosa

Creado por	Cascahuesos Editores

Más información	Cascahuesos Editores en colaboración con el Gobierno Regional de Arequipa y la Biblioteca Regional Mario Varga Llosa tienen el agrado de invitar a Ud a la presentación del libro de cuentos SOMBRAS EN EL AGUA del reconocido escritor arequipeño JORGE MONTEZA. Esta presentación se realizará el viernes 11 a las 7:00 p.m. Acompañarán en la mesa Gregorio Tórres Santillana, Willard Díaz y Arthur Zeballos. Quedan todos invitados

Entrevista a Carlos Germán Belli en Revista Caretas

2011-10-24T20:52:00.000-07:00

Nuestra nueva publicación ESTÉTICA DE LAS REVELACIONES del poeta peruano CROMWELL CASTILLO

2011-10-15T14:18:00.000-07:00

Tenemos el agrado de anunciar la publicación de Estética de las revelaciones del poeta peruano Cromwell Castillo. Se trata del primer libro de uno de los poetas más interesantes aparecidos a inicios de este siglo, pues anteriormente sólo había publicado en edición conjunta con el grupo Signos de Lambayeque. Esta primera publicación viene acompañada de tres sendos comentarios: César Eduardo Carrión nos dice que en el libro “habita una voz grave que testimonia el transcurso por el mundo de alguien cuya mirada penetra paulatinamente en la Naturaleza. Pero esta poesía no se deja abatir por la dictadura de las evidencias, no se trata de una estética realista. Ante todo, su Realidad está constituida por el decurso de un lenguaje simbólico, el hallazgo de una voz imaginaria”; José Donayre Hoefken anuncia que “el mundo visible, en manos de Cromwell Castillo, se podría resumir en la vieja teoría de los cuatro elementos, que explicaban poéticamente una cosmovisión. Pero este poeta, a través de su Estética de las revelaciones, al igual que el sabio Empédocles, enraíza su interpretación de la realidad a partir de dos pulsiones que marcan cadenciosamente el ritmo de sus descubrimientos y asombros”; y Marco Fonz sentencia que es “una buena forma de mostrar a los viejos elementos, que parecían ya no tener nada qué decir. Versos afortunados de tener a Cromwell Castillo como poeta e interlocutor de esas bellas imágenes”. Cabe precisar que este libro será presentado en el marco de la Feria Internacional del Libro de Quito. Aquí un adelanto del libro:

4

La noche nos absorbe como guarida prehistórica. Energía expansiva que cierra párpados rebelando distancia. Éxodo de luna reflejada en el fango:

Cuarto menguante —canto bastardo— / luna llena —atributo deforme—.
Creciente júbilo donde nadie danza alrededor de árboles milenarios.
Savia nueva que sella bocas y caminos donde nadie espera escapatoria.

El cuerpo sostiene con el filo de la duda una cabeza cercenada hace mucho. Sólo extremidades nos otorgan la ventaja de perdernos, escudriñar en el mismo fango la sequedad del tiempo.

Oh, tierra; oh, aullido de la dación ocasional.

[Sacudir tu corteza no es desvanecerme para saber que penetro una escritura improbable.
Florecer en ti es columpiar mi locura en alambres de púas: Retorno a la fe de los desposeídos].

Sobre el autor:

Cromwell Castillo nació en Lambayeque-Perú, en 1981. Es miembro fundador del Grupo Literario Signos. Como artista plástico es representante de “El espacio del arte: Galería de arte contemporáneo”, en Lambayeque. Es autor de Agua y Transfiguración o el sonido —libros incluidos en Signos (Chiclayo, 2007)—, ¿Dónde acaso es camino? —incluido en libro Demolición de los reinos (Lima, 2010)—, y la plaqueta Fuego (Arica, 2010). Forma parte de la Colección de Nueva Poesía Peruana Cuervo Iluminado (Pájaros en los cables editores. Lima, 2010). Trabajos suyos han sido publicados en revistas impresas y virtuales de Perú, Venezuela, Chile, Argentina, Colombia, México, Brasil, Estados Unidos, España y Francia. Dirige el blog Gambito de rey.

* Imagen: fotografía del autor hecha por Natali Nazario Martino.

"Cavilación del caminante" de Carlos Germán Belli en la FIL Arequipa 2011

2011-10-08T13:25:00.000-07:00

El laureado poeta Carlos Germán Belli ha vuelto una vez más a nuestra ciudad. Lo ha hecho a sus 84 años, lúcido, perpetuo, siempre amable con los lectores de su magnífico trabajo. Y aunque, como diría Vallejo, “son pocos, pero son”, quizá ellos sean precisamente quienes han abierto la zanja para que tanto la organización de la III Feria Internacional del Libro de Arequipa, como Cascahuesos Editores, le hayan rendido merecidísimos homenajes. Los primeros con palabras elogiosas, estiradas de mano, presentes, brindis y besamanos; los segundos con lo más básico e importante cuando de literatura se trata como es la publicación de un libro, antológico en este caso, el primero que el vate peruano deja como registro de su paso por esta deslumbrada ciudad.
Y aunque a estas alturas de la vida no cabe ninguna duda acerca de la catadura de la obra de Carlos German Belli, aún, en ciudades como la nuestra, que valgan verdades no es precisamente un bastión de la lectura de su obra, era necesario y vital espolear presencialmente al respetado público con su verbo particular y cultísimo y la sintaxis clásica que lo ha distinguido de los de su generación.
“Ocurre que Belli va reificando la realidad conforme la enuncia.”, dice Maurizio Medo en el prólogo a esta edición que mucho le debe a su impulso y gestión “Todo acontece en el habla –la de un amanuense “hipando/ hasta las cachas de cansado ya”; la de un hombre escéptico de la eficacia de las vitaminas “ni B ni C, que al diablo vayan todas,/ de una vez por los siglos y los siglos”; o de quien vislumbra “en el gabinete del gran más allá” la boda de la pluma y la letra.”
Pero impulsores somos todos, los que le hemos leído con pasión y deslumbramiento y los que no también, porque precisamente es por ellos que Don Carlos German Belli ha decidido volver, dejando atrás el recuerdo de anterior y no tan bien venida visita. Sépase que hasta a los escritores más importantes de la literatura peruana, los promovidos para recibir el Nobel, también se les maltrata, se les desatiende, se les hace dudar de una nueva visita.
Pero lo esencial es la poesía y aquí les dejamos el video con la lectura que llevó a cabo en el acto de presentación de la antología con el poema “Cavilaciones del caminante”.

Arthur Zeballos
(Texto publicado parcialmente en el Semanario El Buho)

Presentación del libro EL HOMBRE DE A CERO de Juan Carlos Nalvarte Lozada

2011-09-27T18:50:00.000-07:00

Cascahuesos Editores en el marco de la III Feria Internacional del Libro Arequipa 2011 se complace en presentar el libro El hombre de a cero del joven escritor peruano Juan Carlos Nalvarte Lozada. La presentación estará a cargo de:

• Juan W. Yufra

• Orlando Mazeyra Guillén
• Giovanni Barletti
• José Córdova

La cita es mañana miércoles, 28 de septiembre, a las 6:00 p.m. en el Auditorio Oswaldo Reynoso de la Feria ubicada en el parque Libertad de Expresión de Umacollo. Los esperamos.

Presentación del libro DABAI, CHELO, DABAI de Giovanni Barletti

2011-09-25T20:03:00.000-07:00

Cascahuesos Editores en el marco de la III FIL Arequipa 2011 se complace en presentar el libro de cuentos “Dabai, Chelo, dabai” del escritor peruano Giovanni Barletti. La presentación estará a cargo de:

• Orlando Mazeyra Guillén
• Juan Carlos Nalvarte Lozada
• Santiago Pérez-Wicht

La cita es mañana lunes a las 6:00 p.m. en el Auditorio Oswaldo Reynoso de la III Feria Internacional del Libro de Arequipa 2011, ubicada en el parque Libertad de Expresión de Umacollo. Los esperamos.

Sábado 24: presentación del libro VIDA BREVE de Lolo Palza Valdivia

2011-09-23T22:20:00.000-07:00

Cascahuesos Editores en el marco de la III FIL Arequipa 2011 se complace en presentar el libro Vida breve del poeta peruano Lolo Palza Valdivia. La presentación estará a cargo de:

• Maurizio Medo
• Juan W. Yufra
• José Córdova

La cita es a las 6:00 p.m. en el Auditorio José Ruiz Rosas de la Feria ubicada en el parque Libertad de Expresión de Umacollo. Los esperamos.

Presentación de "LETRA A LETRA Antología poética" de Carlos Germán Belli

2011-09-19T05:05:00.000-07:00

Cascahuesos Editores tiene el agrado de invitarle a la presentación del libro

LETRA A LETRA Antología poética de CARLOS GERMÁN BELLI

Los comentarios estarán a cargo de

Maurizio Medo y José Gabriel Valdivia

Domingo 25 de setiembre, 5:00 p.m. (hora exacta)

Sobre el libro:

Hugo Friedrich dice que el concepto de "lenguaje nuevo" sólo se precisa un poco allí donde acentúa su intención agresiva. Al romper con lo habitual - explica- se convierte en un shock para el lector. La "sorpresa" es ya desde Baudelaire un término técnico de la poética moderna, como en otro tiempo lo fue de la literatura barroca. Continuando con las ideas de Friedrich se podría afirmar que la poesía de Carlos Germán Belli está circunscrita dentro de este entorno agresivo, y esencialmente su poética radica en la rotura del lenguaje habitual. Una breve aclaración es necesaria. No me refiero aquí a la rotura con lo cotidiano, ni a su representación superficial en el poema, sino al uso de un lenguaje dislocado que se aleja de toda correspondencia posible entre los signos y lo designado. El lenguaje belliano es esencialmente disonante. Su densidad llega a colmarse en las diversas refundiciones que practica, e igual que en la pintura o la música, los resultados son devastadoramente hermosos. Lo sorprendente es la materia viva de su poesía, y el lector pasivo puede esperar cualquier sorpresa que pudiera ser la aparición de la imagen arcaica o la ciencia posmoderna. Entonces, el lector sin sesos no comprenderá por qué el poeta vuelva a las villanelas y las sextinas en estos tiempos de oscuridad tecnológica y bélica en que vivimos. La hermosura en la poesía de Belli radica en su humanidad y experimentación con el lenguaje. Esta combinatoria hace de la poesía de Belli un artefacto complejo, profundo, y perdurable. En efecto, tampoco se trata aquí de escribir una poesía humana o "realista" o estrictamente barroca, sino en combinar lo disonante con el acierto del lenguaje transparente. Eso es lo más difícil en poesía. Es fácil solo quedarse en la catacumba de lo “oscuro” o bañarse con denuedo de vana transparencia. Vallejo fue el primero que pudo llenar estos vacíos infinitos, y otros pocos en el contexto hispánico lo han podido lograr. Uno de ellos es Belli.

Miguel Angel Zapata

Presentación del libro SOMBRAS EN EL AGUA de JORGE MONTEZA

2011-09-15T17:36:00.000-07:00

Cascahuesos Editores tiene el agrado de invitarle a la presentación del libro de cuentos

SOMBRAS EN EL AGUA
de
JORGE MONTEZA

Jueves 22 de setiembre, 6:00 p.m. (hora exacta) FIL Arequipa 2011 - Auditorio Oswaldo Reynoso (Parque Libertad de Expresión - Umacollo)

Sobre el libro:

Los autores, por lo general, debutan en el mundo literario con cuentarios. Suele pensarse que estos son los mejores canales para la depuración narrativa, es decir, el cuento como paso previo a géneros supuestamente mayores, como la novela. Los lectores avisados, los de verdad, saben que es mucho más difícil escribir conjuntos de cuentos que novelas. Escribirlos como se debe, requiere de una patente comunión con el fin mismo de la escritura; hoy en día el cuento se ha convertido en el último bastión honesto de la literatura, no habría que decir más de la prostitución de la novela y el tráfico de influencias que vemos en la poesía… Es por ello que me ha causado mucha sorpresa y placer la lectura de Sombras en el agua de Jorge Monteza. Sorpresa, por la sencilla razón de que estamos ante un autor dueño de una firmeza narrativa que no nace del chispazo de la inspiración, sino de la señalada comunión con la escritura como fin. No hay que dejar de señalarlo. Vivimos en tiempos en los que la frivolidad creativa ya no respeta nada. Y placer, porque los cuentos son un irrefutable ejemplo de la madurez narrativa de su autor, que, dicho sea, sabe de lo que escribe y de quien aún debemos esperar muchísimo más.

Gabriel Ruiz Ortega

Quizás los sueños se parecen a la infancia en que en ambos se mezcla con toda naturalidad lo real y lo ficticio, lo racional y lo fantástico. En todo caso, estos son los principales ingredientes con los que Jorge Monteza construye sus Sombras en el agua. Bajo la mirada infantil, una sombra se convierte en una entidad autónoma y amenazante, un huevo de gallina permite experimentar la maternidad, o un pequeño pájaro en la rama de un árbol se vuelve un ave gigantesca y terrorífica. Asimismo, el sueño nos abre los umbrales de una realidad alternativa, fascinante pero ciertamente no exenta de peligros. El autor de este libro aprovecha las lecciones que ha aprendido de Cortázar, Rulfo, Arguedas, y muchos otros maestros del cuento. Experimenta con distintas formas, desde el cuento corto y rotundo hasta el más largo que requiere un desarrollo de los personajes. Explora escenarios tanto rurales como urbanos, y a veces los conecta con un pasadizo secreto. En sus ficciones, la realidad se refleja como una sombra en el agua: confiable pero también distorsionada, clara pero también difusa. Una sombra pálida que nos afantasma; una sombra ominosa que perseguirá a sus lectores después de que hayan cerrado este libro.

Javier de Taboada

Presentación del libro EL HOMBRE DE A CERO de Juan Carlos Nalvarte Lozada

2011-09-14T05:42:00.000-07:00

En el marco de la “I Jornada Peruana de Minificción”, Cascahuesos Editores se complace en presentar el primer libro del joven escritor arequipeño Juan Carlos Nalvarte Lozada: El hombre de a cero. Esta presentación se realizará el jueves 15 a las 3:00 de la tarde, y acompañará en la mesa José Córdova.

Hora: jueves, 15 de septiembre a las 15:00 horas.
Lugar: I Jornada Peruana de Minificción
(Av. Separadora Industrial Nº 2036, La Molina, Lima)

Quedan cordialmente invitados.

Sobre el libro:

“Acercarse a los microcuentos de Juan Carlos Nalvarte Lozada nos depara muchas sorpresas. Lo cotidiano, la vida que vemos pasar sin más, se torna aquí un buen silbido, una melodía que de pronto nos impactará, pues la creíamos olvidada. Juan Carlos recupera esos sonidos en cada una de sus brevísimas historias con la pericia que su mundo requiere” (Ricardo Sumalavia).

Presentación del libro VIDA BREVE del poeta peruano LOLO PALZA VALDIVIA

2011-09-11T16:10:00.000-07:00

Cascahuesos Editores y el Centro Cultural Peruano Norteamericano de Arequipa se complacen en presentar el libro Vida breve del poeta peruano Lolo Palza Valdivia. El evento contará con la participación de:

• Dr. Tito Cáceres Cuadros
• José Gabriel Valdivia

Día: Lunes, 12 de septiembre
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Teatro del Centro Cultural Peruano Norteamericano (Melgar 109)

Los esperamos. Habrá vino de honor.

CASCAHUESOS EDITORES tiene el honor de anunciar la pronto aparición de la antología LETRA A LETRA del reconocido poeta CARLOS GERMÁN BELLI.

2011-09-09T12:28:00.000-07:00

Luego de un largo y conveniente tiempo de espera, al fin podemos anunciar la pronta aparición del libro LETRA A LETRA Antología Poética de Don Carlos Germán Belli, el poeta nacional con más logros obtenidos en los últimos años y que, entre muchos otros méritos, ha sido postulado por la Academia Peruana de la Lengua para recibir el Premio Nobel de Literatura.
La antología, elaborada en conjunto con el poeta Maurizio Medo, es un humilde homenaje que creemos necesario hacer desde nuestra ciudad a tan gran baluarte no solo de la poesía, sino de la lengua española en general.
La presentación de dicho libro formará parte de las actividades que se llevarán a cabo en la III Feria Internacional de Libro de Arequipa 2011, en donde se le rendirá un merecido homenaje y reconocimiento a su carrera poética.

Sobre el autor

“Su poesía es difícil, melodramática, de un narcisismo negro, impregnada de extraño humor, cáustica y cultísima. Está hecha de inconcebibles aleaciones: la métrica del Siglo de Oro y la jerga callejera de Lima, la sinrazón y el lujo del surrealismo y la sordidez de la vida de la clase media de una sociedad del tercer mundo, la nostalgia y el sueño de un existencia pletórica que se hace trizas al estrellarse diariamente con el desmentido de la experiencia y que, tercamente, se rehace por obra del deseo y de la imaginación para despedazarse otra vez, al primer choque con el fatídico principio de realidad.”

Mario Vargas Llosa

Del autor

Carlos Germán Belli nació en Lima el año 1927. Ha trabajado en la administración pública, en el periodismo cultural y la docencia universitaria. Intervino en el Programa Internacional de Escritores de la Universidad de Iowa, y en dos ocasiones obtuvo la beca Guggenheim. En el 2006 recibió el Premio Iberoamericano Pablo Neruda y en el 2009 el Premio de Poesía José Lezama Lima. Ha reunido su poesía completa bajo el título de Los versos juntos (Sevilla, 2008).

Entrevista a JUAN CARLOS NALVARTE LOZADA

2011-09-05T11:29:00.000-07:00

«Lo que busco es que el lector piense, se involucre y así escape de lo cotidiano, de los estereotipos que atiborran nuestras vidas, que se libere de los lugares comunes que están tan arraigados en nuestros cerebros que bloquean nuestras capacidades para sentir, crear y ser libres».

Por Orlando Mazeyra Guillén

El hombre de a cero (Cascahuesos Editores, 2011) es la ópera prima de Juan Carlos Nalvarte Lozada (Arequipa, 1991). Debut literario que nos permite acercarnos a este joven narrador y a un muestrario de su obra.

Juan Carlos, ¿desde qué época de tu vida comenzaste a escribir ficción? ¿Qué te animó a hacerlo?

Tengo vagos recuerdos de mi infancia en los que escribí ficción, pero en realidad no tienen mayor importancia y no conservo ningún texto de esa época. Es recién en quinto grado de secundaria, tenía dieciséis años, cuando empiezo a escribir ficción ya como algo que me llama de manera definitiva, es decir, para toda la vida. El detonante fue un texto de Oswaldo Reynoso que leí en un libro del curso de Comunicación en el colegio. Era una parte de El Príncipe de Los Inocentes. Ahí me di cuenta que la literatura no era aburrida, los temas podían ser cercanos al lector y no había límites en el lenguaje. Luego, fui investigando y metiéndome más en la literatura y me nace la idea de ser escritor, de hacer arte mediante la palabra. Ya, después, me puse a leer todo lo que podía y empecé a escribir unos relatos pésimos que por suerte perdí en un USB que me robaron.

¿Qué significa para ti ser escritor?

Bueno, antes yo veía al escritor como una especie de ser sobrenatural que hace arte y con eso se acerca a lo divino; pero ahora tengo una concepción diferente. Pues creo que el escritor es quien escribe y con eso pretende derrotar a la pasividad, abolir los estereotipos y el cliché, hacer que los demás piensen para generar espacios de autonomía y, así, resistir a la muerte. Pero el escritor no es más que el lector. El escritor es quien brinda el texto, que equivaldría a un cincuenta por ciento del proceso, y se lo ofrece al lector para que él lo interprete y, así, complete el otro cincuenta por ciento. Al final, el escritor no es el dueño del texto, sino simplemente quien lo ofrece para que éste se complemente a través de la lectura.

Háblanos de tu actividad literaria antes de la aparición de tu primer libro.

En realidad todo lo que he escrito antes ha servido para alimentar de alguna manera a El hombre de a cero.

¿Cuánto tiempo te tomó escribir El hombre de a cero? ¿Y por qué optaste por ese peculiar título?

Cuatro años. El cuento más antiguo data de finales de dos mil siete. En cuanto al título, éste antes era el de un cuento que escribí cuando un editor rechazó mis textos y me dijo prácticamente que eran basura. Entonces el cuento trataba de un sujeto que quiere ser escritor, quiere publicar, pero nunca se siente satisfecho. Empieza con una carta del editor rechazando sus textos y luego trata de ensayar diferentes maneras de escribir. Es como un diario en el que escribe algunos cuentos y luego de terminar cada uno dice: sequedad creativa 1 - yo 0. Entonces después de mucho intentar y cuando iba perdiendo por siete a cero dice: “no hay manera, seguiré siendo el hombre de a cero”. En realidad, la frase viene de antes, cuando tenía diez años, jugaba tenis y jamás ganaba un partido, entonces mi entrenador decía que yo era el hombre de acero porque siempre me daban seis a cero.

¿Podrías definir el estilo de tu narrativa?

Creo que no, ahora dudo mucho sobre los géneros y estilos. Creo que en realidad eso es tarea del lector, él es quien define con su interpretación esos aspectos. Pero si estuviera obligado a responder, lo haría como lector y te diría que son una especie de realismo-grotesco-exagerado-fantástico.

¿Por qué te sueles decantar casi siempre por el microrrelato?

Bueno, ahora último más que antes. Porque creo que el microrrelato es el género que más le exige al lector que piense. Aquí el lector es más activo que nunca, él es el encargado de llenar las omisiones intencionadas que hace el autor para darle sentido al texto. Además, en este mundo en el que todo transcurre a velocidades inimaginables el microcuento es la gran esperanza de la literatura. Es el género más idóneo para hacer que la gente lea. Su corta extensión atrae al lector, que no cuenta con mucho tiempo y que, por lo general, es apático hacia la literatura y hacia obras extensas. Pero no por eso hay que subordinar al microcuento como una introducción a la literatura. Lo que más me atrae del microrrelato es la sugerencia que le da al lector para que piense, para que escape de la cotidianeidad.

¿Qué autores sientes que han influido en El hombre de a cero?

En el primer momento de El hombre de a cero la influencia de Bryce es apabullante, eso se nota en el cuento más antiguo que se llama La triste historia del pobre Pepito. ¿Ves?, hasta el título es bryceano. De esas épocas data mi admiración por el perdedor, no como alguien insignificante, sino como un ser sin igual, un ser que no está hecho para este mundo. En esos tiempos mi ídolo era Martín Romaña y el estilo indirecto libre era para mí el mayor avance de la literatura. Luego leí a Borges y escribí cosas fantásticas, pero las deseché, no sin guardarme la influencia borgeana para siempre. También están Juan José Arreola y Ricardo Sumalavia, que me abrieron los ojos hacia la brevedad. Están también Ribeyro, Palma, Adolph. Está Cabrera Infante por los juegos de palabras, aunque éste ya no sería una influencia para El hombre de a cero, sino posterior. Y, por último, también me he dado cuenta que en El hombre de a cero soy un discípulo de Rabelais y no me había dado cuenta, porque lo leía después. En fin, son muchos, creo.

¿Te consideras un escritor compulsivo?

En realidad quisiera serlo, la escritura me llama a cada instante, pero muchas veces me gana la pasividad, la flojera o simplemente tengo muchas cosas que hacer. Quisiera escribir por lo menos unas dos o tres horas al día.

¿Qué buscas o cuál es el fin de tu narrativa?

Fundamentalmente lo que busco es que el lector piense, se involucre muchísimo y así escape de lo cotidiano, de los estereotipos que atiborran nuestras vidas, que se libere de los lugares comunes que están tan arraigados en nuestros cerebros que bloquean nuestras capacidades para sentir, crear y ser libres. Lo que busco es generar espacios de autonomía, resistir a la servidumbre y a la muerte. Aunque todo lo anterior no se note tanto en El hombre de a cero, que parece más para entretener que otra cosa, pero de todas maneras tiene algo de esto también.

Del conjunto de historias de El hombre de a cero, ¿Qué historia te parece la más lograda y por qué?

No quiero fomentar la desunión entre mis hijos, pero si me obligas a hacerlo creo que Lilith, Amnesia y Alea Iacta Est son los más logrados. Sin embargo, si me refiero al cuento en sentido más tradicional creo que Mi primer quince y El espejo de mi vida son los mejores. Ah, no me puedo olvidar de Manchas.

¿Sientes que la minificción se ha puesto de moda? ¿Tienen que ver en esto las redes sociales como Facebook y con mayor razón Twitter?

La verdad que desconfío de eso. Facebook y Twitter ayudan mucho en la difusión de la microficción, yo, por ejemplo, siempre reviso los microcuentos que publica el grupo Micrópolis en el twitter, pero esto también se presta a que se crea que cualquier texto breve, cualquier chistecito se considere microficción. Hay que tener cuidado con eso.

La gente así cree que escribir microficción es lo más fácil del mundo, que cualquiera lo pude hacer y se deja de apreciar la verdadera literatura.

¿Qué sueles hacer antes de escribir? ¿Alguna manía o superstición?

Ninguna, aunque a veces luego de escribir algo que me gusta mucho suelo frotarme las manos emocionadísimo como si tuviera frío o golpeo repetidamente los dedos de una mano contra los de la otra, de arriba abajo, muy rápido. Creo que eso sí es una manía.

¿Cómo ves a las nuevas editoriales arequipeñas?

Bueno, creo que es muy importante la labor que realizan por los espacios que crean para la difusión de obras que normalmente no verían la luz. Luchan constantemente contra el mercado frívolo del best-seller y ya se están creando su propio mercado. Yo no sé mucho de eso, pero creo que Cascahuesos es muy prometedora, dicen que para el dos mil doce van a lanzar varios libros de narrativa, yo a “Vallejín” (José Córdova, editor de Cascahuesos) lo veo algo así como a un futuro Carlos Barral o Jorge Herralde (ríe).

Hablando de Barral y Herralde, ¿Crees en los concursos literarios?

La verdad que no. Dicen que fomentan la creación pero a veces solo hacen que la gente escriba para ganar dinero. La creación no necesita de fomento. El creador tiene una especie de animalito dentro de él que no lo deja vivir si no escribe, no lo hace por dinero. Si el dinero viene después ya es otra cosa.

¿Qué piensas de las nuevas formas de difusión de la narrativa como los blogs, páginas electrónicas sobre literatura?

Que son una gran cosa porque permiten que talentos que no tienen los recursos para publicar sean leídos por miles de personas. El problema es cuando se banaliza la creación y se convierte en un instrumento más para la dominación y el fomento de la pasividad como la televisión basura, MTV, que me parece el epítome de la estupidez humana.

Hablando de blogs, ¿qué nos podrías decir de tu flamante blog Insecto lascivo?

No sé, en realidad nace para promocionar mi nuevo libro y también hacer un poco lo que tú haces en el tuyo: publicar algunos cuentos y escribir mis opiniones. Debo confesarte que me inspiré en el tuyo para hacerlo. Es más se iba a llamar Juan Carlos Nalvarte Lozada, pero dije: “no, ya mucho plagio”. Y le puse Insecto Lascivo, que es un apodo que me puso Andrea, mi enamorada, cuando aún no estábamos y yo tenía la autoestima en el suelo y decía que era un insecto, que en cualquier momento me iban a aplastar, y ella decía que si era un insecto debía ser un insecto lascivo (ríe).

En uno de tus microrrelatos (“Cambalache”) nos enteramos de que el mundo no es como te lo contaron… Entonces, ¿cómo es el mundo para Juan Carlos Nalvarte?

No lo sé, está lleno de porquería por todos lados, y hay cosas que con solo pensar en ellas me da vértigo. Pero siempre hay un espacio para la esperanza, para los pequeños gestos que salvan a la humanidad: la señora invidente que te dice “gracias, angelito” cuando le compras un Olé Olé o el docente que a pesar de las decepciones sufridas día a día sigue luchando para hacer de esos energúmenos juveniles unos abogados con vocación. Antes creía que era todo lindo, pero gracias a las experiencias que me brindó mi colegio cuando estaba en secundaria me di cuenta de que no era así. Aunque eso no me desanima, porque si todo fuera perfecto no habría por qué luchar y eso sí sería sumamente aburrido.

¿Qué harías si te informan que una enfermedad degenerativa te impedirá leer pues irás olvidándote hasta de las vocales?

¡Diablos! Me arrepentiría de haber escrito ese cuento que ya ni me acuerdo como se llama.

En “Lilith” el personaje afirma “el demonio se engendra con mi semen”, ¿qué buscabas transmitir con este relato?

Creo que Lilith es una parodia de la represión del deseo sexual y de las convenciones sexuales. En una parte del relato el personaje se puso a rezar buscando ayuda divina o una distracción talvez, ahí me refiero al reprimir el orgasmo para poder “durar más” y así “quedar bien”. El personaje es una especie de monje atormentado o algo así. En realidad lo que me seduce es la mitología y más que todo la judeo cristiana.

En “Otra vez” pareces recurrir a una canibalización de tu educación sentimental y demostrando que, en verdad, eres de a cero… ¿O, al final, de “acero”?

Sí, hasta ese momento era de a cero. Escribí el cuento una tarde en la sospeché que me iban a plantar, en realidad estaba seguro y, al final, sí me plantaron. Ahora estoy vacunado, ya soy de acero (ríe).

En “Perdón, Varguitas” lo grotesco parece dar paso a una toma de distancia respecto a la obra de un autor canónico, ¿o me equivoco?

Sí, puede ser. ¿Qué escritor joven peruano no ha querido ser Vargas Llosa? Ya luego te vas distanciando y buscas nuevos autores y nuevas formas.

Finalmente, ¿qué nos puedes adelantar de tus próximos proyectos creativos?

¡Uf! Estoy en pleno proceso de un siguiente libro que tendrá de todo un poco: microcuentos, relatos hiperbreves, variada invención, prosas apátridas, viñetas, juegos de palabras, tipogramas, avisos de periódicos, índices de libros inexistentes, publicidades de todo tipo… En este libro plasmaré muchas ideas que me están persiguiendo con la finalidad de que el lector piense muchísimo. Además será un libro que me transformará totalmente, lo veo como un proceso de metamorfosis de mi yo que dará como producto este nuevo libro. Espero que me salga. También me gustaría escribir cuentos jurídicos y alguna novela fantástica, pero eso ya será luego del fin del mundo…

* Tomado de Micrópolis. También ha sido publicado en el portal chileno Letras.s5.com, donde se puede leer al final de la entrevista 3 relatos cortos de Nalvarte.

Miércoles 31: presentación de VIDA BREVE de Lolo Palza Valdivia

2011-08-29T10:17:00.000-07:00

Cascahuesos Editores y Albazos - pisco bar se complacen en invitar a usted a la presentación del nuevo libro del poeta peruano Lolo Palza Valdivia (Puno, 1964) Vida Breve. Este evento se llevará a cabo en Albazos - pisco bar, ubicado en Calle Berlin 172, Miraflores, el día miércoles 31 de agosto a las 21:00 horas; y la presentación estará a cargo de los poetas:

• Ana María Flores Núñez
• Domingo de Ramos

Agradecemos su gentil asistencia.

CASCAHUESOS anuncia la pronta publicación de SOMBRAS EN EL AGUA del escritor JORGE MONTEZA

2011-08-16T22:03:00.000-07:00

Jorge Monteza es, sin lugar a dudas, el escritor joven arequipeño más esperado de la última década. Su renuencia a la publicación durante estos años no ha hecho sino incrementar el morbo entre quienes han podido leer su narrativa diseminada ligeramente en revistas y validada en sendos concursos. Es en ése marco que Cascahuesos Editores se complace en anunciar la pronta aparición de su primer libro de cuentos SOMBRAS EN AL AGUA, que, estamos seguros, confirmará la excelente pluma de este narrador por tantos años esquivo.

Del autor

Jorge Monteza Arredondo (Arequipa, 1977). Estudió en la Escuela de Literatura de la Universidad San Agustín, allí obtuvo su primer reconocimiento literario en los Juegos Florales Universitarios (2000), también allí ganó un inusitado interés por la teoría y, por supuesto, algunos amigos que diría ya, de siempre. Dirigió, por la misma época, la esporádica revista Cártel. Ha publicado cuentos y ensayos en revistas locales y nacionales. El 2008 obtuvo una Mención Honrosa en el Concurso Literario El Búho; el 2009, premio al primer lugar, género cuento, en el concurso nacional “Víctor Humareda”; el 2010, 1er Lugar en el Concurso Literario El Búho. Pero se gana la vida como profesor en el Instituto Thomas Jefferson y coordinador cultural en la Oficina de Arte y Recreación de la UNSA. Es Licenciado en Literatura y Lingüística, ha cursado una Maestría en Artes (UNSA). Actualmente sigue la Maestría de Estudios Culturales de la Universidad Mayor de San Marcos. Sombras en el agua es su primer libro editado.

Nuestro nuevo debut: EL HOMBRE DE A CERO primer libro de JUAN CARLOS NALVARTE LOZADA

2011-08-11T12:22:00.000-07:00

Cascahuesos Editores anuncia la publicación de El hombre de a cero, primer libro del joven escritor arequipeño Juan Carlos Nalvarte Lozada. Apostando por la promoción de nuevos valores en la literatura del país, ahora es el turno de este talentoso escritor, quien se suma a nuestro gran catálogo de publicaciones de este año y que será puesto a disposición del público en las próximas semanas. Este primer libro contiene 24 relatos juveniles, la mayoría de ellos de corta extensión, llenos de una intensidad desbordante de humor y cargados de lascivia. Se puede leer varios de sus primeros relatos en el blog de microrrelatos Micrópolis.

Sobre el autor:

Juan Carlos Nalvarte Lozada nació en Arequipa en 1991. Estudió en el Colegio San José de Arequipa y, actualmente estudia Derecho en la Universidad Católica de Santa María y pertenece a su elenco de teatro. Está convencido de que los duendes existen. Idolatra a Juan José Arreola, Jorge Luis Borges, Julio Ramón Ribeyro y Guillermo Cabrera Infante y forma parte del naciente grupo cultural Heteróclitos. Ha publicado, en edición conjunta con el escritor Giovanni Barletti y bajo el seudónimo colectivo “José María Romaña” la colección de cuentos Los niños bueno no ganan (2008), libro que por gracia divina nunca logró ser distribuido. Administra el blog Insecto lascivo.

Sobre el libro:

«Acercarse a los microcuentos de Juan Carlos Nalvarte Lozada nos depara muchas sorpresas. Lo cotidiano, la vida que vemos pasar sin más, se torna aquí un buen silbido, una melodía que de pronto nos impactará, pues la creíamos olvidada. Juan Carlos recupera esos sonidos en cada una de sus brevísimas historias con la pericia que su mundo requiere». Ricardo Sumalavia.

Sobre CINCO MANERAS DE ARMAR UN TRAVESTI de César Eduardo Carrión

2011-08-09T09:37:00.000-07:00

Por José Donayre Hoefken

César Eduardo Carrión, en líneas generales, nos propone cinco estadios para sendos actos de lo que es una trepidante y dinámica puesta en escena llamada Cinco maneras de armar un travesti. El escenario es, por momentos, tan minimalista como la más compleja tradición de la poesía japonesa y, por otros, muy semejante al horizonte barroco y neobarroco de las letras hispanas: horizonte de crisis, transfiguración del ser y trastrocamiento de la identidad. Pero, sea cual fuere el artificio espacial diseñado por el poeta, aquel se despliega en variaciones que acentúan su naturaleza o distorsionan o quiebran sus propósitos, hasta el punto de aludir a una realidad tan poliédrica como simbólica en grados sumos.

Pero antes de continuar en indagaciones y divagaciones en torno a los alcances estéticos de Cinco maneras de armar un travesti, conviene desentrañar el acertijo que propone el título del libro, más aun si este no es un manual práctico para pertenecer o integrar el mundo LGTB (lesbianas, gays, transexuales y bisexuales) ni, mucho menos, una guía ilustrada para decorar las vitrinas de una zona rosa. En principio, estamos ante una intrigante provocación, frente a una propuesta que nos invita a tantear las posibilidades de, como aconsejan con insistencia los libros de autoayuda, pensar fuera de la caja. La invitación es clara para el lector, quien hallará cinco actos de esencia teatral, con sus respectivas didascalias, es decir, indicaciones añadidas al texto que señalan las particularidades de la puesta en escena, para armar —montar, construir, articular, formar— un travesti, o sea, una persona que, por inclinación natural o como parte de un espectáculo, se viste con ropas del sexo contrario. Estamos pues ante la ficción de una representación, en algún sentido una transgresión de la identidad y, en muchos aspectos, de una proyección del descubrimiento del otro, del distinto, raro o extraño a uno, exquisita metáfora de la apropiación de otras poéticas y su devenir.

Sin duda, la identidad es la clave del poemario y quizá su tema eje. Muchos autores siembran consciente o involuntariamente la clave de lectura ideal de su obra en algún lugar del cuerpo de texto. En el caso de Cinco maneras de armar un travesti la clave se localizaría en el ombligo o centro del libro, la «Tercera Gran Didascalia» (pág. 61), cuando el poeta le formula una pregunta nada retórica al místico y metafísico Plotino: «¿A mayor memoria, mayor identidad?», cuestionamiento precedido por un inteligente anacronismo, y sucedido por una solicitud entre el mandato y la sugerencia: «A mudar, entonces, Plotino. Muda de piel y de abismos, muda de voz y disfraces». Identidad en el cambio y la mutación, se entiende. Identidad transfigurada y llevada a límites impensables en los que los juegos verbales no son fuegos de artificio sino verdaderas llamas e incendios que fundan y refundan la realidad de palabras que subyace a toda ficción con pretensiones estéticas.

Veamos a continuación la propuesta de Carrión en cada acto de Cinco maneras de armar un travesti.

En general, distinguir las voces en este libro es imprescindible para advertir la riqueza de cada verso. Pero las voces del Apóstata y del Corifeo no son estrictamente puras. Esto se advierte desde el Acto Primero, donde lo moderno-tecnológico compite con lo libre-natural, en una supuesta reescritura de la historia del conocimiento y, sobre todo, del buen gusto. El Corifeo, por momentos una verdadera pulga en la oreja del Apóstata, desmitifica las rimbombancias poéticas de este en una suerte de remasterización poético-semántica, a partir de un código que busca reducir interpretaciones hasta lograr la univocidad irrestricta. Los volcanes compiten con los edificios, pero igual hay estrépito y se dibuja una realidad forzada al punto del disfuerzo. La cordillera andina refulge como una columna vertebral que define una América que eclipsa al mundo. La crítica a la globalización gana terreno en diversas tradiciones y registros: el maíz, el verdadero oro, como lluvia dorada que bendice al poblador americano. Nuestra realidad no se explica solo por el aporte occidental, es más amplia, ancestral, sabia e interesante, incluso cuando cae la cuarta pared del teatro del mundo y los espectadores-lectores empiezan a ser víctimas de sí mismos. Lo elevado y lo sórdido pugnan por el espacio poético: se cuenta la Conquista de América mientras se ironiza lo cursi y establecen distancias estéticas para distinguir a Adán de Eva. El regreso al útero podría explicar nuestra naturaleza cambiante, así como el pasado maldito se replantea en un mito que se relaciona con el aumento de muertes cuando se apagan las luces del escenario. Y no es solo instinto creador. Carrión recurre a descomposiciones silábicas y a versos flexibles que nos hacen pisar tierra, en un mundo fragmentado y en escombros, de fractales y de queloides que precisan nuestra naturaleza mortal, escindida y desastrosa.

El primer travestismo ha ocurrido y el lector se prepara para el Segundo Acto, pero esto implica una actitud diferente, una sensibilidad más allá del lenguaje. Ahora la voz es la de un Leñador, pero esto no es de ningún modo un hilo conductor de fiar. Todas las voces en una, como todos los fuegos, se elevan, buscan el arriba, una construcción sólida de piedra, desde la palabra, aunque el misterio estorbe y el espacio en blanco sea una reiterada invitación para el lector. Pero el arriba es impensable sin el abajo. La altura exige ciertas prohibiciones y referencias muy técnicas, en tanto que el cielo interviene sobre la tierra, como nube, rayo o lluvia. Somos observados, vistos trascendentalmente, y la explicación es un despliegue gráfico sobre la hoja. Se busca desesperadamente una revelación en sintagmas atropellados, en bisagras temporales, en contrastes semánticos que ironizan nuestros reflejos, en un oxímoron inolvidable («querube leproso»), hasta la degradación: una escena final que implica el cruce de nuestro mundo con la jerarquía divina, y en esa intersección se encuentra la madre, toda una quintacolumnista, entre otras explicaciones y símbolos, como la inminencia del relámpago.

El Acto Tercero implica un verdadero acto de fe poética. Las voces son del Librador (trasmutación del Apóstata) y el Corifeo/Apuntador, o sea, personajes transfigurados. Este último empieza con una descripción simbólica que páginas más adelante se decodificarán sorprendentemente. Mientras tanto, lo que intuimos a priori bastará para sostener nuestra lectura entre los fuegos e incendios, pues la pradera arde como fruto de un rito y como resultado de una devastación. Se trata de un largo poema que muchas veces se suspende en dos puntos o en una conclusión pendiente. Estamos ante una continua transformación de la naturaleza, con sus guerras, conquistas y sometimientos, con sus rituales y oraciones, con una reiterada crítica a la fe y también a la razón porque nada es suficiente ni pleno. Aparte de juegos metatextuales y salidas autorreferenciales, se busca una gran respuesta en lo mítico-histórico. Las parcas aludidas en el testimonio del Corifeo/Apuntador tienen una trascendencia más allá del destino. De repente en el mito de la caverna (en realidad una alegoría) porque es más que una explicación platónica. Es quizás el eslabón perdido que nos da luz sobre nuestro afán por capturar la naturaleza o llegar a una próxima conclusión, una plena explicación simbólica-sexual sobre la ley, la religión y la expresión creadora. Revelación que concluye en el fuego purificador propio de un rito con trasfondo estético: una fogata en el útero de una montaña rodeada por hombres que acaban de descubrir y asombrarse de su naturaleza cambiante.

La Cuarta Gran Didascalia es un arte poética que brinda el marco ideal para el Acto Cuarto. El epígrafe de Octavio Paz («falo el pensar y vulva la palabra») nos lleva a dar un giro mental que se hace tangible en noventa grados por la orientación que cobra el libro. Se trata de un cambio de eje, de hacer evidente el plano terrenal del poema, donde es más oportuno discriminar el adentro y el afuera, la hembra del macho en el machihembrado, hasta el establecimiento del espacio político de América, luego de un paciente moldeado de palabras. En este acto, el parir y el nacer es parte de una continuidad lógica, en la que el fuego continúa siendo un cuarto elemento de trascendental importancia para aspirar al arriba, hacia un espacio más amplio para hallar el sintagma exacto («Enrojece mi palabra»). En un baile de izquierda a derecha y viceversa, se propone un vaivén conceptual, e incluso una enumeración caótica de correspondencias entre opuestos no necesariamente complementarios. Los versos, quizá los más densos y lacerantes del libro, apuntan a ensimismar e interiorizar una estética para el autodescubrimiento, en dos tiempos, como una voz entre dos voluntades. Así, la palabra nos construye como ser ante el edificio de la poesía, nos definimos ante el otro en sucesivos ataques «sinestésicos», hasta establecer las diferencias a partir de lo sutil («consumadas/consumidas»), en un territorio donde la ceguera edípica tiene su contrapeso en el silencio divino —el aspecto más obvio de la quimera travesti— a la sombra del fuego.

El libro se cierra con un quinto acto (Último Acto), la sección más breve y electrizante del poemario: una suerte de díptico a dos voces (uno es Panurgo; el otro, Príapo), que de algún modo sintetiza los actos anteriores, pero también los reimpulsa y reverbera hacia lindes que dan más color a una puesta en escena ya rica en libertades cromáticas, en floraciones intensas en fuego y pasión. Una intensa búsqueda o, más bien escape, a través de la sordidez y promiscuidad, en la que apenas es posible salvar el pellejo del fuego de la calentura sexual, en una feria de sinónimos por abrazar y recubrir la piel toda de la poesía. Y poco antes del aterrizaje forzoso del remate final, todos los ejes como reflejo de todos los fuegos cimbreantes, en una travestida paz, se disparan hacia un discurso de la trascendencia donde falo (podría ser) la palabra y vulva nada menos que el pensar.

Con el poemario Cinco maneras de armar un travesti, Carrión nos recuerda que la poesía es uno de los más intensos ejercicios humanos y que, lejos de estar todo escrito por los cientos y miles de poetas que existieron antes que nosotros, incluso los que se encargaron de escribir nuestro destino o dar fe de nuestra absoluta libertad, hay aún malas y buenas nuevas bajo el Sol para sorpresa y deleite de la humanidad. Poeta de original estilo para buscar y rebuscar la verdad literaria debajo de los grandes, majestuosos y ruinosos monumentos de la poesía, César Eduardo Carrión se rodea, además, de maravillosos fetiches para hacer más inocente y maliciosa nuestra experiencia lectora en las arenas del goce de hallar una revelación que nos deje «sin palabras», nos haga más críticos ante la experiencia de redescubrir nuestros ombligos y nos lleve a entender el futuro como un replanteamiento creativo de nuestro pasado a partir de las manecillas del reloj presente que nos ha tocado.

César Eduardo Carrión
Cinco maneras de armar un travesti
Arequipa, Cascahuesos, 2011. 126 pp.

* Tomado del blog Esta boca es mía de José Donayre H.

Presentación de CINCO MANERAS DE ARMAR UN TRAVESTI de César Eduardo Carrión

2011-07-30T09:52:00.000-07:00

Hora:

Domingo, 31 de julio a las 4:00 p.m.

Lugar:

16ª Feria Internacional del Libro de Lima, Sala Ciro Alegría
Avenida Salaverry, cuadra 17, Parque Los Próceres, Jesús María
Lima, Perú.

Participan:

• José Donayre Hoefken
• José Córdova

Sobre el libro:

«En Cinco maneras de armar un travesti, César Eduardo Carrión nos ofrece una riquísima y ambiciosa elaboración poética a partir de diversos poetas de la tradición hispanoamericana, entre ellos José Lezama Lima y Octavio Paz. Se trata de una aventura de reescritura, como se practica últimamente por varios poetas, como Maurizio Medo o Héctor Hernández Montecinos. Quizá el “travesti” del título alude a esos travestimientos de escritura que le sirven a Carrión como plataformas de lanzamiento de sus versos» (Roberto Echavarren).

Presentación del libro OBRA POÉTICA COMPLETA de Edgar Guzmán

2011-07-22T14:46:00.000-07:00

Hora:

Domingo, 24 de julio a las 5:30 p.m.

Lugar:

16ª Feria Internacional del Libro de Lima, Sala Blanca Varela
Avenida Salaverry, cuadra 17, Parque Los Próceres, Jesús María
Lima, Perú.

Participan:

• Dr. Ricardo González Vigil
• Dr. Pablo Quintanilla
• José Córdova

Sobre el libro:

«Ya es hora de incluir a Guzmán entre las voces más admirables de una hornada pródiga en notables poetas, la llamada Generación del 50. Desde sus primeras composiciones, escritas entre 1955 y 1957, difundidas parcialmente entonces, asistimos a la plasmación de un lenguaje poético original, de rara densidad simbólica y pulimento verbal» (Ricardo González Vigil).

Cascahuesos editores en la 16ª FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO DE LIMA

2011-07-20T22:56:00.001-07:00

Este año, Cascahuesos Editores también está presente en la 16ª Feria Internacional del Libro de Lima (Avenida Salaverry, cuadra 17, parque Los Próceres, Jesús María - Lima), y para todos nuestros amigos que quieran adquirir nuestros libros, les indicamos que nuestro catálogo actual se encuentra en el stand 33 de Casa Tomada gracias a la distribución de Librería Comala. Así es, adquiera los últimos títulos de nuestros autores peruanos y latinoamericanos tales como:

Literatura peruana:

Enrique Verástegui – Juan W. Yufra – Hugo Yuen – Néstor Málaga – Jimmy Barrios – Robert Baca Oviedo – Edgar Guzmán – Domingo de Ramos – José Pancorvo – Vladimir Herrera – Giulián Gutié – Lolo Palza Valdivia – Jaime Coaguila Valdivia – Orlando Mazeyra Guillén – Yuri Vásquez – Gregorio Torres Santillana – Jorge Alejandro Vargas Prado

Literatura latinoamericana:

José Kozer – Cristóbal Zapata – Juan José Rodríguez – Luis Carlos Mussó – Ernesto Carrión – Alexis Naranjo – Felipe Mendoza – César Eduardo Carrión – Carlos Vásconez

Gran publicación de Cascahuesos: 31 / MODELO PARA DESARMAR. MUESTRA DE POESÍA IBEROAMERICANA ACTUAL

2011-07-19T22:23:00.000-07:00

Cascahuesos Editores se complace en anunciar la pronta aparición de 31 / MODELO PARA DESARMAR. MUESTRA DE POESÍA IBEROAMERICANA ACTUAL, compilación de poesía elaborada por el destacado escritor peruano Miguel Ildefonso, que reúne a 31 poetas significativos iberoamericanos, entre los que ya podemos mencionar a Marcos Canteli (España), Ernesto Carrión (Ecuador), Rocío Cerón (México), Washington Cucurto (Argentina), Héctor Hernández Montecinos (Chile), entre otros destacados poetas que garantizan un libro fundamental para la poesía actual en nuestra lengua.

Al respecto, el compilador Miguel Ildefonso nos refiere: “Es una muestra - o si prefieres llamarlo antología, llámalo así - de autores iberoamericanos, efectivamente iberoamericanos, pero utilizo este concepto político-cultural por el simple hecho de no haber otro que los englobe mejor. Porque considero que cada poeta es un modelo estético a desarmar (o desamar); y cada poeta, a su vez, se encargará de desarmar (o desalmar) al lector mediante su modelo de seducción. Y, por ello, el resultado del conjunto —que es lo que me compete a mí como compilador— se me hace que es lo más parecido a un antimodelo, justamente por querer captar la dinámica del movimiento, del proceso vivo y globalizado de la poesía actual: sus traslaciones, sus exilios, sus refundaciones en construcción.”

Sobre el compilador:

MIGUEL ILDEFONSO
Nació en Lima, Perú, en 1970. Estudió Literatura en la Universidad Católica del Perú e hizo una Maestría en Creative Writing en la Universidad de El Paso, Texas. Ha publicado, entre otros, los libros de poesía: “Vestigios”, “Canciones de un Bar en la Frontera”, “Las Ciudades Fantasmas”, y “Los Desmoronamientos Sinfónicos”. También ha publicado las novelas: “Hotel Lima”, y “El Ultimo Viaje de Camilo”. Su poesía y prosa han sido publicadas en antologías como “Pasajeros Perdurables. Historias de Escritores Viajeros”. Ha ganado premios como el premio nacional “Copé de Oro” Poesía (2002) y el Concurso de Cuento Alfredo Bryce Echenique (2003). Recientemente obtuvo el Premio Nacional PUCP 2009 en la categoría poesía.

Nuestra décima publicación internacional: EL CARACOL DE ARENA de INÉS FERRERO CÁNDENAS

2011-07-10T08:36:00.000-07:00

Cascahuesos Editores se complace en anunciar la pronta aparición de El caracol de Arena, primer libro de poesía de la Asturiana Inés Ferrero Cándenas. Sin duda se trata de un primer texto maduro y que significa un total acierto para su autora, quien se ha dedicado durante varios años a la investigación literaria y la docencia en distintas universidades del Europa y América.

Sobre la autora:

Inés Ferrero Cándenas, 1979, Asturias. (España). Estudió Filología Inglesa en la Universidad de Oviedo, Asturias. A los 22 años decidió continuar sus estudios literarios en la Universidad de Edimburgo, Reino Unido, donde realizó una Maestría en Literatura Comparada y posteriormente un Doctorado en Literatura Hispanoamericana con una tesis sobre la relación entre México y el Surrealismo desde una perspectiva de género. Después de cinco años estudiando y trabajando como TeachingAssistant en la Universidad de Edimburgo, obtuvo una beca Postdoctoral de la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECID) para pasar un año en la Universidad de Guanajuato. Durante ese año sacó una plaza definitiva de tiempo completo en dicha universidad, donde actualmente continúa trabajando como profesora investigadora. Su investigación académica se ha centrado en escritoras mexicanas, estudios de género y las relaciones entre la literatura y las artes visuales. Ha publicado varios artículos en revistas arbitradas nacionales e internacionales e impartido conferencias en Reino Unido, España, Estados Unidos, Perú, Ecuador, México y Colombia. Su primer libro, “GenderingtheMarvellous: Remedios Varo, Elena Garro y Carmen Boullosa”, es de carácter ensayístico (crítica literaria) y ha sido publicado conjuntamente por la Universidad de Guanajuato y la Universidad de Michoacán, México. El caracol de Arena es su primera incursión en la poesía.

EL INFIERNO INTERIOR (a propósito de LA PROSPERIDAD RECLUSA de Orlando Mazeyra Guillén)

2011-07-05T12:08:00.000-07:00

Por Carlos Rivera

A propósito de La prosperidad reclusa de Orlando Mazeyra Guillén

“Un hombre se propone la tarea de dibujar el mundo. A lo largo de los años puebla un espacio con imágenes de provincias, de reinos, de montañas, de bahías, de naves de islas, de peces, de habitaciones, de instrumentos, de astros, de caballos, y de personas. Poco antes de morir, descubre que ese paciente laberinto de líneas traza la imagen de su cara”.

Jorge Luis Borges

Hastiado Gustave Flaubert, y para que se develara quién era Madame Bovary, éste respondió: (Madame Bovary, c’est moi) “la Bovary soy yo”. Y es que ese gran personaje de la literatura universal se convirtió en su sangre y su alma (si ésta existe). La novela fue mas allá de la ficción y causó escándalos en la sociedad francesa siendo procesado en 1856 por “ofensas a la moral y a la religión” creyendo los acusadores, desde sus ignorancias y prejuicios, que la obra alteraría las buenas costumbres. De hecho, los personajes de la novela en su mayoría fueron extraídos de las vivencias personales y de escenarios reales, producto de una investigación obsesiva por encontrar arquetipos para su novela. Pero la literatura es una gran mentira hecha con trozos de la realidad y cuando estos hechos constituyen el corpus literario, ya pertenece a la dimensión del arte. Partiendo de esta breve reflexión que nos pretexta el libro del escritor Orlando Mazeyra Guillén, podremos ensayar algunas consideraciones preliminares acerca de La prosperidad reclusa.

Cada uno de los personajes del libro enfrenta distintas vicisitudes de la vida, pero no desde la periferia de las cotidianidades de personas felices y dignas de imitarse para olvidarse de las desventuras, sino desde los suburbios de la conciencia, es decir desde el infierno que todos llevamos dentro. El autor no intenta crear ambientes, paisajes sociales ni paradisíacos, sino atmósferas, sensaciones, exorcismos. Orlando Mazeyra escogió el infierno para deslizarse por sus recovecos y darles temáticas comunes como el amor, el trabajo, la ilusión, el amor filial, el sexo, la locura y la perversión. Cosa curiosa, los cuentos hablan implícitamente de la prosperidad, pero no entendida desde elucubraciones sociológicas, sino desde la vertiente de un grito, un delirio hacia la vida o a la libertad y a las cosas de este mundo. Es decir, la prosperidad como una utopía personal hecha a medida del individuo.

Las huellas inmediatas a las que nos remite el libro, son Los inocentes de Reynoso, ese delirio poético callejero de una sórdida Lima. O la salvaje collera de Matacabros de Sergio Galarza, y la violenta narración de Rilo en Contraeltrafico. Sin dejar de lado, desde luego, los solitarios y abyectos personajes de Julio Ramón Ribeyro. Claro que también asoman los ecos de Bukowski, Henry Miller, Mario Vargas Llosa y Sartre.

El plus de Orlando Mazeyra a la literatura (al menos en esta obra que leí) es la música, que le da cadencia a las historias, aunada a una perspectiva visual cinematográfica que parecieran escenas de un film con un protagonista central, un guión inconcluso y un escritor omnisciente que alimenta a su antojo las peripecias de los miserables personajes para lograr un desenlace a modo de flashback. Esto da pie, a su vez, a que al menos, en esos viajes oníricos, tengamos un acercamiento a lo total (lo visual, literario y musical).

El autor a través de la obra expresa su desencanto, su rabia, sus delirios existenciales y para arroparle de belleza literaria recurre a una poética personal donde las palabras son un festín de frases que, desde luego, pretenden una estética original. Avizoramos que en algún momento se constituirá de manera sólida en una obra mayor o quizás una novela. En este libro que comentamos, vemos un excelente comienzo hacia ese sendero.

Dentro de los cuentos que componen el libro, a juicio personal, considero el más logrado, “Tras la puerta”, que sintetiza toda esa poética a la que nos referimos anteriormente, donde el personaje Obdulio transita ese pedazo de su existencia entre un enfrentamiento con su génesis patológica, la búsqueda de la verdad y de sus encuentros y desencuentros con sus tormentos esquizofrénicos y las curaciones a las que es sometido por los especialistas. En esas misceláneas pasadas, y hechos presentes trasunta una añoranza filial, una búsqueda infinita por un poco de comprensión (¿o tal vez una prosperidad sentimental?) que consuela con el apego hacia su madre (o acaso un ideal de ella). Al final, no hay nada revelador, sólo la presencia rotunda, dolorosa y temeraria de su progenitor como parte de su ser que lo acompañará por doquier en los avatares de su existencia. El cuento no gana por K.O. sino por perplejidad.

Los representantes de la actual literatura arequipeña, hace tiempo que han dejado las temáticas comunes y tradicionalistas. Los nuevos escritores jóvenes como Orlando Mazeyra Guillén hacen caso omiso de este canon sagrado del cual algunos todavía creen imperecedero. Porque esta nueva (aún no me atrevo a llamarla generación) pléyade de escritores no tiene miedo de escribir de putas, violencia, drogas, amores, sexo o de algunas pasiones bizarras que giran en su entorno social y cultural. El escritor arequipeño posmoderno es menos timorato, más poético y más trasgresor.

Consideramos por ello que el autor de este conjunto de cuentos escribe sin miedos, ni ataduras o complejos, enfrenta las historias y las plasma con todo su arte. Por momentos parece autobiográfico, representándose a sí mismo, en cada uno de los seres que desfilan en La prosperidad reclusa. El autor parece dejarnos alguna huella evidente del por qué de su escritura en el segundo cuento del libro: “La dulce espera” (aunque tal vez la presunción podría ser atrevida):

“Cuando empiezo a escribir siempre lanzo un bumerán que retorna y se parte en mi crisma. Son las migrañas nocturnas, o algo más que eso: una punzada en los ojos, de atrás hacia adelante y de adelante hacia la nuca, un vértigo que me acomete cuando trato de recordar a papá”.

Entonces, para finalizar y volviendo a la declaración de Flaubert con respecto a Madame Bovary, es que se puede colegir que La prosperidad reclusa es la expresión de un infierno interior del autor. Las lágrimas, sueños, y perversiones plasmadas en un elevado trabajo hecho con un amor visceral por la literatura. Es la simbiosis poética de la vida y las palabras.

* Tomado del blog de Carlos Rivera.

Cascahuesos Editores en ELEO, una APLICACIÓN para LIBROS en FACEBOOK

2011-07-03T16:58:00.000-07:00

Franceses crean en Chile aplicación de Facebook para “hojear” libros en red

Por Fuencis Rausell

Santiago de Chile, 1 jul (EFE).- Dos jóvenes franceses han creado en Chile una aplicación de Facebook que desde hoy permite “hojear” en línea libros en español de editoriales independientes, con el fin de abrir nuevos horizontes literarios a los millones de usuarios de esa red social.

“Es como cuando estás hojeando un libro en una librería”, dijo a Efe Cyril, quien, junto a su amigo Charles, ideó esta plataforma, bautizada como “eleo” y que está disponible desde este viernes en el enlace http://apps.facebook.com/eleo-fb.

La aplicación mostrará cada día un máximo de tres extractos de un solo libro, enviado por editoriales independientes, para que los lectores puedan saborear un trozo del relato y comprobar si es de su agrado.

Junto a esos párrafos se podrá incluir también una reseña de la obra. Por el momento ya se han sumado a este nuevo escaparate cinco editoriales, la chilena Lom Ediciones, la argentina Teseo, la peruana Cascahuesos y las españolas Salto de Página y A Fortiori.

La idea, de proyección universal, surgió a partir de un pequeño accidente doméstico. Hace año y medio, el hijo de Charles, que entonces tenía cuatro años, quebró la pantalla del dispositivo en el que su padre solía leer documentos de trabajo y libros electrónicos.

Entonces, Charles y Cyril empezaron a buscar aparatos electrónicos en varios países y evaluaron la posibilidad de importar esos dispositivos desde China, pero el proyecto requería de una gran inversión inicial y suponía un gran riesgo.

“Así que le dimos la vuelta a la idea y cambiamos el enfoque para centrarnos más en el contenido que en los aparatos”, explica Cyril, de 30 años e ingeniero de telecomunicaciones.

Ellos, que después de nueve años han hecho de Chile su hogar, quieren mostrar además que es posible llevar adelante proyectos innovadores surgidos en un país del hemisferio sur.

Por el momento el contenido será sólo español y de editoriales independientes, que “son las que no tienen plataformas para dar a conocer sus libros”, añade.

En esta primera etapa, Charles y Cyril no pretenden vender contenidos a través de la plataforma, pero sí pueden agregar un enlace a alguna página web donde la editorial comercializa el libro, ya sea en papel o en formato electrónico.

Su integración en Facebook permite además llegar de forma directa a un público potencial, que los cibernautas compartan comentarios y extractos con sus contactos, y publicar la obra sugerida cada día en el muro de los usuarios.

“eleo” posibilita que el usuario vea en pantalla los extractos o que los baje en distintos formatos (epub, pdf y txt) para leerlos después en distintos tipos de aparatos, como eReader, teléfonos inteligentes o tabletas del tipo iPad.

Si la iniciativa va viento en popa, sus creadores se propondrán nuevos retos, como incluir otros idiomas, vender las obras en formato digital o adaptar la aplicación a otras plataformas, como la red LinkedIn, el sistema operativo Android y los teléfonos Blackberry.

Cyril avala las bondades de los libros en formato digital. “No sé si es más cómodo, pero desde luego es igual de cómodo” que el de soporte en papel, sostiene.

“La ventaja es que puedes tener muchos libros en el aparato, unos 1.500 libros. Es bastante chico y tiene una autonomía muy grande, porque solo consume energía cuando cambias de página, y la carga de batería permite leer unas 8.000 páginas”, explica.

Si un pequeño aparato puede albergar toda una biblioteca, ahora, con “eleo” se podrán abrir nuevas ventanas para, a través de la lectura, asomarse a otros mundos disponibles a solo un click de distancia. EFE

* Tomado de la Web española Expansión.com. La imagen ha sido tomada del weblog Zancada.com donde también puede leer otra nota sobre esta noticia.

Cascahuesos Editores en la TERCERA FERIA DEL LIBRO ZONA HUANCAYO

2011-06-26T10:06:00.001-07:00

Gracias a una gentil invitación por parte de la organización, Cascahuesos Editores estará presente en la Feria para realizar las siguientes actividades:

Lunes 27 de junio: Presentación del catálogo de publicaciones de Cascahuesos Editores

Hora: 6:40 p.m. - 7:40
Lugar: Auditorio Oswaldo Reynoso de la Feria
Más información: Son más de 30 títulos publicados de los cuales 10 ya están agotados. La idea es conversar un poco acerca de la edición en el Perú, sobre todo en ciudades periféricas como Arequipa o Huancayo, para ello contaremos con la participación de José Córdova (Cascahuesos Editores) y Jorge Salcedo Chuquimantari, editor del sello Bisagra Editores.

Martes 28 de junio: Presentación del libro “Vida breve” del poeta Lolo Palza Valdivia

Hora: 3:10 p.m. - 4:10 p.m.
Lugar: Auditorio José María Arguedas de la Feria
Más información: El poeta Lolo Palza Valdivia (Puno, 1964) acaba de publicar en nuestro sello su nuevo libro de poemas, “Vida breve”. Acompañará en la presentación José Córdova. Los esperamos.

Nuestra nueva publicación: DABAI, CHELO, DABAI del escritor peruano GIOVANNI BARLETTI

2011-06-14T10:12:00.000-07:00

Anunciamos la aparición del sexto título de nuestra colección de narrativa “Los juegos verdaderos”. Se trata de Dabai, Chelo, dabai, segundo trabajo del joven escritor moqueguano Giovanni Barletti, un estupendo libro conformado por 4 relatos largos o novelas cortas, cuyos vasos comunicantes entrelazan todo el conjunto conformando a la vez una sola historia, es decir, que el libro podría leerse como una novela ambientada en 4 espacios geográficos distintos, y 4 tiempos distintos.

Sobre el autor:

Giovanni Barletti nació en Moquegua en 1988. Estudia Derecho en la Universidad Católica de Santa María de Arequipa y es miembro fundador y presidente de turno de la asociación cultural juvenil “Los malos muchachos”, organización sin fines de lucro que promueve la lectura en la ciudad de Moquegua. Ha publicado, en edición conjunta con el escritor Juan Carlos Nalvarte y bajo el seudónimo colectivo “José María Romaña”, la colección de cuentos Los niños bueno no ganan (Arequipa, 2008), libro que por gracia divina nunca se distribuyó. También ha publicado la colección de cuentos El que no corre, vuela (Arequipa, 2009).

Adquiera estos títulos de Cascahuesos en:

2011-06-12T20:23:00.000-07:00

Nuestra nueva publicación: ESTIGMAS de Filonilo Catalina

2011-06-06T16:01:00.000-07:00

“Estigmas”: 27 poemas para un gran homenaje

Nos complacemos en anunciarles que ya se encuentra en prensa nuestra nueva publicación, se trata de Estigmas, sexto libro del poeta peruano Filonilo Catalina. Estigmas es un rico trabajo poético que conmemora los 100 años del nacimiento de Carlos Oquendo de Amat (Puno, 1905), quien, como ya sabemos, en vida publicó un único y extraordinario libro: 5 metros de poemas (1927), por el que se le considere como uno de los grandes pilares de la vanguardia peruana y latinoamericana. Cabe recordar, además, que Catalina es un gran promotor cultural del sur quien, no obstante, a pesar de su temporal retiro del mundo literario, desde su primera publicación en el año 2000, el poeta se ha dedicado a recorrer gran parte del país llevando su obra de extremo a extremo.

Datos del autor:

Filonilo Catalina (Coaza-Puno, 1974). Estudió Literatura y Lingüística en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa, y tiene publicados los libros de poesía: Memorias de un degollador (Arequipa, Triángulo editores, 2000), La canción de la cucaracha (Arequipa, Triángulo editores, 2003), Janaí, o para bailar bajo la lluvia (Arequipa, Grita ediciones, 2004), Poesía (Arequipa, Ediciones Cascahuesos, 2006) y El Monstruo de los cerros (Lima, ediciones Copé, 2007) con el que obtuvo además el Tercer lugar de la XIII Bienal de Poesía «Premio COPÉ 2005» que organiza PETROPERÚ. También ha obtenido los primeros lugares en el I y II «Concurso Literario de Cuento, Poesía y Ensayo Breve» organizado por el semanario El Búho en 2007 (en cuento) y 2008 (en poesía).

ARS LÁSER: (CAOSMOS digital en BARRIDO DE CAMPO de Juan José Rodríguez)

2011-06-04T08:54:00.000-07:00

Por Darwin Bedoya

I. (Sermo artifex) primera resurrección de la poesía:

[…] Run: en Esfera, la forma de un movimiento, uno de los libros más extensos de Archie Randolph Ammons, el poeta elabora un discurso en base a ciertos elementos compositivos que el sujeto poemático va haciendo suyos en torno a tres frecuencias que arman la unicidad expresiva: la geología, la física y la cibernética. Tal vez de ahí derive el título del decimoquinto libro de este poeta norteamericano que escribe un poco alterno a compatriotas suyos como Langston Hughes, Amy Lowell o Theodore Roethke. En la página actual, empleando un paratexto de Ammons, el poeta ecuatoriano Juan José Rodríguez Santamaría (Ambato, 1979), publicó Barrido de campo, el baile de la esfera (Cascahuesos Editores, 2010, 72pp.). Quizá transponiendo una paramagnética electrónica que oscila entre una percepción sensorial y un discernimiento intelectivo, Rodríguez desarrolla una amplitud y una frecuencia de modulación, casi bebiendo algunos sorbos del mismo arroyo que Ammons y que Alexis Naranjo pareciera haber gustado para escribir Ámbar negro. O, en esta misma continuidad, el poema en prosa Estado sólido de Rafael Courtoisie, Carne de píxel de Agustín Fernández Mallo y Coagula del poeta uruguayo José Manuel Barrios. Todos ellos con ciertas alusiones a la modernidad; a sugerencias físicas, cuánticas; a pintores cardinales, a filósofos del lenguaje, a cirujanos plásticos, a biólogos moleculares, a músicos de post-rock, etc. En esta línea de rizomas apunto una conciencia temática y de actualidad poética que envuelve esta tendencia en la poesía de hoy: Resurrección de la poesía.

En barrido de campo, también es posible advertir ciertos cronotopos que Gilles Deleuze apuntaba acerca del vacío y la ceniza, sobre las escrituras nómadas y rizomáticas, especialmente sobre el asunto de las multiplicidades. Esto supone que se considera, de modo especial, la constitución del libro en sus varias interpretaciones, y como ocurre en este caso, barrido de campo está hecho de materias diversamente formadas, de fechas y de velocidades muy diferentes. Velocidades de barrido. Velocidades de escape. Ars láser. Homo digitalis. Pixeles. Plasmas. Iones. El poema rompe los vidrios y la luz. El poema penetra los astros. En el libro se pigmentan las ideas, se atiende a las materias y a la exterioridad de sus relaciones. Se perciben movimientos electrónicos, líneas de articulación o de segmentaridad, estratos y territorialidades digitales, reproducciones de vídeo, filmaciones del interior cerebral; pero también líneas de fuga y movimientos de desterritorialización. Las velocidades comparadas de flujo que generan fenómenos de retraso relativo, barridos de campo. Todo eso, en imágenes y líneas y velocidades insondables. Por esa temperatura, por su registro expresivo, por la ubicuidad del sujeto poemático, por la unicidad de las seis partes que estructuran barrido de campo, puede entonces afirmarse que este texto es un libro que se sitúa en la contemporaneidad, además de su lúcida y profunda conciencia para considerar y leer el mundo digital de hoy, todo bajo el orden de una rigurosa geometría poética. Los libros, como bien dice Sloterdijk, conforman esferas, círculos de resonancias, imágenes, señales, huellas, expresiones… rostros escritos. Lecturas láser. Lecturas posibles como una propuesta o puesta en práctica de la reprogramación del mundo contemporáneo, un mundo poético escrito en prosa y con una conciencia absoluta de la brevedad y la contención del lenguaje, una contemplación del tiempo que, como se puede percibir en el libro, va entrecruzando discursos y avalanchas digitales de memoria que van aportando una cadencia desafectada pero constante, para lograr una poesía como ésta que leemos en coordenadas con el más reciente poemario que Rodríguez Santamaría ha publicado Cromosoma, en la editorial Eskeletra, 2011.

II. (Lectura láser) segunda resurrección de la poesía:

[...] Next: son ineludibles y por lo mismo inconfundibles aquellas obras en las que se puede entrar y respirar, que tienen atmósfera y clima. Que señalan rupturas y exponen propuestas. Ahora sé (está confirmado) que cada poema debe ser causado por un imperioso escándalo en la sangre. Nadie en su vida pavorosa puede llegar al paraíso con los ojos secos, nadie. No se puede escribir con la imaginación sola o con el intelecto solo; es necesario que la memoria, la sapiencia, la vida, el olvido, la lejanía, la distancia, el corazón y, los grandes miedos; y las ideas, y la sed y el lenguaje y de nuevo la sapiencia y el miedo; el riesgo, la experimentación, todos trabajen yuxtapuestos, al unísono. Mientras uno se inclina hacia la hoja, mientras el poeta se despeña en el papel e intenta nombrar la ceniza, el vacío. El paraíso está en otro lugar. Hay un pequeño ruido en la sangre. El humo, cigarrillos. Una sombra es el miedo, mientras alguien se despeña en el papel. Y esta escena nos remite, de algún modo, a lo que se decía desde las postrimerías de las vanguardias, cuando se afirmaba que la poesía, a partir de un cierto nivel, se burla absolutamente de la salud mental del poeta y de quien la lee: su más alto privilegio —de la poesía— consiste en extender su imperio mucho más allá de los límites determinados por la razón humana. Para la poesía, los únicos escollos serían la banalidad y el consentimiento universal. Desde Rimbaud y Lautreamont sabemos que los más bellos cantares son a menudo los más extraviados y lúcidos. Cantares de Nerval, Hölderlin, Donne, Blake, Eliot; Trakl, Kavafis, Celán, Pound, Rilke, todos mostraron lo más alto de su creación, de sus obras. Manifiestos que lejos de haberlos aprisionado en sus compartimientos, les dieron alas, fue como si el delirio hubiese desatado el lenguaje, como si por un puente aéreo ellos hubiesen entrado en comunicación fulgurante con nosotros. Velocidad de barrido. Por eso, releyendo barrido de campo, uno entra en la cuenta de que sucede un clima fulgurante, digital, electrónico, un aura de alta tecnología se transfigura en un decir poético. Si en este libro de Rodríguez Santamaríallueven iones, átomos, imágenes evanescentes; diremos que estamos alejándonos de las composibilidades reiteradas que tenía la poesía y que a partir de las poéticas —heterogéneas— de Héctor Hernández, Ernesto Carrión, Javier Bello, Maurizio Medo, Alejandro Tarrab, Victoria Guerrero, Miguel Ildefonso, Paula Ilabaca, Rocío Cerón, etc. La poesía ha empezado a encontrar —desde hace rato— una nueva pluralidad, una contemporaniedad que requiere nuevos espacios.

Para acercarnos un poco más a la poesía de Rodríguez Santamaría, nada mejor que transitar por el camino que conduce al proceso de apropiación de la poética del autor. Esta es una obra configurada por los matices que pulsa la poesía, que arrastran al lector hacia las esencias recreadas en un sentimiento interior de lo diferente y de la propuesta. Esto también se manifiesta en el simbolismo de determinadas imágenes recurrentes que captan la esencia de la condición humana y la desesperanza: Soy un cuerpo fracasado (p. 15). Soy un cuerpo fracasado, pero mi vergüenza ya carece de rostro (p. 18). Y mi rostro es una piedra arrojada en cada uno de mis huesos concéntricos donde no hay nombre para mí (p. 21). Este día sueño con destruirme. Volarme con un pájaro la sien del cielo para que mi cerebro se haga espuma en el mar (p. 63). El cielo es fiesta sin mí (p.52). En realidad, buen aspecto tiene el cielo sin mí (p.59). No quiero morir, pero quiero (p.33). Mi cuerpo es ahora un objeto para definir la muerte en sus extremos de aplauso (p.62). El vivir para la muerte heideggeriano constituye una dimensión inseparable de la escritura.

Sobre este espacio inerte sólo pueden erigirse bastimentos de lenguaje. El lenguaje está construido de pasado y futuro —tecnológico—, y se torna en un contenedor de la muerte. Vacío, silencio, lenguaje y muerte. Arte, ciencia y tecnología cohabitan en un mismo plano. La muerte es una hora que existe. Lo mejor de la vida debe ser, sin duda, la muerte. En barrido de campo se muestran una y otra vez, casi como norma y no como excepción, las manifestaciones de libertad y desasosiego del sujeto poemático que como tal, deja de oponerse a nociones ideales de transformaciones. Sólo unas palabras bastan para indicar la posición del yo lírico y sus contextos: Cada palabra es una vuelta al silencio (p.15). «No entres acá, hermosa palabra destruida» (p.16). Mis arterias son ramas de un eucalipto sumergido en un cielo de agua (p.60). Esta reiterativa sensación de ruina y vacío introducen al lector en un sistema único, de manera que éste se siente como parte de una totalidad más amplia en la que está, de una u otra manera, implicado. El sujeto poemático instaura un mundo particular, transforma el sistema de referencias y de relaciones con las cosas características del mundo en que impera la vida práctica —la poesía— e instala al lector en un microcosmos extraño en el que viven las sensaciones de un caosmos digital, y dentro de este submundo, se suceden las alusiones a la tecnología, en especial a la electrónica: Reproduzco un vídeo ya reproducido dentro del cerebro: el cielo pausado (p.40). Abrimos la canilla de las imágenes virtuales hasta la embriaguez (p.42). El ojo es como un faro halógeno frente al reino de este mundo. Canal aleph (p.43). Una onda hertziana dibuja una hipérbole en el cielo (p.58). Transmisión en directo de mí. Difusión de mí. Exento (p.44). Vibran mis párpados como un control remoto del espíritu (p.47). El mundo digital del yo lírico en el que caben silencio, dudas, vacilaciones y temores, supone apremios, ansias de atrapar la esencia. Es posible, a través de estas imágenes digitales, percibir la particularidad de este mundo, del propósito de la vida, del vacío, y junto con él, la reinterpretación de la existencia desde la perspectiva de la esperanza. El sol se hunde en el mar y aparece la espuma de un cerebro reventado. Ars láser. Y entonces, la misión del poeta es inventar lo que no existe.

Variar su forma de escribir, saltar barreras y levantarse en una delirante fragmentación poética y reflexiva, cercana o dentro del vacío: Sobre el vacío, las moléculas del señor se mueven a la velocidad de mi fe más oscura (p.12). Mi cabeza siente en su mejilla la ceniza de una estrella no caducada todavía (p.19). No hay lunas colgadas como tallo de trébol. Ceniza cayéndose a la tierra, trepando la escala, gravedad abajo (p.31). Sólo estos huesos tienen una extraña solidez para el llanto (p.34). Las aves serán profecía de otra cosa. Una vez más. Otra cosa. Siempre (p.34). De ahí el clamor final que tiene intenciones autodefinitorias del comportamiento humano, la señal que se transfigura en la profunda innovación, el disloque de la asimilación estilística y conceptual del pensar y obrar de otros coetáneos suyos aunque exista el temor, la presencia de la muerte, la desaparición como algo natural, humano. Poco a poco la palabra y su ritmo se internan en una especie de sueño y tratan de explicar la fuerza de la imaginación: Temo al mundo, el mundo: esa carta navegada de la muerte (p.25), La muerte: un ticket de descuento. Dos tickets de descuento. Tres. Ocho (p.48), La muerte es una pulserita folklórica (p.37).

Esta es una meditación que parte de la palabra para llegar a la poesía. Explora la nada a través de la poesía en una singular plenitud. Abandona los rasgos convencionales de la escritura como testimonio de una época de fragmentaciones y discursos superpuestos. Rodríguez acompaña sus códigos estéticos, exhibiendo una habilidad vertiginosa para moverse, por momentos, en un registro variado de simbologías tensadas y llenas de resignificación. Así, empiezan a derrumbarse las fronteras de los terrenos reservados al conocimiento científico. La poesía comienza a explorar otras instancias, con su precisión del lenguaje, de la plasticidad de la palabra poética, de la construcción de una poética renovada como esta que se lee en barrido de campo. Este es un discurso lúcido y desconcertante.

III. (Velocidad de Barrido Technicolor) tercera resurrección de la poesía:

[...] Bam: La poética de Rodríguez va eligiendo silencios y vacíos para crear un nuevo lenguaje de lo no dicho y de lo borrado. Hay un retorno a la resurrección y la poesía vive. El silencio escrito es la poesía. Ese silencio poético suena de manera natural, en una poética de la exploración, del diálogo humano, de un nuevo significado en las letras de la poesía hispanoamericana. Rodríguez Santamaría, en barrido de campo procesa un ritmo sincopado que da voz al silencio, a la imposibilidad de revertir las cenizas y el vacío, pero también al deseo de mantenerlas como fuente de luz. El fuego —y con él la ceniza— desdice su poder destructor y se ampara en su aspecto iluminativo. Así, la poesía va discurriendo dentro de una escritura en prosa para alcanzar el centro de la poesía misma: Abres los ojos como faros y la realidad es objeto desechable y la calle está cerrada por obras (p.53). Los ojos se reemplazan pero no se cancelan de por vida, la idea es enfrentar a la lengua, al lenguaje. Porque se trata de despojar a las palabras de sus atributos, de su significado anterior para que recuperen un sentido moderno, electrónico, y entonces aplicarlo a la imagen digitalizada de esta época. El esfuerzo del sujeto poemático consiste en hacernos volver a entender cada una de las palabras como si fueran pronunciadas o leídas por primera vez. Lectura láser. A menudo, en barrido de campo, el pensamiento se violenta hasta la depuración total de la palabra y, sobre todo, provoca el imposible deseo de definir el silencio en silencio: Callejones mentales que son callejones reales en mi cerebro de islas y cobijas manchadas. La pantalla es un imago tumoral de reproducción geométrica. Este proyector de fiat lux en technicolor con su tentáculo de pulpo cordial lame mis ojos (p.41).

En esta propuesta se percibe, además, que en ciertos momentos ocurre una suerte de ausencia, pareciera que todo sabe a ausencia: Ahora este mapa es un pliego de arcilla y ahora es una línea que se hace fronda en mi retina junto a la carretera (p.17). En la cama, mi cerebro es una bola de goma que observa sola, parpadeante (p.40). Se asume la nada y, la mayoría de poemas asumen un silencio, casi como una excavación o un precipicio. Y entonces se manifiesta la sensación de que el discurso es una carrera en la que cada vez que damos un paso, el suelo se derrumba detrás de este, y como que apareciesen grietas, cicatrices que se van borrando. Velocidad de barrido. Lo real pocas veces se plasma en ningún lugar y, por lo mismo, también sabe a ausencia, vacío. Lo que queremos decir, o en este caso leer, no está escrito en las palabras, con las palabras, sino en los espacios que hay entre poema y poema. En las imágenes reproducidas por un cabezal láser. Vídeos. Aporías. Velocidad de escape. Esto, también supone que las modulaciones en barrido de campo no están en el escritor, sino en su palabra, como debe ser. Así, cada vez que intentamos signar la ausencia y el vacío, nos enfrentamos a la imposibilidad del lenguaje como una unidad inquebrantable en este poemario, volvemos al lugar del cual no se puede dar cuenta y al que asistimos sin tener claro cuándo será el retorno, o cerrarnos la boca con la idea de que tal vez no exista como tal. Velocidad de escape. La estética que surge de una ausencia que puede encontrar su metáfora solamente en la poesía. Velocidad de barrido.

Finalmente, seis lecturas láser: anotaremos que si en DE TU DIALECTO [caosmos] se suscita, contrariamente a una conjunción, una bifurcación simulada entre poeticidad y realidad, simulada, porque al final convergen en una línea casi coral. En tanto que en ÁLBUM DE AUTOR [caosmos], notaremos traducciones de ocho rostros hablados, pero hablados con otro lenguaje, el pictórico a modo de ubicuidad y traslación en el tiempo: fisura y distinción. Mientras que en MARCA DE LÁSER [caosmos] los rastros digitales se hacen más notorios, casi como viéndose en una pantalla plasma de HD. En TALA Y LUGAR [caosmos] la ausencia y el vacío retornan a lo poético. Esta es una pieza de impresión pulcra sobre una forma de malestar existencial, una ineludible ausencia interior: una vocación nueva o un vicio exquisito del sujeto posmoderno. Pero sólo así la ceniza se hace fuego y ausencia presente. Tal como ocurre en el libro Fundido en negro de Jesús Jiménez Domínguez, cuando en uno de sus versos dice: al otro lado de las cosas / donde siempre llueve en un idioma secreto/y conviven intactas todas las ausencias. La idea de la ausencia y de la finitud se hace más gruesa, más tiznada en esta zona del libro. Discursos [fade in] / [fade out]. Films. Sistemas audiovisuales donde impera la oscuridad, pareciendo que de pronto la imagen terminara, pero no: todo comienza otra vez. Nada concluye. Por la misma línea [organicidad discursiva], TU CÉLULA QUE EXPLOTA [caosmos] revisa los vacíos, presencias, escritura o habla, palabra, o nuevamente el vacío.

En esto de la palabra escrita, quizá se encuentre velado el anhelo de la presencia, razón primera que provoca la desconfianza en la escritura. Velocidad de escape. Para terminar, VUELVES DE TU DIALECTO [caosmos] es la escritura, y justamente por eso, al igual que el habla, dejan de ser tales, y sólo es posible que todo se torne en un borde entretejido alrededor de una ausencia que intenta asirse de la presencia, usurpando así un lugar que no le corresponde o que siempre le correspondió. Velocidad de barrido. En barrido de campo la escritura sigue siendo una máquina de líneas de fuga. Poesía que empieza por resolverse con imágenes desemejantes. Una ars láser que fecunda los nuevos pliegues de la literatura latinoamericana. Un acierto poético que va leyendo nuestros días actuales, abandonando, poco a poco, los sedimentos, los segmentos comunes, para inscribirse/escribirse dentro de la última poesía latinoamericana [movimientos ready-made, work in progress].

*Tomado del diario Los Andes de Puno, del 22 de mayo de 2011.

Tenemos que ficcionar sobre Arequipa - Entrevista en el Diario La Republica

2011-05-24T08:37:00.000-07:00

Presentación de CINCO MANERAS DE ARMAR UN TRAVESTI” de César Eduardo Carrión y LO QUE LOS CIEGOS VEN de Carlos Vásconez

2011-05-17T16:24:00.000-07:00

Cascahuesos Editores, el Centro Cultural Benjamín Carrión de Quito y la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Núcleo de Azuay, de Cuenca, tienen el agrado de invitarles a la presentación de:

Miércoles 18:

Presentación de Lo que los ciegos ven (cuentos) de Carlos Vásconez.
Lugar: Sala de Conciertos de la Casa de la Cultura Ecuatoriana (Presidente Córdova 789 y Luis Cordero, Cuenca - Ecuador).
Hora: 7:00 p.m.
Presentan: José Córdova y José Corral.

Viernes 20:

Presentación de Cinco maneras de armar un travesti (poesía) de César Eduardo Carrión y Lo que los ciegos ven (cuentos) de Carlos Vásconez.
Lugar: Centro Cultural Benjamín Carrión (Jorge Washington E2-42 y Ulpiano Páez, Quito - Ecuador).
Hora: 7:00 p.m.
Presentan: José Córdova, David G. Barreto y Ángeles Martínez.

Agradecemos su gentil asistencia.

Nuestra novena publicación internacional: CINCO MANERAS DE ARMAR UN TRAVESTI de CÉSAR EDUARDO CARRIÓN

2011-05-13T10:27:00.000-07:00

En un año prolífico en publicaciones, nos complacemos en anunciar la pronta aparición de Cinco maneras de armar un travesti, el nuevo libro del poeta ecuatoriano César Eduardo Carrión y que será presentado en la ciudad de Quito en los próximos días. Considerado como una de las nuevas voces de la poesía ecuatoriana esta vez nos entrega un libro donde «son sobremanera incisivas las transformaciones que (…) ha efectuado en poemas y versos de varios poetas para elaborar sus Cinco maneras de armar un travesti» (Alexis Naranjo).

Sobre el libro:

«En Cinco maneras de armar un travesti, César Eduardo Carrión nos ofrece una riquísima y ambiciosa elaboración poética a partir de diversos poetas de la tradición hispanoamericana, entre ellos José Lezama Lima y Octavio Paz. Se trata de una aventura de reescritura, como se practica últimamente por varios poetas, como Maurizio Medo o Héctor Hernández Montecinos. Quizá el “travesti” del título alude a esos travestimientos de escritura que le sirven a Carrión como plataformas de lanzamiento de sus versos», nos dice el poeta uruguayo Roberto Echavarren.

Sobre el autor:

César Eduardo Carrión nació en Quito, en 1976. Estudió Filología Hispánica en Madrid y Comunicación y Literatura en Quito; y, actualmente, es Director de la Escuela de Lengua y Literatura de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador. Ha publicado los libros de poesía Poemas en una Jaula de Faraday, (Quito, Dirección de Educación y Cultura del Gobierno de la Provincia de Pichincha, 2010) - Primer lugar del Premio Provincia de Pichincha de Poesía 2010; Limalla babélica, (Quito, Eskeletra, 2009) - Mención de Honor del VI Concurso Nacional de Poesía César Dávila Andrade de 2008; Pirografías, (Quito, Gescultura, 2008) - Libro finalista del III Premio Internacional de Poesía Joven “La Garúa”, 2007; Revés de luz, (Quito, Corporación Cultural Orogenia, 2006) - Mención de honor en el concurso Jorge Carrera Andrade del Municipio del Distrito Metropolitano de Quito de 2007; y los libros de ensayo ‘Habitada ausencia’: Historia y poética en la poesía de Javier Ponce, (Quito, Casa de la Cultura Ecuatoriana, 2008); ‘La diminuta flecha envenenada’: en torno de la poesía hermética de César Dávila Andrade, (Quito, Pontificia Universidad Católica del Ecuador, 2007). Es Miembro del Comité editorial de Ruido Blanco. Revista ecuatoriana de poesía, desde febrero de 2010 y ha editado el libro Fulgor del instante. Aproximaciones a la poesía de Iván Carvajal (Quito, 2008). También ha sido Miembro del Comité Editorial de País secreto. Revista de poesía y ensayo, que se editó en Quito desde junio de 2001 a noviembre de 2005.

Entrevista a Gregorio Torres Santillana en el semanario El Búho por Daniel Martínez Lira

2011-05-10T19:41:00.000-07:00

LA INVENCIÓN DE LA HISTORIA

Hace unos días el escritor arequipeño Gregorio Torres Santillana presentó su primera novela, “Espejos de humo”, finalista del Concurso de Novela Corta organizado por la Cámara Peruana del Libro. La novela relata, entre otros misterios, el paso del Libertador Bolívar por Arequipa. Uno de los cuentos de Goyo, “Cuando llegaron los Wayruros”, fue finalista en el COPÉ 2010.

Entre tu primer libro de cuentos, El amor después del amor, y tu primera novela, Espejos de humo, han pasado casi diez años. ¿Te ha costado pasar de un género al otro?

El paso a la novela fue, creo, natural. En un momento me di cuenta que algunos cuentos se extendían demasiado y más parecían noveletas. Así que los fui reservando para narraciones de largo aliento. Algunos de esos temas acabaron en Espejos de humo.

¿Cuánto de aquel Goyo Torres sobrevive en la novela?

Corresponden a dos distintos momentos de mi vida. En los últimos seis años me ha interesado el tema histórico, particularmente regional. Espejos de humo y Cuando llegaron los Wayruros son muestra de ello. Me interesa la historia como material para ficcionalizar, para ironizar verdades establecidas. Juego con la historia e intento quitarle la máscara de seriedad.

Has publicado crítica, ensayos, un libro sobre técnicas narrativas; ejerces la docencia… ¿Eres un escritor que vive de la academia o un académico que se divierte haciendo literatura?

La mío es la literatura. Un tiempo me dejé ganar por la crítica y la teoría que –dicho sea de paso- son tan apasionantes como la ficción. Hasta que un día saqué cuentas. Una especie de sinceramiento conmigo mismo. Yo había ingresado a la Escuela de Literatura, descartando otras posibilidades, porque deseaba escribir. Quince años después, sólo había publicado un libro. Decidí regresar a la ficción y quedarme allí. Como la escritura no da para vivir, enseño literatura y me gano los porotos. Pero, ojo: las dos actividades no se contradicen. La docencia te quita un poco de tiempo, pero lo hago con placer.

En Espejos de humo relatas una supuesta conspiración contra la vida del Libertador Bolívar. ¿Te basaste en algún detalle de nuestra historia o es puro juego literario ambientado en la Colonia?

La novela tiene, de hecho, un marco histórico; sin embargo, la fábula de la novela, la trama urdida a partir de la protagonista de la segunda parte, Eva Medina, es ficción. La historia es sólo pretexto. La historia de Arequipa se presta mucho para este juego. Desconocemos detalles de nuestro pasado, está además la posición ambigua de la aristocracia arequipeña frente al poder español y luego frente a Bolívar. La novela pretende jugar con esa ambigüedad.

La protagonista es una mujer disfrazada de hombre: a veces Eva, a veces Evaristo. Travestismo en tiempos de la Colonia; la sola idea tiene tanto de atrevimiento como de fino sentido del humor…

Eso es lo bonito de la literatura. Te permite jugar sin que tengas que rendirle cuentas a nadie. Por otro lado, me agrada la trasgresión. Sociedades como la nuestra, con una fuerte tradición católica, se regodean en la doble moral. Por ejemplo, se intentó esconder la presencia de homosexuales o bisexuales en la historia oficial, cuando sabemos que las cortes virreinales estuvieron plagadas de estos personajes. Se intenta mostrar una iglesia inmaculada, cuando fue la que mató, decapitó y mandó a la hoguera millones de seres humanos. La literatura desarma estos reductos de poder y los alegoriza. Recuerda que el arte es la conciencia crítica de una sociedad.

El final es desconcertante. ¿De novela conspirativa pasamos a un caso psiquiátrico? Ambas posibilidades terminan mordiéndose la cola…

Depende cómo se lea la novela, creo. Desde las primeras líneas se plantea que quien cuenta la historia no está necesariamente dentro de la cordura que exige la sociedad. Ese narrador esquizofrénico cuenta una historia que sólo puede salir de su afiebrada imaginación. El libro que está escribiendo el loco es, precisamente, Espejos de humo.

Estás pronto a publicar un nuevo libro. ¿Qué otros planes tienes a corto o mediano plazo?

Tengo listo otro libro de cuentos. Y dos proyectos de novela. No sé cuánto tiempo demanden, quizás los próximos tres o cuatro años. Espero que no sean tantos ni ocurran imprevistos que los trunquen. Veremos qué sucede.

Nuestra nueva publicación: VIDA BREVE del poeta peruano LOLO PALZA VALDIVIA

2011-05-03T11:01:00.000-07:00

Continuando con nuestras grandes publicaciones de poesía peruana, nos complacemos en anunciarles la pronta aparición del nuevo libro del poeta peruano Lolo Palza Valdivia: Vida breve, ganador de la “I Bienal de Arte Víctor Humareda Gallegos” organizado por la Municipalidad Provincial de Lampa en Puno. Palza es una de las voces más interesantes surgida al finalizar la década de los 80 en Arequipa, junto a Alfredo Herrera y Odi Gonzáles. Aquí uno de sus poemas más representativos:

Plática de los ancianos

Finalmente
debes saber

Que tus ojos
apenas pueden tocar lo cierto

Nunca
la verdad de todo lo que existe

Digamos que en la ciudad
Nada es suficiente

Ni romper la norma establecida

Ni andar por todos sus caminos

Sobre el autor:

Lolo Palza Valdivia nació en Puno en 1964. Estudió Arquitectura e Ingeniería Civil en la Universidad Nacional de San Agustín. Fue editor de “Escritos (Plegado de pensamiento poesía y prosa)”, desde 1987 hasta 1991. Ha publicado los libros de poesía Ser cárdeno (Arequipa, 1987), Sub versión o versión menor de la palabra (Ellwangen, Alemania 1988), Ars poética (Arequipa, 1992), Al pie de los campanarios (Puno, 1994), y Naufragio de Noé (Lima, 2000). También ha sido considerado en diferentes antologías tales como Literatura peruana de José Beltrán Peña (Lima, 1992), Poesía viva del Perú de Raúl Bañuelos y Dante Medina (Guadalajara-México, 2005), y Aquí no falta nadie de Walter Bedregal Paz (Puno, 2008), entre otras. Administra el blog Al pie de los campanarios.

Lucho Nieto Degregori sobre Kunan Pop de Jorge Alejandro Vargas Prado

2011-05-01T20:41:00.000-07:00

Kunan Pop es un libro de cuentos sin duda experimental. Una prueba más de ello fue la presentación que se realizó su joven autor en la ciudad imperial del cusco, en dondese dejo de lado los convencionalismos y se mostró al público asistente una serie de videos con las palabras de los presentadores (En quechua incluido)asi como también videoartes hechos para la ocasión.

“OBRA POÉTICA COMPLETA” de Edgar Guzmán por Ricardo González Vigil en el diario EL COMERCIO

2011-04-15T16:44:00.000-07:00

Rescate de un poeta imprescindible

A diez años de la muerte de Edgar Guzmán (Arequipa, 1935-2010), la editorial arequipeña Cascahuesos, en coedición con la Universidad Nacional de San Agustín, nos entregan su “Obra poética completa”, con un sustancioso estudio preliminar del conocido poeta y crítico arequipeño Raúl Bueno Chávez (autor también del prólogo al primer poemario publicado por Guzmán: “Perfil de la materia”, 1987) y, a modo de anexos, un dossier con poemas desconocidos de Guzmán, una entrevista, cartas de Juan Ríos y materiales diversos, amén de un álbum fotográfico.

Ya es hora de incluir a Guzmán entre las voces más admirables de una hornada pródiga en notables poetas, la llamada Generación del 50. Desde sus primeras composiciones, escritas entre 1955 y 1957, difundidas parcialmente entonces, asistimos a la plasmación de un lenguaje poético original, de rara densidad simbólica y pulimento verbal. Por algo, en una comunicación epistolar, el poeta Juan Ríos lo consideró un creador ajeno a la polarización entre poetas ‘puros’ y poetas ‘sociales’ que aquejó a las letras peruanas de la década del 50: “Después de oír a muchos chillones papagayos demagógicos y a algunos afónicos jilgueros puristas, su libro (“Hilos”) seco y viril ha sido para mí una auténtica fiesta del alma” (pág. 302). Insiste en el punto, percibiendo el talento de un gran poeta: “Creo que eres uno de los pocos poetas peruanos que escriben para decir algo. La mayoría se limita a contarnos chistes sentimentales o políticos. O a susurrarnos musicalmente en el oído que no tienen nada —absolutamente nada— que decir. ¡Ojalá sigas hasta el fin el difícil camino que estás recorriendo!” (pág. 311).

Ricardo González Vigil (Diario El Comercio, 04-04-2011, p c8). Para seguir leyendo haga clic en la imagen.

Viernes 8: Presentación del libro de poemas DIVINA DANZA de Néstor Nálaga

2011-04-07T14:27:00.000-07:00

Día: viernes, 08 de abril
Hora: 17:00 horas
Lugar: Alianza Francesa de Arequipa (Santa Catalina 208)

En el marco de la 6ta Primavera de los Poetas, Cascahuesos Editores se complace en presentar su nueva publicación de poesía: “Divina danza” de Néstor Málaga. La presentación estará a cargo de:

• Orlando Mazeyra Guillén,
• Nacho Infantas, y
• José Luis Córdova.

Están todos invitados. Agradecemos su cordial asistencia.

* Néstor Málaga Carpio nació en Arequipa en 1985. En el colegio no ganó ningún concurso de poesía y en la universidad no perteneció a ningún colectivo o grupo literario. Actualmente es Médico Cirujano graduado de la Universidad Católica de Santa María, carrera que nunca se le ocurrió abandonar por la literatura. No le han publicado en revistas de México o España. No lo han antologado, ni traducido al inglés o italiano; pero ha participado en recitales organizados por la Municipalidad Provincial de Arequipa e instituciones culturales como la Alianza Francesa, también de arequipa. Poemas suyos han sido publicados en la revista electrónica El Hablador y Urbanotopía. Y a pesar de ello, nunca logró conquistar a la chica que quería. Sin embargo, ha descubierto que esta publicación es una forma de estar entre sus manos.

Afiche de presentación

2011-04-05T22:41:00.001-07:00

PRESENTACIÓN DE LA NOVELA "ESPEJOS DE HUMO" DE GREGORIO TORRES SANTILLANA Viernes 8 de Abril - 19:30h - Centro Cultural Peruano Norteamericano

2011-03-30T08:33:00.000-07:00

Iniciando con pie derecho el año 2011 Cascahuesos Editores se complace en anunciar la presentación de la primera novela de nuestra colección de narrativa “Espejos de humo”, del reconocido escritor arequipeño Gregorio Torres Santillana este viernes 8 de abril en el Centro Cultural peruano Norteamericano a las 19:30 h. El libro ha sido finalista del Concurso de Novela Corta organizado por la Cámara Peruana del Libro.

Presentadores:
José Gabriel Valdivia (Escritor)
Juan Pablo Heredia (Escritor)
Jorge Monteza (Escritor)
Arthur Zeballos (Editor)

Sobre la Novela:
Espejos de humo es una historia de misterio, vale decir, en ella hay espionaje, muertes, desaparecidos, a partir de un hallazgo revelador: unos documentos históricos ignotos que acarrean una serie de desgracias, propio de las reliquias malditas. Es la ficcionalización de un pasaje de la historia de Arequipa –la visita de libertador Simón Bolívar a esta tierra–. El cuidado de los detalles narrativos, el uso diestro de diversos recursos técnicos y narradores, la sutil reflexión que plantea sobre la historia y la verdad hacen de ésta una novela solvente. Cualidades que la distancia de ese género truculento que articula este tipo de historias con lo sensacional. Así, esta obra marca en el trayecto narrativo de Goyo Torres, su paso firme a la novela.
Jorge Monteza

Sobre el autor:_
Greogorio Torres Santillana es Licenciado en Literatura y Linguística por la Universidad Nacional de San Agustín. Ha realizado estudios de maestría en Literatura Peruana y Latinoamericana en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha publicado varios trabajos de crítica y creación. Entre los títulos recientes: El amor después del amor (2002), Técnicas narrativas (2004), Cómo motivar la lectura: ensayos de literatura, educación y sociedad (2005), Polifonía del silencio: la literatura en los últimos diez años en Arequipa (2006, coautor). Ha ganado varios concursos nacionales de narrativa y ensayo. Actualmente es profesor de Literatura en la Facultad de Educación y en la Escuela de Literatura de la UNSA.

Plegaria de cráneos/LIBROS QUEBRADOS (Sobre la poesía de Ernesto Carrión)

2011-03-25T08:32:00.000-07:00

Por Darwin Bedoya

La nueva aparición escrituraria de Ernesto Carrión (Guayaquil, 1977), es con Fundación de la niebla (Cascahuesos Editores, 2010, 78 pp.), obra que ocupa de inmediato un lugar clave en la escena latinoamericana de la poesía actual. No solamente por mostrar las tensiones poéticas que Carrión siempre ha revelado, sino, sobre todo, porque con estos versos de estremecimiento y potencia nos entrega una concurrencia de referentes indispensables para la tipificación/ratificación de una nueva poesía latinoamericana, además, Carrión, con la estela de este libro, enriquece su propio corpus poético que empezó con El libro de la desobediencia (2002).

La propuesta estética de este poeta ecuatoriano desborda lo exclusivamente literario y poético. Esta obra entra en el concierto de los cantares de [coma] (2006) de Héctor Hernández Montecinos y Sparagmos (2008) de Maurizio Medo, y también implica a una obra anterior de Carrión: Demonia Factory (2009) cartografías que reiteran nuevas estéticas como las concordias atribulantes más logradas. Precisamente Hernández Montecinos es quien refiriéndose a la obra de Carrión y otras del circuito, señala que «estas escrituras están pensadas como obras, no como conjuntos de poemas ni de libros. Son obras como propuestas, y desde allí aparece su radicalidad, pues rompen la linealidad del progreso, tienen un carácter insular, se ponen en tensión ellas mismas y al circuito de su aparición. Estas escrituras aceleran los procesos de cambio en los sistemas donde emergen, alteran el estado “natural” de la poesía, atribulan la quietud del canon conservador. De allí que se pueda asegurar que estas nuevas formas de radicalidad invalidan al resto de las obras, las dejan en vergüenza, ridiculizan al guante conservador, se burlan del miedo.» Esto supone que, en la obra de Carrión hay una preocupación por las formas ya no sólo de los versos, las palabras, la apariencia y la desjerarquización de las letras, sino también por la cosmogonía, el recurso lírico que construye la neblina y las palabras que, en cierto modo, contribuyen a guiarnos entre la oscuridad y las plegarias.

La vida de la poesía depende de la lucha entre la ruptura y la tradición. El poeta sabe del futuro porque se abisma en los orígenes. Los textos poéticos son las verdaderas escrituras de la fundación. Llegar a comprender completamente la poesía de Carrión sería llegar al fin de la poesía. Sería nuestra condena definitiva al silencio. El hecho de que las imágenes y los pensamientos aparezcan y desaparezcan en un guiño de estrella, no impide que las palabras de esta poética sean lámparas cuya luz permite que las cosas insistan y persistan, para sacarlas de sus ignotas tinieblas. Estas tinieblas suponen otra caracterización de la voz poética. Una voz que como un pájaro insidioso va diciendo árboles en la poesía. Una voz que nos confirma que la lepra es la escritura. Tal vez por ello la voz de Carrión cruza los territorios de la escritura en la ceniza, es decir, se erige como una plegaria de cráneos brillando en la oscuridad. Discursivamente el descentramiento se refleja en que esta poesía, aparte de ser una meditación de la muerte, también se acerca a ser, cada vez más, la expresión de una lengua menor, en el sentido deleuziano; abre otra lengua en el poema, una lengua que desespera de la comunicación o hace un ensayo de ella; lengua que exasperadamente se pliega sobre sí misma o se descomprime en una dispersión que la acerca a la lengua de todos los días.

El asunto central en Fundación de la niebla parece ser nuevamente el fuego hablado de un universo estelar dentro y fuera de la escritura. La incorporación del proceso de creación de galaxias dentro de la realidad poética enriquece y da nuevas dimensiones de estos artefactos artísticos de Carrión. En su obra ocurre/crea un diálogo interdisciplinario con la realidad del siglo XXI. En esta nueva realidad poética convive, al mismo tiempo, el desarrollo de la sensibilidad estética y la aventura del lenguaje porque se escribe desde la niebla hacia la niebla. Pero, realidad, a la vez que irrealidad donde esta escritura deforme no puede ser el mundo, la relación del sujeto poético con el discurso aparece también desconcertante en cuanto ya no se considera a la subjetividad como una esencia, sino como una construcción sujeta a una verdadera tecnología del yo. Estremecimientos: cabeza, cabeza…

Creo que sin el ruidoso aroma de este tipo de poesía, vivir sería sencillamente vegetar hasta desaparecer. Ya lo mencionaba George Steiner: «Un gran poema, una novela clásica nos acometen; asaltan y ocupan la fortaleza de nuestra conciencia. Ejercen un extraño, contundente señorío sobre nuestra imaginación y nuestros sueños más secretos. Los hombres que queman los libros saben lo que hacen». Libros quebrados, Carrión va quemando los libros para instaurar una obra. No los poemarios, sino las obras, parece sugerirnos. La poesía de Fundación de la niebla es la otra voz: antigua y actual, sagrada y maldita. La poesía es la palabra que funda una poética, un lenguaje, un vacío. La ternura del vacío, anotaría el propio Carrión. La antigua creencia de que los poetas eran videntes y adivinos, chamanes y brujos; hoy se afirma desde un pensamiento lingüístico literario, en palabras de Jacques Lacan: la verdad tiene estructura de ficción. Carrión, como otros poetas que trabajan en la búsqueda de un lugar propio, cercena las palabras y establece continuidad entre las partes de su universo. Así un día tanta vida pueda escribirse. Ruedan cabezas. Muertes incompletas, y el poeta puede hacer sombra donde le dé la gana.

Esto es lo que queda escrito sobre papel mojado:

Escribo como si el mundo empezara por este punto; la noche acomoda su caja de huesos viejos sobre la espalda de una iguana que repta un tronco. Una noche, unos huesos, una iguana, un tronco. Entra todo en El Horno de los salvajes. Aguanto el aire. Vamos ganando entonces desprecio por este mundo. Lo estamos construyendo con la lengua de los molinos viejos. Con un palo en la otra mano de la vida. Hace tanto de esto. Continúo mirando. Tratando de hacer más nítido —en mi cabeza— el tajo congelado de las cosas. El sabor del mundo. De esta manera he escrito toda mi vida: con una mano sobando mi calavera. Pensando que todo esto sí ha ocurrido (p.37).

Escribir para no ensanchar más la mirada entre el objeto y nosotros Escribir la cotidianidad que muestra nuestro hígado sobre las plataformas marinas Fanal violeta Baja el viento atrapado desde los postes en la teoría de que todo vuelve a ser polvo Rencilla necesaria La luz de una mariposa quiere saber por qué ella no tiene alarma La mariposa no contesta Ella ordena obsesionada sus colillas por el patio helado Así un día tanta vida puede escribirse Yo escribo sobre lo que veo Tiro a la inteligencia sobre tierra quemada Funcionando Agitando al hambriento sobre la simpleza de los alimentos Así es como recobro el mundo (p.38).

Juliaca, setiembre de 2010

*Tomado de Letras.s5

Nuestro primer lanzamiento internacional del año: LO QUE LOS CIEGOS VEN de CARLOS VÁSCONEZ

2011-03-09T10:15:00.000-08:00

Nos complacemos en anunciarles que ya se encuentra en prensa nuestra octava publicación internacional (a la vez, la primera de narrativa), se trata del libro de cuentos Lo que los ciegos ven de Carlos Vásconez, uno de los escritores jóvenes más interesantes que ha aparecido en los últimos años en el vecino país de Ecuador. El libro contiene 19 cuentos, la mayoría de ellos no muy extensos, lo que hacen de Vásconez un escritor talentoso que se perfila como uno de los grandes cultivadores del relato corto.

Sobre el autor:

Carlos Vásconez nació en Cuenca, Ecuador, en 1977. Ha publicado, los libros de relatos Trabajos de dominio público (2004) y Versiones heroicas (2006); las novelas El violín de Ingres (2005) y La raza extinta (2007); además de dos libros conjuntos entre escritores noveles cuencanos: Aunque bailemos con la más fea (2002) y Nadie nos quita lo bailado (2004). Es Miembro de la Casa de la Cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión, Miembro del Colectivo de Creación Literaria Salud a la esponja (y continuo animador de su revista homónima), y Miembro Honorario del Círculo de Escritores de Venezuela desde el año 2008. También es editor de Línea negra, línea editorial de la Casa de la Cultura Núcleo del Azuay. Sus cuentos aparecen en revistas y periódicos de diversos países y han sido traducidos al inglés y al francés, siendo antologado en Estados Unidos y Canadá. Es además autor de numerosos ensayos de literatura y cultura popular en su país. Entre otras actividades, ha dirigido el rotativo literario La columna del invertebrado, permanentemente promueve y participa en varias actividades relacionadas con exposiciones de arte contemporáneo, recitales y lecturas públicas.

Nuestra primera gran publicación del año: “DEL VERANO INCULTO” del poeta peruano VLADIMIR HERRERA

2011-02-13T09:43:00.000-08:00

Cascahuesos Editores anuncia que ya se encuentra en prensa la publicación de uno de los libros de poesía fundamentales de la segunda mitad del siglo XX del país. Se trata de la re-edición de Del verano inculto del poeta peruano Vladimir Herrera, una de las voces cumbres de la última poesía peruana, y de quien ya hemos re-editado su primer libro, fundamental para entender la poesía de los 70: Mate de cedrón (Arequipa, Cascahuesos Editores, 2009).

De una extraordinaria poesía, este libro apareció por primera vez en Valencia-España en 1980 y le sirvió al autor para obtener una beca del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, sin embargo, el libro no circuló en el circuito nacional, de allí nuestro interés por re-editarlo y darlo a conocer en el medio local.

Acerca del autor:

Vladimir Herrera nació en Lampa-Puno, en 1950. Tras la publicación de su primer libro Mate de cedrón (1974), se trasladó a Europa y vivió en Lisboa, Roma y París hasta recalar en Barcelona, donde fundó la editorial Auqui con una imprenta artesanal adjunta en donde publicó a poetas latinoamericanos y españoles. Fue director de las revistas Trafalgar Square y Celos; y en 1980 obtuvo una beca del Instituto Nacional de Bellas Artes de México y durante un año trabajó en un taller de poesía junto a Tamara Kamenszain y Alberto Blanco. Ha publicado los libros de poesía Del verano inculto (Valencia: 1980), Pobre poesía peruana (Barcelona: 1989), Almanaque (Barcelona: 1990), Kiosko de Malaquita (Barcelona: 1993) y Poemas incorregibles (Barcelona, Tusquets editores, 2000). Sin duda, es considerado como «una de las voces más originales de la poesía hispanoamericana contemporánea».

Sobre su obra:

El poeta Pedro Granados apunta en su ensayo “De lo neobarroco en el Perú”: «Las consecuencias teóricas de esta poética son múltiples. Nomás quisiéramos advertir al lector que la poesía de Vladimir Herrera, tan densamente barroca, es —por aquella paradoja— de vocación al mismo tiempo profundamente antibarroca y, en consecuencia también, resueltamente antiliteraria. Esto se debe a que la poesía de Herrera, especialmente desde estos años —una vez superada su inicial ligazón con las estéticas predominantes a principios de los años 70 en el Perú—, está creativamente entroncada con la de su compatriota Martín Adán. Es decir, ambos poetas peruanos, con su más y su menos, comparten el mismo esquema de influencias o herencias culturales, como explica muy bien Roberto Paoli al referirse al autor de Diario de poeta: “las dos líneas posbaudelarianas, la que une Rimbaud con el surrealismo y la que de Mallarmé desciende hasta Valéry y Guillén, conviven en la poesía de Martín Adán, que hereda, de la primera, el irracionalismo, la disolución del sentido, la aventura de la palabra en lo desconocido o en el subconsciente […], mientras deriva de la segunda la compostura musical, métrica, la forma cerrada, la elegancia intelectual de las opciones léxicas”. Discreta, aunque también ambos contundentemente humoristas, los Poemas incorregibles aluden finalmente a un tipo de conducta: dadaísta, inconforme, díscola o comprometida; o mejor deberíamos decir: y comprometida, lúcida del mundo que a uno le ha tocado vivir».

BARRIDO DE CAMPO de Juan José Rodríguez: IMÁGENES Y FONDOS

2011-01-31T01:35:00.000-08:00

Por Ángeles Martínez

Antes de arrancar un libro, solo impresiones, un nombre que dice y no dice, la sobredosis de imágenes que contiene, la interesante editorial peruana Cascahuesos Editores a donde han fugado, sin que eso significa fuga, las letras de grandes escritores ecuatorianos vivos, de un tiempo acá; queda demostrado que se ha roto la frontera que hace poco nos rompía a unos y a otros, ecuatorianos, peruanos, la misma cosa.

En mis manos, imagino una edición cuidada, dentro: lo que sin filaterías se entiende por prosa poética ¿Pero, qué misterios? Sé de la delicada, envidiable, habilidad para las metáforas de Juan José, tiempo hace de conocerle de vista, de leídas, de cruzar algunas palabras.

Recuerdo la última conversación, quizá primera, en la Feria de Libro en Quito, hace poco, donde después de tanto transitar por recitales y ciudades pudimos, sí para eso se necesita tiempo en algunos casos, charlar amigablemente, con cierta camaradería, porque no todos los poetas, y Juan José es el caso —va a reírse supongo-espero— buscan hacer amigos por ahí como si la vida fuera una sucursal del facebook; cosa que me alegra.

De su conversación: su revista “Ruido Blanco”, su trabajo de traductor del francés, su espíritu glocal, ciudadano tan de aquí, tan de allá. Toda una enciclopedia de escritores que valen la pena leerse, hablamos de los que todavía no descansan para siempre, esa noche, que creo suelen ser más difícil de rastrear ¿datos? Profesor universitario, se me cruza el énfasis frutal que puso otro colega, para recordarnos que comparte lugar natal con el gran Adoum; de tierra fértil Juan José, se fue caminando por una capital, misteriosamente, sin su niebla… y ahora llega su libro, llega, desde el Perú a Cuenca.

Se cierra la tapa del libro: impresiones, eso queda después de la lectura, descartemos las primeras… recorramos mentalmente, esta maraña en la que Rodríguez nos han involucrado, hasta hacernos explotar no sólo las células… inevitable encontrar su erudición, su conocimiento cultural que esta vez coquetea con las palabras de la medicina y la química.

No es un libro fácil, no me voy a poner inventar adjetivos rimbombantes, ni a traer a García-Canclini, para explicar nada… no es halago, no es vituperio, es verdad, exige, nos pierde en viajes mentales, marca por instantes mapas internos complejos, como lector parece en instantes: 16 de junio, 16 de junio, 16 de junio… ¡Ay, Joyce! ¡Por instantes!… Y su dificultad no está sólo ahí, te exige porque está atravesado por el conocimiento que succionó de la cultura y que bien puede aleccionarnos, si es que queremos que así sea.

En fin, a un libro de poesía, no se puede, ni se debe hacer la autopsia, espero no caer en acercar mi bisturí a la delicada poesía y pensamiento que late bajo esta tapa semirígida. Pero el libro se debe a un lector, y éste, especialmente, exige un lector maduro, no sé si soy eso, no me importa mucho, pero sé que poseo la sensibilidad que me permite, un poco así por naturaleza, transgredir lo que se espera que se diga, dar unas opiniones.

El libro dividido está divido en seis, quizá sólo cinco partes y una especie de conclusión irónica.

En “De tu dialecto” inicia con ambigüedades filosóficas, un páramo-relativo, un cielo-prótesis, un viaje, no está claro por dónde, no, ni con quién, sí hay una mujer que parece maneja a quien maneja, pero después desaparece en el libro. Entonces, la primera pista que dejo: no es un libro-lamento ni oda, al ser amado… el paisaje que puede ser idílico aparece marcado como “un cielo como un campo (de polietileno)” ¿Dónde va el poeta? No importa, lo grave para el lector es a dónde va él con esa lectura… “cuerpo del final / cielo del final /este lugar es pérdida / no hay lo escrito / no hay por llegar. / Out”. (Out… que después a lo largo del libro iremos comprendiendo por qué aparece de manera más o menos constante: es un apagarse, un irse, un antidepresivo, algo que nos saca mediáticos y deprimidos a ningún lugar, es como un negro, un desenchufarse… out).

De pronto las letras describen “tinnitus”, ruidos en el oído, y en Cuerpo Presente: “Una pelota de playa botea en la sala y es mi amiga. Hay velocidad de los cielos en mi sangre. Describo una luz sin fondo: un sol de pared. Ventana. Soy un cuerpo fracasado” (14), y luego, salto: “El silencio. Este cuerpo es una reja sabiamente destruida… perdóname por estar aquí…”. El poeta no logra concentrarse en el paisaje, siempre mira hacia dentro y se encuentra con la ciencia, con algo que no va bien en su adentro, siempre hay una mirada con fiebre… retrovirus, glóbulos que pelean:

“Empecé como una vieja caracola. Concentré cada mundo en un fosilizado átomo. Luego, la enfermedad colocó sus células en cada célula de mi cuerpo único. El río regresó como un hecho metódico para salvarme. Aunque la enfermedad indujo terribles formas en cada esquina de mi cuerpo inútil”.

La prosa poética de manera recurrente termina y pequeños versos desnudados de prosa, juegos rítmicos, no descriptivos, sensitivos… quizá. El mecanismo del cuerpo no funciona del todo, insistencia, preocupación: el poeta quiere que la bicicleta se convierta en caballo, la gravedad está en su médula… en lo más profundo, lo repite incansable, nos enferma también, eso quiere seguro, eso quiere y nos estornuda los versos encima. Sus juegos son hábiles en reiteraciones, como en algunos títulos: Por ejemplo, “ETIQUETA DE IDENTIDAD, Versión única, final” aparece varias veces… (3 o 4), ¿enfermo y desesperado es que todavía puede reírse?… no exactamente, más bien parece otro síntoma, relacionado con el pensar la in-existencia: “Tanta gente se llama como yo en este páramo extranjero”, se trata de descubrirse alguien-cualquiera… pero siempre los ganglios, los químicos, las pastillas.

CORTE RESPIRO y llegamos con las justas: “Álbum del autor”, retratos de retratos, pinturas poéticas sobre cuadros que no dejan de ser inquietantes. El escritor-protagonista de pronto, abruptamente, deja el campo, la enfermedad, y mete al lector en un museo donde ha preparado una selección inquietante. Desfilan versos EGON SCHIELE, Mujer sentada con la pierna izquierda levantada, 1910. Erotismo puro y del bueno: “Desde la vulva entrevista y las bragas cubiertas, transparentes: el altar del inocente”. Y pasa la mirada a la impresionante noche de MAX BECKMANN: “Mira cómo te rompen el brazo. Gimes. Estoy detrás. Tal vez. La mujer de vestido rojo dónde mira. El cuadro en polvo, chorreado. La mujer de rojo dónde mira. La mesa, el sombrero en el piso. Sientes la presión: la mujer de corsé abierto: mi ignorancia”.

Y sigue, con la In-armonía de HOFMANN, escribe con los Tres estudios de cabeza humana, FRANCIS BACON, cuando se llegamos a esa obra del 86, GOTTFRIED HELNWEIN Artaud’s Song, me viene la frase de artista pintado. Dice Artaud: “No ha quedado demostrado, ni mucho menos, que el lenguaje de las palabras sea el mejor posible” pero entonces ¿qué hace Juan José? río, y me sumerjo en sus hermosas metáforas, la parte más amable del libro, e intento relajarme como se hace en una galería, porque se presiente, pese a que estamos rodeados de imágenes angustiantea que nos depara una estocada peor de salida… y así Camilo Egas, Jorge Velarde, Washington Iza…

Salimos del escritor-curador, y claro: “Canción de Autor. En la Iglesia Evangélica de la Eternidad, 2008…”. ¡Ya se imaginarán! lEl poeta reflexiona, endiablado con la vida, reluce su inconformidad, su verdad sacrílega y un paraíso que parece alcanzar sólo con pastillas. De pronto, pasas la página, las metáforas dejan el entablado, el moho, cambian su forma y se vuelven ultracontemporáneas:

II
“Bam. El ojo ve muertos. No ve la muerte: procesos industriales, tejidos metabólicos del silencio. Bam. La muerte es una pulserita folklórica. Bam. El arco de estrellas, el carcaj de un día desesperado, de un grito abolido en la pared (noir) de la noche (noir) o la velocidad (noir) de los mundos golpeados, de las muchedumbres en la puerta donde un niño no sabe a dónde ir, donde no sabe”.

Otra vez… repite, otra vez, enloquece, el título, como estribillo: “PEQUEÑO ULTRAVIOLETA DICE. Enero 18, 2008: 17:00-23:55” (con fecha, cambian la hora y el minuto, marcan, desesperantes) Aquí luego de un intenso y agobiante viaje interno en la primera parte, hay un intento de evasión visual, parece que la televisión, que la pantalla de computadora puede redimir pero no… causa el efecto contrario, nos arrastra a todos: “Dormir en las ingles de mi madre. Promesa de tumor. Pantallas plasma. Vendrá nuestro señor de las pantallas plasma”.

Y cuando quiere anclar en la realidad lo que se encuentra uno es con referencias a un mundo decadente, donde se le escapa su sensibilidad, porque parece que con el niño a quien lleva en el auto es, primera y última vez en el libro, un ser preocupado en el resto: “Dos puentes. Niño escuálido. Llora. Sin billetes para llegar. Es miserable el vientre con hambre. El dinero hace la realidad. Cuando lo llevo en mi auto lleva su rostro. Pálido y amarillo. De pronto se siente acompañado. Y grita: “Estuve en un campo vacío en cada molécula del mundo”. No le creo. Pero su codo es esquelético. Pero su lengua no discute. El paisaje deviene un gotero de tiempo. Ambos somos miserables. Quizás le creo. Una iglesia adventista. Tres puentes.

¿Pero estuvo en Cuenca llevando a un niño miserable? ¿o lo vio por televisión junto a la masacre de Ruanda que nombra…? ¿Cómo saber si se declara en Zapping, comiendo McDonald’s?: “En mi boca grasa de luz escurre. En brillante, un hipermercado del mundo. No hay mente” remata, la imagen, sólo una, ¿cómo no pensar lo que pensé? invenciones o misterios: “canal aleph el mundo”.

En esta parte nos damos un recorrido por la sociedad comercial, él mismo se convierte en cámara… pero siempre está: “Comprando. Adquiriendo la muerte en objetos plásticos saturados de realidad y marcas taiwanesas”. Una solución drástica: “efecto de silencio ante la fractura del cielo zen, de grageas zen y el vacío”.

“TU CÉLULA QUE EXPLOTA-HOSPITAL DEL VIENTO”: En esta, que considero una última parte. ¿El protagonista? no puede con el mundo, nos arrastra a un hospital fantasmagórico, a un rendirse, la maquinaria médica, no calma el dolor que acompaña todo el libro, incluso en su parte museo: hay pocas posibilidades, morfina, tomografías, una canción de despedida: “Por la mañana, el médico me dice: “tiene una enfermedad en la cabeza como un otoño inhabitable”. Yo también lo sospecho”.

Exceso de pastillas, sueña con destruirse, hasta que, por fin, la cámara de resonancias muestra las imágenes —siempre imágenes, barridos— de una piedra de la locura, un quiste. Un médico-poeta que quiere consolar quiere, quiere, quiere, un adiós ¿para quién?, la última parte del libro: un homenaje a un poeta ruso… ¡Ironías!

Quedan por este recorrido irreal, a saltos e interpretaciones, muchas interrogantes, pero sobre todo creo que Rodríguez pone en nuestras manos un libro virulento, contagioso, peligroso.

¡CAUTION! Sí, lectores, pasadas las primeras impresiones, perdido el miedo a ciertas exquisiteces, que en secreto odiamos o envidiamos, la obra nos conecta como en automático a un estado sin ninguna cordura, ni consideración. Amarán llegar al museo y se retorcerán como el poeta cuando se mira, porque su enfermedad, es la nuestra: la finitud, el pensamiento que pensado es carga, preguntas, dolor, se olvida el mundo que cuando se mira causa vértigo, se piensa hacia adentro, se palpa la inconformidad, hasta el último átomo ¡Eso es lo peor que se puede hacer si se quiere ser feliz! pero JJ sabe que la felicidad no es la estupidez, aunque sería bueno que lo sea.

Les invito a sacar, pues, sus propias conclusiones…

* Texto leído en la presentación del 10 de diciembre de 2010, en la Casa de la Cultura de Cuenca. Tomado del blog Hay que decir.

Tres HIPÓTESIS sobre la GEOMETRÍA MORAL de Luis Carlos Mussó

2011-01-21T10:11:00.000-08:00

Por César Eduardo Carrión

Luis Carlos Mussó (Guayaquil, 1970) es un poeta constructivista. Así lo demuestran su más recientes publicaciones y, de manera especial, el libro que nos convoca esta noche: Geometría moral (Arequipa, Cascahuesos Editores, 2010). Esta afirmación se alimenta de tres principios que sostienen la estructura del libro y, en gran medida, atraviesan toda la obra de Mussó: 1) La poesía lírica, en tanto forma del conocimiento, habita en la mente del poeta (y el lector) quien, como sujeto cognoscente, construye lo que él o ella conoce o entiende por poético a partir de su propia experiencia; 2) la poesía lírica, en tanto institución social, tiene la capacidad de reproducirse a sí misma como entidad suscitadora de significados estéticos; 3) este tipo de poesía pretende eliminar la presunción de realidad dada, anterior al proceso de escritura y lectura, en el entendimiento de lo que es lo lírico y lo estético. (Se ve que uso aquí el concepto de constructivismo muy libremente, con el fin exclusivo de describir la poética de este escritor.) Estas características ubican a Mussó como un autor reaccionario para algunos y rupturista para otros. Para mí, en cambio, se trata de una voz de transición entre una generación y otra, se trata de un autor que inaugura muchas de las búsquedas y preferencias de los más recientes poetas ecuatorianos. Aunque a muchos les parezca incómoda o excesiva esta conclusión, la tengo que decir en voz alta: Muchas de sus preocupaciones escriturales son en gran medida fundacionales y relievan la figura de Mussó por sobre sus contemporáneos y antecesores.

Primera hipótesis

He dicho que en este libro, Geometría moral, se entiende que la poesía, en tanto forma de conocimiento, habita sólo en la mente del escritor (y del lector) quien, como sujeto cognoscente, construye lo que él o ella conoce o entiende por poético a partir de su propia experiencia. Con esto quiero decir que Mussó ha construido su obra desde el convencimiento de que no existe forma de saber si la experiencia propia es la misma que la experiencia de los otros, aunque se descubran pruebas que nos hagan sospechar lo contrario. Dice Mussó en su libro: “En un poema ancho como el océano nos perdemos, lejos. Y en alta mar, bajo la superficie, late un aroma de retorcimiento. Así como bajo la piel de unas manos, las correctas, vive el deseo de leer en Braille el próximo rostro. Y quisiéramos tener cien ojos, como el viejo Argos, para ver ese rostro, aunque sea con la mirada”. La voz poética de este autor afirma que no se puede, por tanto, conocer la realidad por fuera del fenómeno que ejecuta la propia facultad de mirar. Es la mirada en sí misma todo lo que poseemos los individuos de nosotros mismos y de los demás. Todos en el fondo somos ciegos que tanteamos el rostro del mundo y nos imaginamos su auténtico color, que será en realidad, para siempre, inaccesible. Dice el poeta más adelante: “El mundo es un espejo y una página en blanco. El mundo es una superficie pulida como escudo de hoplita. Y en él busco a mi padre muerto ayer. A veces, creo encontrarlo.” La verdad se nos aparece apenas como una sospecha, la del poeta, la del lector, la del poema. La obra de Mussó está repleta de estas aserciones y sentencias, decepciones y desencantos. La poesía es un asunto de verdades absolutas, de mundos imaginados en la intimidad, que se revelan al mundo mientras a la voz parlante del poema le sucede el lenguaje, como en la fundación de un mundo inédito. Se trata de una afirmación rabiosa de la individualidad. Cada libro de Luis Carlos es un nuevo topos lírico o, al menos, añade cuerpo a la geografía vasta y enigmática de su obra. Cada nuevo libro de Mussó es un pequeño mundo autónomo, interdependiente de los otros y de su entorno, sí, pero más autárquico que dependiente. Esta valiente, despreocupada y honesta actitud, entre neo-simbolista y neo-culterana ha resultado especialmente molesta para algunos seudo-críticos y seudo-poetas, envidiosos del prolífico talento de Mussó y de su éxito entre los nuevos lectores. Aquellos rabiosos defensores de una estética de orden realista no entienden que sus elecciones artísticas suponen e implican también una ética. Quizás por eso hablan de universalismos y localismos, de costumbrismos versus cosmopolitismos, cuando aquellos conceptos novecentistas ya no sirven para designar una realidad cultural enormemente rica y en permanente movilidad. Su ética caduca responde a un mundo que ya no existe. Sean humildes, abran los ojos, lean a poetas como Luis Carlos Mussó. Aprenderían lo que es para muchos de nosotros la verdadera y nueva poesía hispanoamericana.

Segunda hipótesis

He dicho también que en este libro se entiende que la poesía lírica, en tato institución social, tiene la capacidad de reproducirse a sí misma como entidad suscitadora de significados estéticos. Mussó evoca continuamente en su Geometría moral los procesos de la autopoiesis que caracterizan a los organismos vivos, mediante complejos juegos de referencias a la tradición lírica ecuatoriana e hispanoamericana. Este poeta nos recuerda continuamente la capacidad de los sistemas sociales (la poesía lírica es uno de ellos) de reproducirse a sí mismos. Esto se ve con mucha claridad en la división por capítulos, cuyos títulos evocan explícitamente su visión personal sobre la tradición lírica ecuatoriana y su tránsito por la modernidad. La tradición literaria de nuestro entorno cultural, más que como un árbol en crecimiento, se entiende como una red de acumulaciones inevitables, caóticas y diversas. Lejos de Mussó cualquier pretensión pedagógica de ordenar el mundo, porque sabe que él se inocula a sí mismo y de su propio vientre vuelve a nacer cada vez que en sí mismo se ahoga.

El primer capítulo, intitulado El árbol del bien y del mall, nos remite de inmediato a quien fuera quizá el fundador de la modernidad lírica en el Ecuador: Medardo Ángel Silva. Al mismo tiempo, ironiza con liviandad la forma en que la noción del origen de la maldad, tan cara para los poetas simbolistas ecuatorianos de principios del siglo XX, se ha convertido en nuestra sociedad capitalista en un asunto frívolo y estúpido. La sustitución del vocablo mal por el horrendo anglicismo Mall designa con pertinencia el paso de la visión mística y trascendentalista del pensamiento del siglo XIX a la visión materialista e imanentista del siglo XXI: el mal, lo sabemos ahora, ya no se origina en el seno de una entidad supra o infra humana, diabólica o divina. Habita en el interior y compone parte de la esencia misma de la condición humana. Y por esa razón el cataclismo final se anuncia cotidianamente, sin necesidad de que un sentimiento desgarradamente trágico invada la voz de quien lo atestigua. Dice nuestro poeta, con calma, aunque hastiado de la vida moderna: “He llegado a la hora de segar mi rosa inalcanzable. De capturarla, de convertirla en sombras y arrastrarla hacia esas sombras más oscuras que son la posesión del vacío. Me hago cargo del cursor / presiono una tecla / ahora la ciudad cae acribillada, y es una, y es Bonie & Clyde, una y doble. Mis yemas toman venganza. Ya no está más la ciudad. Solo una pantalla plana de monitor”.

Similar actitud anima la denominación de los otros capítulos del libro, así como el diálogo que establece Mussó con su personal panteón de precursores, aludidos en epígrafes, versos, citas, imágenes y otros guiños a los lectores. En esta larga lista encontramos a los fundadores de su topos lírico: Severo Sarduy, Medardo Ángel Silva, John Donne, Chavela Vargas, Juan Luis Martínez, Jorge Luis Borges, Ronald McDonald (sí, el de las hamburguesas), Gustavo Cerati (sí, el de Soda Stereo), Alfredo Gangotena, Edgar Allan Poe, Johan Sebastian Bach, Néstor Perlongher, Paco Tobar, Ezra Pound, Jorge Manrique, Indiana Jones (sí, el de Los cazadores del Arca perdida), Charly García, Góngora, Roque Dalton, Quevedo, Sun Tzu, Javier Ponce Cevallos, Isidore Ducasse, Joao Gilberto, U2 (sí, la banda de rock), Maupassant, Mary Shelley (sí, la de Frankenstein), el Antiguo Testamento y, por supuesto, Juan Montalvo, entro otros muchos más. Ya la variedad del origen y cariz de los puntos cardinales referidos hasta aquí nos revelan la lógica rizomática del canon cultural de Mussó. Esto es algo muy propio de su generación: el principio de autoridad y la lógica lineal, jerárquica y progresiva de la historia humana, tan propia del cristianismo más ortodoxo y el capitalismo más chato, ha cedido paso a un entendimiento complejo y heterotópico del mundo. Dice Mussó en su poema titulado “Tetragrámaton”: “1. La luna me baja por cada hueco de la nuca, en escalera de cocuyos. / 2. Es agua fracturada en ese sueño entero que es la perversión. / 3. Mi amor es un folletín de sangre / se da por entregas / dosifica su empalamiento. / 4. Las letras son palabras / sentencias de muerte / nombres que nos prohibieron pronunciar.” Son nombres que se acumulan y en su caída en la red de la memoria y el olvido reproducen el cuerpo del la institución social que nos agrupa esta noche: la poesía lírica occidental o, al menos, sus sucedáneos en extremo-Occidente.

Tercera hipótesis

Al inicio de mi intervención dije también que este tipo de poesía pretende eliminar la presunción de realidad dada, anterior al proceso de escritura y lectura, en el entendimiento de lo que es lo lírico y lo estético. Esta clase de estética, también lo dije al inicio de mi intervención, comporta o supone una ética, una actitud frente a la vida. Como tanto otros contemporáneos, Mussó pretende eliminar la presunción de que la realidad está presente en la mera explicación del conocimiento. En primer lugar, porque todo saber (y la poesía es uno de tantos) no se recibe neutralmente, sino que es construido mediante la intervención vivaz del sujeto cognoscente. Es decir, será sólo el lector quien decida si lo que ha leído en ese instante preciso ha sido para él poesía o no. Ningún profesor de universidad gringa o europea nos va a decir a nosotros si está mal que Mussó hable de Rilke, aunque no lo haya leído en alemán. En segundo lugar, si el conocimiento se adapta y ajusta a las condiciones cambiantes del entorno (esto lo saben muy bien los siquiatras y los biólogos evolutivos), nuestros paradigmas sobre lo bello, lo justo y lo bueno, se adaptarán y con ellos lo que entendemos por estético, poético y lírico. Lean, por favor, el poema titulado “Calentamiento global”. En tercer lugar, si los procesos del conocimiento organizan las experiencias del sujeto para formar un mundo coherente, y la poesía es uno de aquellos procesos cognitivos, así como no cabe creer en la posibilidad del descubrimiento de una realidad absoluta y objetiva, no cabe defender una opción estética como norma o precepto de valor ético sustancial u ontológico. Es decir, la elección de Mussó de buscar un nuevo estilo y una nueva voz en cada libro, refleja su radical apuesta por renunciar a la noción de obra unitaria, de canon, de discurso central…

Conclusión

Esta noche he intentado mostrar brevemente cómo los lectores de Mussó hemos aprendido junto a él, y con otros poetas latinoamericanos contemporáneos, aunque no necesariamente gracias a ellos, que la construcción conceptual del otro se da en un espacio relacional cuyo único centro generador es la experiencia de cada individuo. De ahí que la primera interacción que tiene cada sujeto, cada poeta en este caso, deba ser el de la experiencia interior. La poesía no es un asunto de verdades verificables o falseables, sino de absolutos que se asumen o se rechazan. Con su libro Evohé, viajamos con Mussó al universo del humanismo clásico y de su pervivencia en nuestra sociedad a través de la pedagogía y su arrimo a la moral del cristianismo. Con Minimal hysteria fuimos en cambio por los derroteros de la meditación, la reflexión y la contemplación de las realidades más cercanas y pequeñas del mundo cotidiano. En todas las ocasiones, cabe decir, asistimos a la composición de libros unitarios, de libros concepto.

Ahora bien, en Geometría moral, titulada ingeniosamente del mismo modo que el célebre tratado de Juan Montalvo, no existe una disquisición específica sobre las buenas conductas y los modales, mucho menos sobre valores políticos o éticos determinados. No es tampoco un tratado sobre el amor, aunque muchos de sus poemas nos hagan pensar que es así. En este libro, desde su título, se señala la necesidad de releer la tradición literaria de nuestros países. Montalvo fue nuestro aporte auténtico al Modernismo, contemporáneo pleno de Martí y Darío. Cuántas veces hemos escuchado que el Modernismo literario ocurrió tardíamente en el Ecuador, como si la vida de los pueblos y su cultura se pudieran definir como una competencia de caballos, y debiéramos encontrar en cada lectura quién llegó primero a qué estadio de la evolución social. Cuántas nociones euro-céntricas, funcionalistas y maniqueas que empobrecen tremendamente el entendimiento de la realidad cultural de nuestros países. Mussó es de los que ya superaron esos complejos neo-coloniales. Que muchos poetas locales sigan ganando premios municipales y concursos de juegos florales mientras siguen escribiendo como los peores poetas españoles del franquismo. Me da igual. Hay quienes han arriesgado su prestigio e integridad como personas por entregar su vida a la exploración del sentido mismo de la escritura. Me quedo con esos. Dice Mussó en un bello y desconcertante poema titulado “Noche & Noche, Cía. Ltda”: “No hay obstáculos para el escriba, si es dueño de la Nada”.

Que quede claro que esta construcción poemática a la que me he referido beneficia propósitos esencialmente egoístas: El poeta desea tomar control sobre todo aquello que percibe, de manera que pueda eliminar cualquier distorsión en el logro de sus intenciones. Este nivel de control de la realidad requiere de un modelo escritural de aquellos que se desea controlar, pero todo modelo poético de este especie solamente puede incluir aquellos aspectos relevantes para las metas y acciones del escritor. Al hablante poético no le interesa controlar la realidad, solamente pretende compensar las perturbaciones que siente que esa realidad representa para sus intenciones y, por lo tanto, lo convierte en un sujeto susceptible de adaptarse a las más diversas circunstancias. La objetividad, la ontología, la verdad, son palabras peligrosas en nuestro tiempo, que incluso en el ámbito de las ciencias duras se utilizan como herramientas de poder y dominación. Las obras que Mussó y la de otros contemporáneos (entre ellos Juan José Rodríguez) nos invitan a aceptar la legitimidad del otro, porque el lugar que ocupa éste en el mundo es totalmente distinto del mío y, en consecuencia, su pretendida objetividad será distinta. Todo auténtico poeta nos invita siempre a escucharnos unos a otros con respeto, no a juzgarnos ni a catalogarnos con pretextos morales, políticos ni mucho menos estéticos. Así dice uno de sus más importantes poemas, que detrás de la evocación al código binario, lenguaje esencial de la tecnología digital, nos impulsa a reflexionar sobre los problemas de la vida contemporánea, que tan torpemente he esbozado yo esta noche. Dice su poema titulado “Más allá de las cifras está el mundo”, con desenfado, ingenio, elegante humor, luego de repetir una serie de cifras a lo largo de seis exhaustivas y cansinas líneas (010001101 01100001 01110011 00100000 01100001 01101100, etcétera): “No sé por qué tuviste que leerlo, / te lo dije: más allá de las cifras está el mundo”.

* Texto leído en la presentación del 8 de diciembre de 2010, en el Centro Cultural Benjamín Carrión (Quito). Tomado de Blog de César Eduardo Carrión.

Iniciamos el año 2011 con el lanzamiento de la novela "ESPEJOS DE HUMO" de GREGORIO TORRES SANTILLANA

2010-12-31T12:51:00.000-08:00

Iniciando con pie derecho el año 2011 Cascahuesos Editores se complace en anunciar la próxima publicación de la primera novela de nuestra colección de narrativa “Espejos de humo”, del reconocido escritor arequipeño Gregorio Torres Santillana. El libro, que ya se encuentra en prensa, ha sido finalista del Concurso de Novela Corta organizado por la Cámara Peruana del Libro este año.

Espejos de humo es una historia de misterio, vale decir, en ella hay espionaje, muertes, desaparecidos, a partir de un hallazgo revelador: unos documentos históricos ignotos que acarrean una serie de desgracias, propio de las reliquias malditas. Es la ficcionalización de un pasaje de la historia de Arequipa –la visita de libertador Simón Bolívar a esta tierra–. El cuidado de los detalles narrativos, el uso diestro de diversos recursos técnicos y narradores, la sutil reflexión que plantea sobre la historia y la verdad hacen de ésta una novela solvente. Cualidades que la distancia de ese género truculento que articula este tipo de historias con lo sensacional. Así, esta obra marca en el trayecto narrativo de Goyo Torres, su paso firme a la novela.

Jorge Monteza

Sobre el autor

Greogorio Torres Santillana es Licenciado en Literatura y Linguística por la Universidad Nacional de San Agustín. Ha realizado estudios de maestría en Literatura Peruana y Latinoamericana en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha publicado varios trabajos de crítica y creación. Entre los títulos recientes: El amor después del amor (2002), Técnicas narrativas (2004), Cómo motivar la lectura: ensayos de literatura, educación y sociedad (2005), Polifonía del silencio: la literatura en los últimos diez años en Arequipa (2006, coautor). Ha ganado varios concursos nacionales de narrativa y ensayo. Actualmente es profesor de Literatura en la Facultad de Educación y en la Escuela de Literatura de la UNSA.

Gira internacional: presentación de BARRIDO DE CAMPO y GEOMETRÍA MORAL en QUITO, CUENCA y GUAYAQUIL

2010-12-03T07:31:00.000-08:00

Cascahuesos Editores cierra sus actividades del presente año con una gira internacional en el hermano país del Ecuador, en donde llevará a cabo la presentación de dos de sus más importantes publicaciones de poesía: Barrido de Campo de Juan José Rodríguez Santamaría (Ambato, 1979) y Geometría moral de Luis Carlos Mussó (Guayaquil, 1970). Estas actividades se llevarán a cabo en las 3 ciudades más importantes de dicho país, y contará con la presencia de varios intelectuales jóvenes de cada una de estas ciudades.

Las presentaciones de ambos libros se realizarán en las siguientes fechas:

Miércoles 8 de diciembre:

La presentación se realizará en la ciudad de Quito a las 19:00 horas, en el Auditorio principal del Centro Cultural Benjamín Carrión (Jorge Washington E2-42 y Ulpiano Díaz) y estarán en la mesa:

• Fernando Escobar Páez

• César Eduardo Carrión y

• José Córdova

Viernes 10 de diciembre:

La presentación se realizará en la ciudad de Cuenca a las 19:00 horas, en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Núcleo del Azuay (Presidente Córdova 789 y Luis Cordero) y estarán en la mesa:

• Ángeles Martínez

• Cedric Rocher

• Carlos Vásconez y

• José Córdova

Sábado 11 de diciembre:

La presentación se realizará en la ciudad de Guayaquil a las 11:00 horas, en la sala Jorge Pérez Concha (5to piso) de la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Núcleo del Guayas (Av. Quito y Nueve de Octubre) y estarán en la mesa:

• Fabián Darío Mosquera y

• José Córdova

Los esperamos a todos los que estén cerca, el ingreso es totalmente libre y habrá mucho vino de honor.

Un POEMA es mi NEGATIVA a entender el LENGUAJE: FUNDACIÓN DE LA NIEBLA de Ernesto Carrión

2010-11-17T11:21:00.000-08:00

Por Paul Guillén

QUISIERA EMPEZAR ESTA PRESENTACIÓN CON DOS DATOS TAL VEZ CIRCUNSTANCIALES: El primer dato es que en el año 2007 tres poetas peruanos de los más importantes, publicaron libros que en sus títulos estaba incluida la palabra NIEBLA, hasta en un semanario local, alguien firmó una nota intitulada algo así como “un año de niebla” o “poesía de niebla”, me refiero a los libros: En el hocico de la niebla de Jorge Pimentel, Banderas detrás de la niebla de José Watanabe, y Como un carbón prendido entre la niebla de Antonio Cisneros. Empezando el 2008, Leopoldo Chariarse, otro poeta peruano importante, nos entregaría la antología Resplandor en la niebla. El segundo dato es que el libro Fundación de la niebla de Ernesto Carrión empieza con un epígrafe del poeta camerunés Paul Nyunai, lo cito: “Y te obstinas en buscarme fuera de ti / Allí donde no puedo estar / Soy tú en ti / La unidad increada”, se trata de unos versos del poema “Suprema esencia”. Quería hace este comentario, porque soy admirador de los poetas que se llaman Paul, ¿por algo será, no? por ejemplo entre mis poetas Paul favoritos están: Paul Celan, Paul Éluard, Paul Valéry, Paul Verlaine, y ahora gracias a Ernesto Carrión, Paul Nyunai.

Antes de empezar mi comentario sobre el libro de Ernesto quisiera decir algo muy general sobre la poesía ecuatoriana: es poco conocida y frecuentada en el medio literario peruano, cuando debería ser al revés debido a nuestra cercanía geográfica. Algunos esfuerzos se han desplegado con antologías binacionales Perú-Ecuador de poesía y cuento. Una de ellas es Álbum de arena, coordinada por Ernesto Carrión y Maurizio Medo; otra antología se titula simplemente Poesía Perú-Ecuador y fue preparada por el poeta peruano Carlos Villacorta. En ese sentido, el año pasado la editorial Alfaguara publicó la Antología de poesía. Literatura de Ecuador, selección de Iván Carvajal y Raúl Pacheco, el libro incluye desde poetas modernistas como Medardo Ángel Silva, poetas vanguardistas como Hugo Mayo, pasando por los más conocidos en el ámbito latinoamericano Jorge Enrique Adoum, Jorge Carrera Andrade y César Dávila Andrade, hasta poetas últimos como Ernesto Carrión y Juan José Rodríguez. En esa antología también podemos leer a Alfredo Gangotena, poeta relativamente conocido en el Perú, es un caso similar a César Moro, gran parte de su poesía la escribió en francés, y mantuvo una fructífera amistad con poetas, pintores y cineastas como Henri Michaux, Jules Supervielle, Jean Cocteau o Max Jacob. Uno de los descubrimientos notables, por lo menos para mí, en esa antología es la poesía de Gonzalo Escudero, poeta al que he leído con sumo placer, y me desconcierta su poca resonancia fuera de las fronteras de su país, cuando debería ser considerado como uno de los poetas latinoamericanos de primera línea. Digo esto para problematizar la idea generalizada que la poesía ecuatoriana no tiene una fuerte tradición literaria, cuando escucho eso se me viene a la mente la poesía de Escudero y Gangotena, y no puedo dejar de pensar lo contrario, creo que la poesía de Carrión va por esos caminos. Me interesa en demasía la poesía de Carrión, sobre todo que un poeta como Raúl Zurita ha expresado que es “uno de los poetas imprescindibles de la ya extraordinaria generación de poetas latinoamericanos”. De acuerdo, es una extraordinaria generación. Títulos como Demonia Factory o La muerte de Caín de Ernesto Carrión, así, lo confirman. Pero también otros títulos como Coma de Héctor Hernández Montecinos, Síncopes de Alan Mills, Frágiles trofeos de Jerónimo Pimentel, Lesley Gore en el infierno de José Carlos Yrigoyen, Degenerativa de Alejandro Tarrab, Cabaret Provenza de Luis Felipe Fabre, Muletología de Juan Salzano o Doxa de Ezequiel Zaidenwerg, por mencionar unos cuantos.

Ahora sí, quisiera comenzar mi comentario sobre el libro de Ernesto. Fundación de la niebla de Ernesto Carrión empieza su recorrido con el verso: “un libro quebrado como un verso al final de la hoja”, este rompimiento, esta quebradura, esta partición nos lleva a pensar en una unión entre la materialidad del libro (el papel, la tinta) y el cuerpo (la carne, la sangre). Papel, tinta, carne y sangre están quebrados dentro del libro y el mundo. Este quebrarse también se ha producido en la cabeza del poeta. Es un poeta quebrado que nos invita irremediablemente a asistir a una horrible fiesta, donde la niebla es una gran masa de cuerpos no individualizados: “éramos 400 millones de rostros / fundiéndose en la niebla”. Esta gran masa o turba que es: “UN SOL DE ÓRGANOS INFINITOS TENDIDO / BAJO PEDAZOS DE BLANCO CIELO”, hará que el poeta pierda su nombre y su identidad: “y desparecieron tu nombre”. Todo esto ocurre, porque el poeta y la turba tienen una herida en la cabeza, ¿se habrá producido una lobotomía? La lobotomía de la cultura y la ignorancia me pregunto yo. Un aspecto importante es que el poeta se vale de cierta imaginería bíblica y apocalíptica, para situar los poemas, mediante esa barrera en contra de la racionalidad utilitarista e instrumental, pensemos en los títulos de sus anteriores libros La muerte de Caín, Demonia factory, La bestia vencida, etc. En Fundación de la niebla existe la idea y el símbolo de la “cabeza” que quiere huir de esa lógica: “cabeza que no duerme en su cabeza / para sentirse viva”. Y aún es más cuando el poema se dirige a la “cabeza” le dice: “Pero aún tú y yo no conocemos nada de este mundo”, el poeta y la cabeza están fuera del mundo salvaje en el cual vivimos, hay una partición entre el cuerpo y la cabeza. Estas imágenes de la cabeza y del cuerpo, me hacen recordar las fotografías tan poderosas de Joel-Peter Witkin, donde sale un hombre sin cabeza, esta situación de que el cuerpo no es uno con la cabeza le lleva al poeta a preguntarse sobre lo que es un hombre: “¿somos un hombre —cabeza—? / ¿qué es un hombre?”. Esta desunión entre lo corporal y la cabeza (el logos) resulta en que el cuerpo le pide a la cabeza que le dé un poema negro. Esta incompatibilidad entre el cuerpo y la cabeza se torna más explícita más adelante: “odio despertar junto a ti y odio tus sueños —cabeza—. / soy sólo feliz cuando has bebido tanto y tanto que no / recuerdas mi nombre: un ataúd, que cargas en silencio, / lleno de fantasmas”, por un lado, la cabeza estaría conjeturada como el lugar del logos, del sueño y la imaginación, en tanto, el cuerpo es un lugar, donde imperan los fantasmas y la culpa, esto daría como resultado una disyunción entre lo sensorial, lo sensual y el raciocinio. Por un lado, a la cabeza le dolería tener un cuerpo, por eso, necesita embriagarse para olvidarse del cuerpo, y por otra parte, en tanto cuerpo odiaría tener esa cabeza, la cual le hace sentir dolor y desesperación. Es un infierno esa situación de ser “cabeza” y “cuerpo” escindidos. Al cuerpo lo que le queda es tratar de reconocerse para saber si existe y recobrar su nombre: “voy a trazar un círculo sobre mi cuerpo para encontrar / mi cuerpo Voy a trazar un círculo sobre mi / cuerpo para ubicar el territorio desde el que escribo (…) Voy a trazar un círculo sobre mi cuerpo / para alumbrar mi nombre”.

Teoría del poema: LA LEPRA ES LA ESCRITURA “escribir para no ensanchar más la mirada entre el / objeto y nosotros”, y “Toda mi vida he escrito / como si fueran mis últimos minutos. Líneas sin sentido / en las que trazo el mapa de agua de un organismo muerto”. LOCURA, VIDENCIA, POESÍA. Me refiero en general a las partes II y III del libro, me quedo con la idea que Ernesto concibe a la poesía como fotografía, pero una fotografía de seres incompletos: “un caballo incompleto que acaba de salir del túnel de los retratos”, una fotografía que dé cuenta de lo sobrenatural dentro de lo cotidiano: “Un violín respirando / en la mano de un muerto”.

*Fuente: Letras.s5. En la imagen: Paul Guillén, Ernesto Carrión y José Córdova, en la presentación del libro en la XV Feria Internacional del Libro de Lima.

YO, DOHERTY de Giulian Gutié por Jesus Martínez Mogrovejo

2010-11-12T17:18:00.000-08:00

YO, YO, YO...

Yo Claudio, es un best seller de los años 30 del inglés Robert Graves y que pone en escena la vida del cuarto emperador romano: Claudio, en el año 40 DC. La intriga se centra en cómo el protagonista, aparentemente el menos hábil de su familia, tartamudo y afectado por la poliomelitis llega a convertirse en la máxima autoridad del imperio romano. Robert Graves señaló en una entrevista que el propio Claudio se le apareció en sueños y le exigió que narrara en primera persona la verdadera historia, su verdadera historia. De hecho, se sabe que Claudio, el emperador, escribió una autobiografía en ocho libros pero que esta se extravió y ni uno solo de los libros fue encontrado. La novela de Graves comienza en la cueva de la sibila, una especie de pitonisa, de bruja que predecía el futuro y a la que Claudio visita. Esta mujer fantàstica le revela que su vida sería escrita por otra persona 1900 años màs tarde, y con eso Claudio comprende que la sibila le está prometiendo la posteridad. Sin embargo, hay en la novela un tono constante de fatalismo en la voz de Claudio, frente a este, el lector tiene el rol del confidente, tiene la impresión de que el emperador está constamente confiándole los secretos de su vida.

YO, Doherty, ha ejercido en mí la misma dinámica de la intimidad, del voyeur que tiene acceso al secreto prohibido, he sentido que he logrado infiltrarme en el cotidiano, en la vida interior del otro que no es normalmente inaccesible. Un otro que aunque no sea un emperador es sin embargo una polémica figura mediàtica, una especie de estrella fugaz del rock.

Peter Daniel Doherty creció como el adolescente que màs que marginal, es el adolescente marginado. Es un jovenzuelo granujiento, flaco y sin gracia, apasionado por la poesìa, capaz de citar a Yeats o a Wilde de memoria. Osea, todo lo que menos le interesa a los adolescentes de hoy, y que hacían de Peter el lorna, el nerd por excelencia. Al comienzo del libro, sobretodo, Doherty se describe a sí mismo como un gato atropellado, un diseño mal acabado, un tipo deslucido. Pero frente a esta imagen despectiva y bufonesca de Doherty se articula ràpidamente

y también desde las primeras pàginas, un contrapunto a la fragilidad : no un YO, sino un súper yo, el pronombre en la primera persona escrito en mayùsculas, el superyó freudiano idealizado: leemos desde la primera pàgina “Yo soy Doherty, El gran hombre, El gran amor de Moss”. El narrador de este libro, la voz poética es pues doble, dual y entrampada en una constante tensiòn: la del pasado del joven marginado, del pisado frente al presente del caíd, del cabecilla, del bacàn. Un tipo torpe y salvaje en la medida exacta como para inquietarnos y deslumbrarnos. Doherty

no solamente ha cambiado sino que ademàs es el gran amor de la sùper estrella, la mujer màs deseada por todos los hombres, la perfecta Kate Moss. Esta duplicidad, la del Doherty fràgil y la del YO poderoso, aparece también explìcitamente. En la tercera pàgina se lee este espléndido verso: Cómo no he de creer en el ser ideal duplicado. Efectivamente, YO, Doherty se confunde con su amada amante: Kate Moss. Los roles son muy ambiguos. En algùn momento asistimos a una imagen, en la que Doherty declara no ser sino un complemento de la feminidad

de Moss. Es ella la que domina a pesar de ser él el que fecunda. Moss es descrita de manera casi mitológica: un ser luminoso llegado desde el sol, es una celula no inventada, es furiosa, inmejorable. Moss dice la voz poética en la pàg. 18: resume en ella al mundo entero. Cómo no pensar en el poema que el poeta barranquino César Moro le dedica a su amante mexicano Antonio, y que termina de manera grandiosa afirmando que Antonio es dios y que México crece alrededor de Antonio. La Kate Moss que habita estas pàginas es igual de

divina y poderosa, con una testosterona suficiente como para que Doherty eyacule todo el amor del mundo al verla. Es imposible quedarse (cito)“inmovil ante tanta perfección y no convulsionar ante la furia de su especimen”(P.16). La mujer idealizada por la voz de Doherty a lo largo de este libro es totalmente equiparable a esa fémina utópica e inalcanzable imaginada por Breton, o por Eluard y por el resto de surrealistas. Sin embargo, la Kate Moss, la Kate Musa de YO, Doherty si bien es poseedora de todos los atributos de la feminidad, es también un ser

ambiguo y devorador, que posee la seguridad y la fortaleza del macho (P.43). Es finalmente un ser doble y equívoco, que forma con Doherty una pareja confusa y oscura: Moss es Doherty, Doherty es Moss. Hay, no obstante, un tercer mosquetero. El ùnico quizàs capaz de competir en algo con Moss. Aquel que le enseñó a Peter Doherty a tocar la guitarra y a fumar marihuana: Carl Barat. En el centro del libro hay tres pàginas que son como el estribillo de la canciòn, la piedra angular de la armonìa, un poema rìo dedicado al amigo/amante: un himno a la amistad absoluta, una constancia de un amor a muerte, para retomar otra vez un tìtulo de César Moro. Carl Barat y Peter Doherty se conocieron hacia los 18 años y juntos formaron una mítica banda de rock: The Libertines; se trató de la aventura típica del rock, que terminó en escándalo con Peter en la càrcel luego de haber destrozado la casa de su amigo. Esta historia es una especie de ADN original en el turbulento mundo del rock alternativo. Si no hubiese navíos tambaleantes como Peter y Carl, conducidos en medio de la fiebre y el estupor, no habría mitología y leyendas urbanas. En Yo,Doherty se convoca el deseo y se invoca la urgencia de vivir ràpida y

apasionadamente cuando la voz poética evoca a Carl Barat el entrañable amigo (P. 30). Una amistad que, en realidad, es casi perfecta, porque la enumeraciòn laudatoria, el salmo de alabanzas dedicado a Carl Barat tiene un lìmite y se llama Kate Moss. El final del poema a Carl Barat se termina curiosmante: “Perfecta es su amistad.[...] Como esas rosas. Como las rosas. No. Como las rosas no. Como las rosas es Moss.”

Antes de este breve paréntesis Moss había aparecido mítica, casi mística, etérea (P.22). Moss es la musa inalcanzable por excelencia. Esta descripciòn me hace pensar en la de Catalina Micaela, hija del Rey Felipe II descripción hecha por el poeta colombiano Alvaro Mutis en su libro Crónica Regia. El poeta vio una vez un cuadro de Catalina que habìa vivido cuatro siglos antes y quedó perdidamente enamorado de ella, estos versos traducen su fascinaciòn: “Torno a mirar el lien

zo, y me invade un casi anónimo recato, un deseo insensato de sacarla del mudo letargo de los siglos y llevarla del brazo e invitarla a perdernos en el falaz laberinto de un verano sin término”. Uno esperaría de Doherty, el rockero, el drogadicto, el laberintoso y violento, una poesía cruda a lo beat generation, unos versos desenfadados tipo Borroughs, una sarta de palabras soeces que rompan la clàsica beatitud poética como haría Gregory Corso, Kerouac o Ginsberg. Contrariamente, el yo poético que ha estructurado Giulian Gutié es uno casi contemplativo, que según mi opinión, sin dejar de ser carnal y extremadamente sensual es también un yo poético màgico y ritual que se deslumbra ante la fuerza del amor que profesa devotamente Doherty por la sublime Moss. Alvaro Mutis dice: “Creo que la poesía sucede en esferas, en mundos herméticos superiores a nosotros y que nos trascienden. El que no crea en una trascendencia en el trabajo poético, está perdido. Creo que la poesía es realmente mágica y esencialmente ceremonial.” Y añade el poeta colombiano: “La poesía nos conduce hacia esa otra orilla en donde la cotidiana realidad nos sorprende al convertirse en un mundo en donde to

do cobra un sentido trascendente y se ilumina con un aura que le concede una suerte de eternidad”. Si bien YO, Doherty comienza como una búsqueda desenfrenada del placer inmediato, las ùltimas pàginas destilan una sensación de tregua, de humildad frente a la derrota (P.52, 53)

Después de leer esto, me conforto en la idea de que la poesía es una especie de oración, màs allà de cualquier religión, una especie de ruego insistente para aferrarnos por lo menos un poco a la vida, una especie de imprecación que nos dé durante 5 minutos la sensación de algo eterno o que por lo menos está destinado a durar. Justamente YO, Doherty es un libro o una intervención como diría su autora, estructurado en base a listas que salmodian, a nutridas enumeraciones de objetos, a listados de cualidades, que intuyo tienen como objetivo echar un ancla en la realidad inasible. Es cierto que al leer se sospecha una voluntad de acumular palabras tras palabras que si bien tienen mucha mùsica, finalmente, creo yo, no cumplen sino un fin: dar carnalidad a la pa

sión de estos dos personajes y de hacerlos uno solo: YO. Ese YO dual que mencioné al inicio de mis comentarios y que a pesar de tener un tono bastante fatalista tiene también una curiosa fe en la actualidad, en la tecnología, en la moda, en la ropa, en los artefactos. Es inevitable no pensar en Guisseppe Ungaretti, el vate italiano, padre del futurismo que destruyó el verso y creó nuevos ritmos. Giulian Gutié tiende como Ungaretti a la palabra desnuda, a la palabra pegada a la realidad con un estilo libre de incrustaciones literarias y que ademàs se preocupa por la

disposición gràfica de los versos al puro estilo de los futuristas de comienzos del siglo XX. YO, Doherty es pues el tema, es la palabra, pero es también el libro. Entiendo bien cuando Giulian Gutié prefiere que se hable de proyecto màs que de libro. YO, Doherty es entonces un proyecto cuyo fin ùltimo es inquietar, inquietar sobretodo al lector. La lectura se ve atravezada por manchas de sangre, borrones, dibujos, pàginas casi en blanco, grafías diversas. Es un objeto que interpela, que no te deja tranquilo, me hace pensar, guardando las distan

cias, en los 5 metros de poemas de Oquendo de Amat y su vocación lùdica e innovadora. Pero aquí se une una vocación màs, una vocación cuya clave està dada por el epìgrafe sibilino y profético que es uno de los màs arteros versos de José Watanabe: La mucha belleza me hace siempre perverso. Debo confesar que el amor desenfrenado de Doherty y la perfidia de Moss me han cautivado. Porque ademàs el final del libro es el màs honesto que uno pueda imaginar. El amor, la derrota del amor, el fracaso, la perversidad no son sino àngulos de una misma humanidad: “Yo, Doherty, confieso ser un humano”.

YO, Doherty de Giulian Gutié, Cascahuesos Editores, Arequipa, 2010

(Foto: Presentación de YO, Doherty en Libreria YS, Lima 2010. De izq. a der. Jesus Martínez, Giulian Gutié, Javier Arevalo)

CORTOMETRAJE de Yuri Vásquez por Juan W. Yufra

2010-11-04T14:44:00.000-07:00

Todo libro expresa un gesto subversivo en la forma de acercarse a la realidad, de inversión o por lo menos proyecta —contra todo pronóstico— un acontecimiento inasible.

Cuando se reflexiona acerca de la literatura que acontece en Arequipa esta suele surgir con manifestaciones propias, inherente a su espacio; la misma que deviene en una expresión de tránsito: de una época a otra, de una postura estética —prudente— con su espacio tiempo histórico y generalmente enlazándose a la impronta del autor y de sus lectores ocasionales. En otras palabras, surge el paradigma del aislamiento del discurso literario.

Este aislamiento no sólo es cronológico, aquí no sólo se discute el carácter oficial que se le otorga a la narrativa en este caso, sino que responde a la ausencia de una comunidad literaria que haya podido reconocerse así misma en este cuerpo social —llamado cultura— en el que todos estamos inmersos, queramos o no. Por allí se dice que Arequipa es la tierra de los poetas; sin embargo, es su narrativa la que se proyecta con mayor solidez.

Esta ciudad no sólo fue el contexto para acoger a narradores sino que sirvió de discurso —incluso antagónico— para diversos planteamientos y no me refiero a Arturo Peralta que se fue de Arequipa muy joven y que construyó el famoso texto de El pez de oro cuando ya se llamaba Gamaliel Churata; o a Vargas Llosa que pasó su infancia en Cochabamba u Oswaldo Reinoso que a pesar de experimentar el epítome de la insurgencia narrativa en la segunda mitad de los años 50 sólo vuelve a esta comunidad con toda la distancia que ejerce el extrañamiento de sus obras; aquí deseo dejar en claro la gesta de aquéllos que “no existiendo” en la oficialidad desarrollan esa continuidad de la narrativa en Arequipa: Zoila Vega, Marcel Oquiche, Alfonso Bouroncle, Edmundo de los Ríos, Gastón Aguirre Morales, Federico Segundo Agüero, etc.

Es decir, Arequipa, siempre fue narrada. Incluso Hidalgo llegará a deslizar la idea de que “el cuento es una capital obra de arte” cuando publica su libro de cuentos Los sapos y otras personas en 1927. Por eso, no es sorpresa que exista un escritor como Yuri Vásquez que logra cohesionar esta tradición, esta continuidad dentro de los mecanismos de resistencia cultural en que vivimos, y que muchos llamamos posmodernidad o “desmantelamiento de ideologías” como diría Ricardo González Vigil.

Ahora, Yuri Vásquez es un escritor que se forma con la influencia que ejerce la contracultura y el revisionismo de los años 60 y 70 y ello no es una ecuación de negar por negar las construcciones convencionales de su periodo de formación, sino la expresión de una postura encomiable como creador pues ha sabido mantener una convicción ideológica y literaria que no se enreda o se opaca; sino que se manifiesta coherentemente, desde la metáfora de su lenguaje, en este libro de cuentos.

La década del 80 en la historia del Perú recién empieza a ser expresada por autores como Yuri Vázquez; no sólo me refiero a la ubicación cronológica o al carácter intrínseco de los años de violencia que se vivieron, sino al desgaste de los conceptos como el amor, la libertad y la retórica del “hombre nuevo”, pues, uno de los grandes aciertos de Yuri es haber contemplado la trascendencia de su época más allá de un gesto personal y egoísta.

En el cuento “Un blues en la noche” encontrarán este fragmento cuando el narrador intenta buscar una explicación de ese cuerpo imaginado llamado Lorena: De esta manera supo —por la música— que su alma debía ser sutil y sensible.

La sutileza de su palabra y la aparente fragilidad de sus historias no recurren a un lector extraviado en el consumismo sino recurren a un lector extraviado en su propio caos personal. El cuento “Pitecántropus Erectus o la tribu de los Ichipawa”, que apertura el libro, es una metáfora de aquel hombre que lleva la máscara de la modernidad más allá de su propia piel contemporánea.

Debemos de añadir que la música se convierte en un personaje adicional; el Jazz en este caso será la expresión de la melancolía, de la soledad que rodea a la mayoría de sus cuentos y que a su vez se convierten en una expresión de su poética narrativa.

Ahora, los temas que se abordan como la frustración, la violencia, el miedo, la utopía o la fraternidad no quedan aislados por un discurso gris que cede terreno y sacrifica su esencia a favor de la técnica sino que alcanzan altos niveles líricos en la mayoría de los casos, el mismo que es un eje distensionador en esta summa de “cortometrajes” que proyecta el texto.

Juan W. Yufra

Nuestra gran publicación del 2010: OBRA POÉTICA COMPLETA de EDGAR GUZMÁN

2010-10-31T11:24:00.000-07:00

En un trabajo conjunto con la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa, y gracias al apoyo de la Dra Teresa Arrieta Vda. de Guzmán, hacemos posible esta nueva publicación, que sin duda marcará un hito en la historia de nuestra casa editorial, pues se trata de la totalidad de la obra poética de Edgar Guzmán, una de las voces cumbres de la poesía peruana del siglo XX la misma que se encuentra en pleno reconocimiento, tanto por los círculos intelectuales así como por la crítica general y los lectores.

Ya en 1999, Ricardo González Vigil, dijo que, «de gran virtuosismo en el manejo del verso y riqueza de imágenes, Edgar Guzmán ha plasmado una obra poética sobresaliente. La indagación sobre los enigmas de la existencia, con una honda formación filosófica y un buen conocimiento de los clásicos de la poesía universal, alcanza en él un brillo singular como “poesía reflexiva”, vinculable con la tendencia llamada “trascendentalista” en la poesía hispanoamericana (José Gorostiza, Octavio Paz, José Lezama Lima, etc.). De hecho, guarda similitudes parciales con Martín Adán, Juan Ríos y Carlos Germán Belli, siendo mayor su conexión con una tradición “reflexiva” en la poesía de Arequipa: César A. Rodríguez y José Ruiz Rosas son sus exponentes más nítidos (Poesía Peruana Siglo XX. Tomo II, Lima, Ediciones COPÉ, 1999)».

Así, bajo el título de Obra poética completa el volumen en sus más de 320 páginas, viene precedido de un extenso prólogo del reconocido poeta y crítico literario de prestigio continental, Dr. Raúl Bueno-Chávez; y se compone de 5 libros, dos de ellos inéditos, conformados por Hilos, Poemas sueltos, Perfil de la materia (1987), Rondando la casa de la Dickinson (1990) y Trilogía del mar (1993); además de un anexo conformado por manuscritos, cartas del poeta Juan Ríos, cartas dirigidas al poeta Hugo Yuen, una entrevista, algunos comentarios a su obra, y fotografías inéditas de la vida de este gran poeta.

Cabe recordar que el Dr. Edgar Guzmán Jorquera fue un brillante intelectual, de reconocido prestigio en los medios filosóficos y literarios. Nació entre Frisco y Guardiola, en la Punta de Bombón, provincia de Islay en Arequipa, el 12 de octubre de 1935. Estudió Filosofía y Derecho en la Universidad Nacional de San Agustín y por muchos años se desempeño como profesor de Filosofía en su Alma Mater, hasta lograr ser distinguido con el nombramiento de Profesor Emérito de la UNSA. Publicó diversos ensayos sobre filosofía y semiótica, y como poeta publicó Perfil de la materia (1987), Rondando la casa de la Dickinson (1990) y Trilogía del Mar (1993). También dejó su impronta en el quehacer pedagógico de las Universidades Nacional de San Agustín y Católica de Santa María, varias de cuyas promociones de pre-grado y post-grado llevan su nombre. Falleció el 2 de noviembre de 2000.

Presentación en Lima de YO DOHERTY de GIULIAN GUTIÉ

2010-10-25T18:18:00.000-07:00

Alguien tenía que ser yo/ Gracias a Dios que soy yo Yo soy Doherty/ Yo soy Moss

Quedan todos invitados a la presentación del poemario Yo Doherty y vivir desde cerca un drama compartido y aliviado por quienes se dignan hablar de él. Jesús Martínez y Javier Arévalo serán los encargados de hacer la noche menos banal. Se les espera con total ansiedad. ( Este no es un poemario, sino una modesta intervención)

Giulian Gutié

“EL DESPLIEGUE INFINITO DE LA MEMORIA”. Sobre el libro FIGURADO Y LITERAL de José Kozer

2010-10-20T23:29:00.000-07:00

Sobre el libro Figurado y Literal (Cascahuesos, 2009), de Kozer, escribe el académico y crítico Luis Carlos Ayarza.

El despliegue infinito de la memoria

“Los únicos bienes del hombre son los recuerdos florecidos de la imaginación”
Nicolás Gómez Dávila

Cuando se observa a través de la lente de un microscopio un cristal de nieve, el tejido de la piel o la corteza de una planta, se puede ver como siempre existe una paradoja, una contradicción: lo sinuoso puede estar minúsculamente compuesto de ángulos rectos, y lo sólido de sinuosidades. Hay una materia —hasta donde sabemos divisible casi infinitamente— que a su vez compone el mundo de los más grandes, constituyendo así las superficies y los seres. Lo individual siempre es la unión de poblaciones. Colonias ensambladas para crear un efecto o lograr un fin: líneas de hormigas que devienen en el ensamblaje de la línea continua, como un gran animal. Todo está compuesto de geometrías acopladas, también el lenguaje y por supuesto la memoria.

El libro de José Kozer Figurado y Literal (Cascahuesos, 2009) es una lente que se asoma a lo más grande y a lo minúsculo, a lo intangible y a lo más sólido, pero que en ese asomarse materializa lo intangible y pone en movimiento lo compacto. Textos que se derraman como flujos en direcciones simultáneas, deviniendo una materia líquida que mana a través del lenguaje del poeta, y que horada las superficies incluida sobre todo la del pasado. Desde esta última es que se produce —eso parece— la creación constante:

Recuerdas, Sylvia, cuando papá llegaba de los almacenes de la
calle Muralla y todas las mujeres de la casa Uds. Se
alborotaban (21).

Hay una repetición y una diferencia: Autorretrato, Autorretrato, Autorretrato, Última Thule, Última Thule, Última Thule…, cada uno un poema. Los títulos repetidos se manifiestan como las caras de un cristal de muchos ángulos. Cada uno despliega una mirada diferente que reacciona con cada tipo de luz y de memoria. Son los poemas como variaciones de la misma nota, geometrías que simultáneamente proliferan extendiéndose y volviéndose concéntricas. Pero una vez ensambladas son un solo chorro, un gran fluir.

El uso de las analogías se hace en este caso inevitable. Su lectura hace pensar en Escher pero también en Brueghel o en Van Gogh. Es decir: un mundo exterior ensamblado o extraído de sí, y un interior iluminado con la memoria que surge como si tratara de naturalezas muertas. Valdría en todo caso mejor usar el término en inglés “still life” que se traduce como vida suspendida, ya que resulta más cercano en este caso a lo que los poemas sugieren, pues al leerlos se pone en movimiento todo el flujo del pasado. Un pasado que se sostiene en la orina fermentada de la abuela o en el padre vuelto misterio tras la voluta de humo de un cigarro. La palabra escrita da vida o revela lo que ya tiene el movimiento implícito. Desde los organismos y bichos que recorren y aletean los poemas, hasta el fluir y el vuelo de la aguja del sastre:

La última esponja natural la última esponja natural del mundo y por donde
en su momento (natural) entraron y salieron peces (quizás también
celentéreos) (equinodermos) ya tan agujereada (que) pronto no (cabe) otro
agujero (71).

En el libro el poetizar es un oficio, se teje, se zurce con la habilidad de un sastre de los de antes, semejante a aquellos que trazaban el mapa sobre el paño con una tiza y tenían el cuerpo encorvado para acomodarse a la mesa de corte. Kozer lanza hacia el presente el peso mítico de su tradición polaca y eslovaca, judía, cubana, pero también lanza el peso de una tradición más íntima y cercana, aquella que se adquiere observando a los mayores que nos preceden, y que se manifiesta fragmentada en gestos y miradas:

La mano (todos) a la cabeza (en) la coronilla la forma redonda
de los solideos, bendición, (la tela): el sastre deshilvana
los hilos que bajo Dios forjaran los solideos; y
y queda en pie la coronada carne del cuero cabelludo (29).

Por otro lado, la utilización de los paréntesis contribuye a esa horadación del tiempo para que fluya la memoria. Sus irrupciones producen especies de agujeros de gusano que no sólo detienen el ritmo de un verso reorientando su sentido, sino que profundizan y abren fisuras en el tiempo y las latitudes mientras que a la vez conectan a los poemas entre sí, creando también vínculos con épocas y tradiciones diferentes. Los paréntesis proliferan en todos los poemas, se vuelven parte del ritmo y después de cierto tiempo dedicado a su lectura se hacen necesarios… O sea, que tales irrupciones una vez alcanzado ese instante de familiarización con el lenguaje de Kozer ya se esperan:

el sastre creó (cúpulas) de la lisa comba (son) el anca de los caballos (29).

Dice Nicolás Gómez Dávila en unos de sus escolios: “La frase debe tener la dureza de la piedra y el temblor de la rama”. La poesía de José Kozer tiene esas dos virtudes, de allí lo literal y lo figurado, lo grande y lo pequeño, lo sólido y lo líquido. Su escritura entra en el pensamiento del lector como una tromba —palabra que el poeta usa a menudo— y tiene la grandeza y la belleza de un “un cachalote dormido en altamar”. Su escritura hace pensar en ese sueño inmenso que seguramente tiene el formidable mamífero en su cama de océano, mientras Aldebarán titila diminuta en el cielo.

* Tomado de la versión virtual de la revista mexicana LA OTRA. Luis Carlos Ayarza (Bogotá, 1968). MFA en Creative Writing por la Universidad de Texas en El Paso. Actualmente cursa estudios de doctorado en Hispanic Studies en Texas A&M University.

Presentación de POEMAOFFROAD de Robert Baca Oviedo en la FIL-Arequipa

2010-09-21T11:06:00.000-07:00

En un trabajo conjunto con la Editorial Auqui (Barcelona-Cusco) del poeta Vladimir Herrera, Cascahuesos Editores se complace en presentar el segundo libro de la colección conjunta “Nueva poesía latinoamericana”. Se trata del libro Poemaoffroad del poeta peruano Robert Baca Oviedo.

Día: martes 21 de setiembre
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Sala Oswaldo Reynoso de la II FIL-Arequipa (Parque Libertad de expresión)

Presentan:

• José Córdova
• Maurizio Medo
• Kreit Vargas
• Jimmy Barrios.

Agradecemos su gentil asistencia.

Nuevo título de Cascahuesos: DEMOLIDO FUEGO de DOMINGO DE RAMOS, poeta co-fundador del movimiento Kloaka y ganador del Premio COPE 1996.

2010-09-16T22:31:00.000-07:00

En el marco de la Segunda Feria Internacional del Libro de Arequipa, Cascahuesos Editores tiene el agrado de anunciar el lanzamiento de DEMOLIDO FUEGO, antología de poemas inéditos del reconocido poeta peruano DOMINGO DE RAMOS. El mismo será presentado el día jueves 23 en la sala Oswaldo Reynoso a las 11:00 a.m.

Del autor:

DOMINGO DE RAMOS (Ica-Perú) Poeta co-fundador del Movimiento Kloaka (1982-1984). Estudió Sociología en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Ha publicado los libros: Arquitectura del espanto, 1988; Pastor de perros, 1993; Luna cerrada, 1995; Ósmosis, 1996 (Premio COPE de Poesía Petroperú); Las cenizas de Altamira, 1999; Erótika de Klase, 2004 (Premio de Poesía Erótica "Carlos Oquendo de Amat"); y Pastor de perros (Antología), 2006. Asimismo, es autor de los Cd´s multimedia Pastor de perros Vol.1 y Erótika de Klase Vol.2. Poemas suyos han sido recogidos en diversas muestras nacionales e internacionales.Sydamerikas sjael .Rune Stefansson 1998, Dinamarca. El bosque de los huesos 2003, El tucán de Virginia ,México.La mitad del cuerpo sonrie ,Fondo de Cultura Económica, 2005, México. Caudal de piedras, UNAM,2005.
Viaja en 1996 a Europa y lee en España, Francia y Finlandia, en la Universidad de Helsinski. En el 2004, es invitado al Cuarto Congreso de Peruanistas realizado en Sevilla, España. En el 2006, asistió al Primer Congreso de Poesía Peruana (1980-2006) en Madrid y fue invitado a leer en Bilbao y Salamanca. En el 2007 participa en el encuentro Chile-poesía, en Santiago de Chile. Su último viaje fue a fines del 2008, iniciando una gira internacional, en donde asistió al Encuentro Internacional de Escritores en México Monterrey y luego a la ciudad de Boston, leyendo en las universidades de Tufts, Harvard, Nueva York, DePaul University de Chicago, Temple de Filadelfia y finalmente en el Festival Latinale de Berlín-Alemania organizado por el Instituto Cervantes de esa ciudad y de Bremen. Tiene inédito los poemarios Dorada Apokalypsis, Hotel Kalifornia y actualmente prepara sus obras completas para el Fondo Editorial del Congreso del Perú.
2009 publica el poemario Dorada Apocalipsis. Intermezzo Tropical & Tranvía editores.Lima. Demolido Fuego (Cascahuesos Editores, AQP 2010) reúne algunos de sus textos poéticos inéditos.

Nueva publicación de Cascahuesos Editores: “YO, DOHERTY” DE GIULIAN GUTIÉ

2010-09-13T04:54:00.000-07:00

Cascahuesos Editores se complace anunciar en el marco de la II Feria Internacional del Libro de Arequipa, la publicación del YO, Doherty, primera intervención poética de Giulian Gutié. El texto es precisamente la intervención en un drama imaginario basado en el romance de personajes reales de la cultura Pop tales como Pete Doherty (músico) y Kate Moss (modelo).
Ilustrado y diseñado por Omar Siancas y con la colabaración del destacado Fotógrafo arequipeño Conrado Aguilar, YO, Doherty se presentará el sábado 18 de setiembre a las 19:00 h. en la sala Oswaldo Reynoso.

La autora:

Giuliana Gutiérrez Casaperalta nació en la ciudad de Arequipa en el mes de febrero de 1986, cuando en el mundo se practicó la primera operación con un corazón artificial. De chiquita siempre creyó que cuando grande seria hombre. Tiene una extenuante colección de muñecas Barbie y como complemento ha estudiado en la escuela de ciencias de la comunicación en la Universidad Nacional del Gran Padre San Agustín.
Actualmente se desempeña como redactora del semanario El Búho y es productora de un programa de televisión; diseñadora de modas en sus tardes libres, tiene su propia marca de ropa “LaDominatriz”; además del blog homónimo de streetstyle que ella administra. Ha intentado publicar fallidamente dos poemarios. YO, Doherty no es un poemario, es una intervención, como todos sus proyectos que esperan ver la luz.
Gusta del karaoke y la música electrónica. Quisiera también ser DJ.

Nuestra nueva publicación: EL OTRO CORAZÓN DEL DERECHO de JAIME COAGUILA VALDIVIA

2010-09-05T20:50:00.000-07:00

Es nuestro título 25 y, a la vez, nuestro primer libro de ensayos. Se trata de la segunda edición de estos “20 ensayos literario-jurídicos sobre Teoría del Derecho” que conforman El otro corazón del Derecho, y es una muestra de cuidadosas reflexiones donde se analizan obras de reconocidos autores clásicos y contemporáneos tales como Jorge Luis Borges, Patrick Süskind, Víctor Hugo, George Orwell, Albert Camus, Robert Walser, Henrick Ibsen, Julio Cortázar, Carlos Collodi, César Vallejo, Óscar Wilde, Adolfo Bioy Casares, Anne Tyler, Franz Kafka, entre otros.

El autor:

Jaime Coaguila Valdivia nació en Arequipa en 1970. Estudió Derecho en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa optando el Grado Académico de Magíster en Derecho Civil. Ha concluido estudios de Doctorado en Derecho por la Universidad Católica de Santa María de Arequipa, y ha llevado a cabo el curso de Postgrado para la obtención del Título de Especialista en Argumentación Jurídica por la Universidad de Alicante en España.

Paralelamente a su carrera de abogado se ha desempeñado como escritor y redactor responsable de la Página Cultural “Los Ojos del Minotauro” del diario “Arequipa al día”. Ha publicado Líneas al Margen (Lima, 2001), recopilación de su labor periodística en varios diarios locales, y posteriormente Ese animal solitario que es la muerte y otros cuentos (Lima, 2004). Posteriormente publicó La Ley Procesal del Trabajo: Concordancias, Jurisprudencias, Legislación Conexa, Convenciones Interamericanas (2005) a través del Estudio Caballero Bustamante.

Entre sus libros en colaboración se encuentran Diccionario de juristas españoles, portugueses y latinoamericanos editado y coordinado por Manuel J. Peláez en Barcelona el 2006, Direito & Literatura: Ensayos críticos editado por el Instituto de Hermenéutica Jurídica de Brasil en 2008, e Implicación Derecho Literatura. Contribuciones a una Teoría Literaria del Derecho publicado en Granada (España) el 2008.

Sus investigaciones y artículos comprenden las áreas de Teoría General del Derecho, Filosofía del Derecho, Metodología de la Investigación, Derecho y Literatura, Derecho Civil, Derecho Procesal Civil y Derecho Laboral. Muchos de los textos que forman parte de este nuevo libro han sido publicados anteriormente en revistas especializadas del país y Latinoamérica (Argentina, Colombia, Brasil, Chile, México y Costa Rica), de tal forma que en esta oportunidad se ofrecen por primera vez en conjunto, en una edición de circulación nacional e internacional.

Viernes 20: presentación de GEOMETRÍA MORAL de Luis Carlos Mussó en Guayaquil

2010-08-19T10:41:00.000-07:00

El día de ayer, el diario El Telégrafo de Ecuador publicó lo siguiente:

Mussó lanza Geometría moral

El poemario ya fue lanzado hace dos semanas en la Feria Internacional del Libro, en Lima.

El escritor guayaquileño Luis Carlos Mussó presentará, este viernes, su más reciente obra: Geometría moral.

El poemario ya fue lanzado hace dos semanas en la Feria Internacional del Libro, en Lima, pero en esta ocasión la Alianza Francesa (Hurtado y José Mascote) será el escenario para que Mussó introduzca su libro ante el público del puerto.

La actividad se realizará —de manera gratuita— a las 19:00 y contará con la intervención del crítico guayaquileño Carlos Burgos. Geometría moral, publicado por la firma peruana Cascahuesos Editores, toma su título de un ensayo de Juan Montalvo. Se divide en cuatro partes: El árbol del bien y del mall, Tempestad secreta, Canon perpetuo y Texto en ruinas.

Luis Carlos Mussó estudió letras en la Universidad Católica de Santiago de Guayaquil e hizo una maestría en literatura hispanoamericana por la Universidad Andina Simón Bolívar. Ha publicado El libro del sosiego (1997), Y el sol no es nombrado y Propagación de la noche (2000), Tiniebla de esplendor (2006), Minimal histeria y Evohé (2008). Además, la Casa de la Cultura Ecuatoriana editó, en 2007, su antología personal: Las formas del círculo.

Ha recibido galardones como el Premio de la Bienal de Cuenca (1999), el Premio César Dávila Andrade (2000) y el Premio Nacional de Novela Ángel F. Rojas (2010).

Lectura de FUNDACIÓN DE LA NIEBLA de Ernesto Carrión por Juan Yufra

2010-08-12T10:43:00.000-07:00

Desde la niebla / Hacia cualquier palabra

Es cierto, la poesía lo cuestiona todo. Y lo hace desestructurando muchas de las cosas que damos por ciertas, como la vida, el amor, y la poesía misma.

A pesar que el autor apela a “un libro quebrado” (p. 11); no lo es. Es otra la esencia que dirigen sus imágenes, sus palabras. No he podido obviar estas referencias: “Tú eras la turba” (p. 18), “Fuiste la turba” (p. 19), “Entonces fuimos la turba” (p. 19); tampoco los caracteres visuales y plásticos que le otorga el poeta a su libro. Ya no creo en la poesía como el único y transparente camino de la expresión.

Fundación de la niebla de Ernesto Carrión (Guayaquil, 1977) deja la sensación de algo que puede asirse después de concebido el proceso mismo de la existencia de una identidad formada a partir de las emociones. Es un texto esquizo cuya lucha —a la vez que es uno de sus logros— es adecuarse a ribetes coloquiales que demanda el yo poético mientras se fusiona a la expresión de una totalidad poética que funda su vitalidad en el diálogo con el lenguaje del cuerpo; la palabra puede sugerir desde sus carencias e imposturas una serie de analogías imaginarias sustentadas en la realidad que se crea a sí misma; el libro de Carrión se ubica en la mitad de ambas intensidades de la comprensión humana, esa ambigüedad es parte constituyente del texto; Carrión lo cuestiona todo desde una posición imposible, desde una versión personal de lo que es la poesía hasta llegar al sacrificio mismo de su ser moderno, pues requiere de la angustia, de la “amarga verdad” de Danton o de una revolución —esta vez litetaria— concebida como una vuelta al pasado desde la óptica iconoclasta de principios del siglo XX; todo ello lo hiere, pues su contexto y visión posmoderna lo torna inconforme con el mundo percibido. Su palabra no es la palabra común que se recoge del lenguaje, trata de construir un lenguaje único, segregado, que responda a sus expiaciones personales.

El poemario de Ernesto Carrión es un libro con memoria, con un estilo donde se arriesga todo, incluso la teoría y las bases que puede encontrarse en el sentido estricto que da el poema.

Hay versos logrados “Calca el poema el mundo que no existe” (p. 42), “se escribe desde la niebla hacia la niebla” (p. 50); es decir, para nadie. “Yo me quiero largar. Dejar de correr un día contra mí mismo” (p. 30), “Te aplasto sobre la arena sin saber quién soy” (p. 27), que responden al carácter manifiesto del texto, un argumento de su identidad. No son los mejores, desde luego. La propuesta formal de Carrión se cierra de una manera interesante en el último poema pues el autor requiere del vacío, de la nada, de la página en blanco para fundar su propia concepción de la poesía.

Pero también hay versos grotescos, que no han pasado por el tamiz de la reflexión pero automáticamente se justifica y se entiende porque este libro no busca ello en la performance latente de su palabra; y eso pasa por la fuerte influencia superrealista que lo antecede como “en los labios las rodillas se están mirando al espejo” (p. 58), producto de ese superrealismo primario que corrompe el trabajo del poeta —algunas veces— por dejar libre a esa manida sensación de ser descifrado mediante imágenes histéricas. Felizmente es lo de menos, uno va a tropezar con hallazgos impresionistas como “Un poema es mi negativa a entender el Lenguaje en el sitio indicado (p. 46), o enunciados donde la carga lírica es manifiesta “entonces sobre tu verja empieza a quebrarse el sol” (p. 42).

El libro, al margen del alegato a la confusión —a la turba— que altera sus voz incipiente, se ordena en tres segmentos Sus cabezas yacen vendadas sobre estas playas, Un caballo incompleto que acaba de salir del túnel de los retratos y Presientes que la lepra es la escritura. La voz dialógica del segundo y tercero, en general, es notable.

Carrión, Ernesto: Fundación de la niebla.
Arequipa, Cascahuesos Editores, 2010, 82 pp.

Adenda:

Turba 1. (Del fr. tourbe, y este del franco *turba; cf. a. al. ant. zurba, ingl. ant. turf, nórd. torf). f. Combustible fósil formado de residuos vegetales acumulados en sitios pantanosos, de color pardo oscuro, aspecto terroso y poco peso, y que al arder produce humo denso. 2. Estiércol mezclado con carbón mineral que se emplea como combustible en los hornos de ladrillos.
Turba 2. (Del lat. turba). f. Muchedumbre de gente confusa y desordenada.

Nuestra nueva publicación: POEMAOFFROAD del poeta peruano ROBERT BACA OVIEDO

2010-08-10T12:33:00.000-07:00

En un trabajo conjunto con Editorial Auqui (Barcelona-Cusco) del poeta Vladimir Herrera, nos complacemos en anunciar la publicación del segundo libro de la colección conjunta “Nueva poesía latinoamericana”. Se trata de Poemaoffroad del poeta peruano Robert Baca Oviedo.

“P o e m a o f f r o a d escupe versos creando a su primogénito que se resiste al desligamiento de su cola: los homínidos. Así la pieza que lo conduce a este paraje lúdico, reinventa el propósito desta furia del silencio y su manifestación en las diferentes formas de lenguaje. P o e m a o f f r o a d ha vomitado sus pesadillas por las pocas aristas que le sobran para continuar delatando la espiral de nuestra imperfecta arquitectura. Así, reverso/anverso sobreviven todavía en la búsqueda de un rostro eterno y perenne que nos conduce a esta única palabra: la perturbación”, nos dice el poeta en la introducción de este, su nuevo libro.

Sobre el autor:

Robert Baca Oviedo nació en Arequipa, en 1986. Es Bachiller de la Escuela Profesional de Literatura y Lingüística de la Universidad Nacional de San Agustín. En el 2006 gana el primer lugar en el “Primtemps de Poètes” (Categoría Senior) de la Alianza Francesa de Arequipa. En el mismo año publica su primer poemario Ideograma. En el 2008, gana el segundo lugar de los juegos florales “Jorge Cornejo Polar” de la Facultad de Filosofía y Humanidades: categoría Poesía. Además es editor del Grupo Editorial Dragostea, el cual ha venido realizando un incesante trabajo no sólo en el campo editorial, sino como gestor de un movimiento cultural y artístico a nivel macroregional que se concretiza en “La Colectiva”, encuentro que reúne cada año a varios artistas en sus diversas manifestaciones tanto a nivel nacional como internacional, para promover la difusión del arte en la ciudad.

Estamos en la 15 Feria Internacional del Libro de Lima... en ALPE!!!

2010-07-28T11:21:00.001-07:00

Nuestro octavo lanzamiento internacional: GEOMETRÍA MORAL de LUIS CARLOS MUSSÓ

2010-07-18T16:43:00.000-07:00

Continuando con nuestros lanzamientos internacionales, esta vez nos complacemos en anunciarles la publicación del libro Geometría moral del poeta guayaquileño Luis Carlos Mussó.

«Geometría moral no nos propone la resolución de una incógnita, sino al revés, su proliferación a través de la escritura misma: una indagación en la geometría de la realidad, cuando la realidad es el primero de los espejismos. El misterio del poema es el mismo que el de la creación del universo, y todo cuerpo está escrito en esa página en blanco —ese firmamento invertido—», nos dice el poeta chileno Héctor Hernández Montecinos con respecto al libro.

Sobre el autor:

Luis Carlos Mussó (Guayaquil - Ecuador, 1970). Estudió letras en la Universidad Católica Santiago de Guayaquil, e hizo una maestría en estudios de la cultura, mención literatura latinoamericana por la Universidad Andina Simón Bolívar. Ha publicado los poemarios El libro del sosiego (1997), Y el sol no es nombrado (2000), Propagación de la noche (2000), Tiniebla de esplendor (2006), Minimal hysteria (2008), Evohé (2008) y Cuadernos de Indiana (Nueva York, 2010). La Casa de la Cultura Ecuatoriana editó su antología personal, Las formas del círculo (2007). Su trabajo consta en varios libros colectivos, como Aldea Poética (Madrid, 1997), Tales from the center of the World (Jerusalén, 2005), 18 poetas latinoamericanos (Lima, 2006), Porque nuestro es el exilio (Quito, 2006), Esquirla doble (Guayaquil, 2008, con el poeta peruano Luis Fernando Chueca), Álbum de arena (Guayaquil, 2008), Manglar de voces (Guayaquil, 2008) y 13 poetas del Ecuador (Caracas, El perro y la rana, 2008); y también en revistas como Letras del Ecuador (Quito), Alhucema (Granada), Blanco Móvil (México, DF), Guaraguao (Barcelona), Zunái (São Paulo), Jícama (Bogotá), Pucará (Cuenca), Cuadernos Hispanoamericanos (Madrid), Casa de las Américas (La Habana) , Oxid (Berlín) y Nueva época (Veracruz).

Es Premio Nacional de Poesía Bienal de Cuenca (1999), Premio Nacional de Poesía César Dávila Andrade (2000), Premio Nacional de Poesía Jorge Carrera Andrade (2006), Premio Nacional de Literatura M. I. Municipalidad de Guayaquil (2008), finalista en el Premio Adonáis (Editorial Rialp, Madrid, 2000). Traducido al castellano, portugués, francés, inglés, catalán y hebreo. Participación en numerosos encuentros literarios con crítica y creación, dentro y fuera de su país. Escribe crónicas y comentario de libros para El Telégrafo, se dedica a la crítica y la cátedra (Universidad de Especialidades Espíritu Santo y Universidad Católica de Santiago de Guayaquil).

La gran presentación de este libro será en el marco de la XV Feria Internacional del Libro de Lima, el día 31 de julio a las 20:15 horas.

*Imagen: Amaury Martínez.

CARTA ABIERTA al poeta ERNESTO CARRIÓN con motivo del lanzamiento de su libro FUNDACIÓN DE LA NIEBLA

2010-07-06T14:06:00.000-07:00

Quito, 28 de mayo de 2010

Querido amigo:

Siempre me he preguntado, y cuando digo siempre quiero decir desde que empecé a escribir poesía, qué sentido tiene persistir en este oficio de solitarios y necios que es la escritura poética, tan mal pagado siempre y mal visto en ocasiones, con frecuencia tan frustrante y a veces, muy pocas veces, reconfortante, glorioso. Cuanto más pienso en respuestas que me dejen satisfecho, más me convenzo del absoluto absurdo que, supuestamente, nos justifica: la llamada necesidad de hablar, sin más, la ineluctable necesidad de hablar, sea en nombre de los otros o sea en nombre de nosotros mismos. Algunos días intentamos encontrar el origen de esta cuestionable pasión en la inconformidad con el mundo, y otros días hallamos una buena razón en el mero deleite de estar vivos. Pero, debemos ser sinceros, Ernesto, nada de esto es suficiente y, sin embargo, persistimos en este evidente error. Y escribimos y volvemos a escribir. No deja de sorprenderme que, como esta noche, alguien distinto de los amigos que nos han visto padecer y gozar la vida y la escritura poética nos acompañe. Para mí, los presentes son una multitud. Y esto habla bien, a pesar de lo que he dicho, de la buena salud (siempre al borde de la enfermedad del olvido, por cierto) de la poesía lírica de nuestro tiempo. Al menos, de la que tú y algunos otros entendemos por poesía, que no es aquella marisma de la autocomplacencia, el éxito efímero y el compromiso oportunista con la coyuntura institucional o política. ¿Para qué escribir, entonces? Con estas palabras responde Fundación de la niebla:

escribir para no ensanchar más la mirada entre el
objeto y nosotros Escribir la cotidianidad que muestra
nuestro hígado sobre las plataformas marinas
Fanal violeta Baja el viento atrapado desde los postes
en la teoría de que todo vuelve a ser polvo Rencilla
necesaria La luz de una mariposa quiere saber
por qué ella no tiene alarma La mariposa no contesta
Ella ordena obsesionada sus colillas por el patio
helado Así un día tanta vida puede escribirse Yo escribo
sobre lo que veo Tiro a la inteligencia sobre tierra
quemada Funcionando Agitando al hambriento
sobre la simpleza de los alimentos Así es como recobro
el mundo

Escribes para recobrar el mundo. ¡Tremenda vocación la tuya! Pero ¿cómo se recobra algo que es esencialmente impuesto y por tanto irremediablemente ajeno? La respuesta se encuentra en el título de tu libro, Fundación de la niebla. El mundo se recobra en la poesía, volviéndolo a nombrar, aunque este intento de hallar puerto en las palabras, o de crearlo con ellas, esté destinado al naufragio. La fundación de la niebla, del mundo otro con que sueña el poeta, es el testimonio de un fracaso, porque el mundo hallado no es el mundo deseado por él. Ese mundo anhelado no es otro que la realidad que nos circunda esta noche, amigas y amigos de Ernesto, pero mejorada, más limpia y menos cruel. El mundo hallado por el poeta siempre es la niebla, es decir, la penumbra, la ambigüedad, la indefensión, el riesgo, el miedo. Nada de claridad o esperanza simplona hallarán ustedes en este libro. Y, sin embargo, nadie le podría achacar el mote de pesimista o triste al poeta Ernesto Carrión, al menos, no en este libro. El pesimista es el que se abandona a su propia inercia vital, en la convicción de que nada es posible cambiar. El poeta, en cambio, es el inconforme que, una vez dislocado del mundo que le ha tocado en suerte, funda uno propio donde se siente más cómodo. A veces es trágico, a veces cómico, pero siempre es una parodia del mundo soleado de los inocentes y el mundo oscuro de los condenados. Ernesto renuncia a la dicotomía de los maniqueos y los moralistas, los creyentes y los ateos. Su lugar no es la afirmación, sino la duda. De cara a la luz, nos dice, por ejemplo:

El día en que nacieron las
imágenes supimos de inmediato que terminaríamos
en una total ensoñación Arte en roca Que nuestro
Apocalipsis empezaría con una llovizna hundiendo
su ala en un lago salvaje como un cormorán

Como ven, amigas y amigos, se trata de una visión móvil, de un mundo en permanente transformación. Este movimiento interno produce que los temas y motivos recurrentes de tu obra, Ernesto, conecten este libro directamente con tus trabajos anteriores y posteriores, en una suerte de diálogo interno. Pero no se trata de una poesía solo autotélica o metapoética o que hable de sí misma todo el tiempo. Por mérito propio, la imaginación de Ernesto se alimenta de otros, pero también de sí misma. De nuevo aparecen, aunque sea solamente insinuadas, la llegada de la muerte a través de la descomposición del cuerpo propio y ajeno, la niñez como la patria felizmente perdida por dolorosa o injusta, la imagen engañosa y casi siempre decepcionante de los seres amados, especialmente de la mujer… Y ante cualquier destello de luz, nuevamente el matiz de la niebla. Dices en tu libro, los siguientes versos:

la luz en la poesía japonesa obedece al murmullo de
las flores La revelación de su misterio —como todo
conocimiento— produce efectos secundarios:

a) pérdida completa de la razón

b) obsesión por los objetos minúsculos de la casa El
individuo puede quedarse por horas observando insatisfecho
una servilleta

c) tendencia a almacenar recortes de periódicos
donde aparezcan las palabras “debo” y “fin”

la cordura empieza allí donde la luz se esconde Donde
nadie alcanza a contestar el enigma de esta mano

Imágenes impactantes, eficaces y hermosas, aparte, en este fragmento encuentro la clave de mis reflexiones. La cordura empieza allí donde la luz se esconde dices, y con estas palabras apuntalas el símbolo de la niebla. Se trata del espacio de la lucidez. Quien apuesta por la duda, por la niebla, permanece en un espacio inquisitorial, donde sólo la acción de preguntarse por el sentido y no dejar de preguntar constituye sentido absoluto. Pero, finalmente, la exploración sobre lo exterior, sobre la realidad, acaba tarde o temprano sobre la propia identidad. Fundar el mundo, fundar la realidad, consiste en definitiva en la construcción de la propia identidad, aquella que queremos imponer o brindar al mundo, más allá de lo que el mundo necesite de nosotros. Dice tu libro:

Coreamos en el sitio: Nadie
soy yo. Nadie soy yo. Nadie. Esta escritura deforme
no puede ser el mundo.

La incredulidad de la voz habla por sí misma: Esta escritura deforme no puede ser el mundo, así dices. Y es verdad, no lo es, pero nunca pretendió ser el mundo mismo, como ya dije, sino un mundo distinto. El poder de esta voz poética, es decir su capacidad de construir imágenes visionarias y a través de ellas brindarnos estas reflexiones nunca cae en la autocomplacencia, por eso tampoco le da tregua al lector, quien se ve impelido a inmiscuirse en un proceso continuo y vertiginoso de interpretación imaginativa intensa y a ratos exasperante. Esta no es una poesía para lectores perezosos, facilistas o impacientes. El poeta, aún en este punto, se niega a brindar respuestas unívocas y vuelve a preguntar:

¿Quién sabe
qué soy ahora, desde que el poema dejó mi cráneo
vendado sobre estas playas?

La única certeza, como toda buena poesía nos enseña, es que el universo interno es el único territorio que se posee, aun en las condiciones más adversas del delirio o la locura. En ese ámbito de absoluto sigilo, nada del mundo penetra para enajenarse, a pesar de la ciencia médica o los devaneos de la Psicología. Esta parece ser, en todo caso, la convicción del personaje poeta que inventas en este libro, Ernesto. Cerca del final aseguras, en una de tus pocas frases asertivas, despóticas:

Se escribe desde la niebla hacia la
niebla. Lo que envejece dentro de mí es el territorio.

Quizá porque presientes que la escritura es como una silenciosa peste, al final del libro mi pregunta tiene una segunda respuesta. Decía al principio de esta carta: Siempre me he preguntado, y cuando digo siempre quiero decir desde que empecé a escribir poesía, qué sentido tiene persistir en este oficio de solitarios y necios que es la escritura poética, tan mal pagado siempre y mal visto en ocasiones, con frecuencia tan frustrante y a veces, muy pocas veces, reconfortante, glorioso. Cuanto más pienso en respuestas que me dejen satisfecho, más me convenzo del absoluto absurdo que, supuestamente, nos justifica: la llamada necesidad de hablar, sin más, la ineluctable necesidad de hablar, sea en nombre de los otros o sea en nombre de nosotros mismos. Tú lo dices de este modo:

A nada nos conduce este físico río de escribir
contra corriente Este ficticio arco donde se
quiebran las espaldas sin posibilidad de nombre
Dices: yo escribo Y hay un grave secuestro de ti mismo
en dicha afirmación Dices: para encontrar mi nombre
yo abro el cuaderno Y muerde tu boca las espinas
de una lluvia que va planificando su clausura: su
cerrazón

En el último fragmento, a pesar de tanta desolación, de entre la oscuridad abres un espacio para la luz, para que la penumbra se instaure, para que la niebla se instituya. Dicen las notas al pie de un cuerpo:

dejar la página en blanco para que empiece el
poema verdadero:

Y con estas palabras nos invitas a tu mundo. Así es, amigas y amigos, la auténtica poesía nos invita a encontrar el verdadero poema por fuera del verso escrito, en nosotros mismos. Por poemas como estos, todavía pienso que vale la pena escribir poesía, lejos de la vanidad y el facilismo de muchos vates celebrados. Han pasado ya algunos años, más de una década y el público, nosotros, tu público, ha hablado Ernesto. Estamos aquí para colonizar y poblar la niebla que has descubierto y has fundado.

César Eduardo Carrión

* Cabe anunciar que Fundación de la niebla se presentará este próximo domingo 25 de julio en la Feria Internacional del Libro de Lima.

RECLUSOS Y MARGINALES: LA PROSPERIDAD RECLUSA en el diario La República

2010-07-02T10:10:00.000-07:00

Orlando Mazeyra. La prosperidad reclusa (Cascahuesos Editores, 2010)

Por Javier Ágreda

Los cuentos reunidos por Orlando Mazeyra (Arequipa, 1980) en su libro La prosperidad reclusa (Cascahuesos, 2010) se desarrollan en los ámbitos urbanos más extraños: manicomios, cárceles, prostíbulos, claustros de conventos. Y en ellos encontramos a personajes marginales (“los verdaderos outsiders del siglo XXI” los ha llamado el escritor Jorge E. Benavides) viviendo las aventuras más insólitas, incluyendo a un coleccionista de perchas de hotel desesperadamente enamorado de su propia hermana.

Así, atisbando en las grietas de una sociedad no muy moderna (que se identifica reiteradamente con la de la ciudad de Arequipa) Mazeyra encuentra, en estos 23 relatos, abundante material sobre lo absurdo y sombrío de la existencia humana. Y lo expresa en un lenguaje bien trabajado, en el que se hace evidente la exploración de diversos registros, desde el coloquial hasta el (algunas veces recargadamente) libresco. Esa diversidad se puede comprobar hasta en los autores citados: Calamaro, Fito Páez, Bukowski, Goethe y Coetzee.

Cuando todos esos elementos logran integrarse, Mazeyra nos estrega buenos cuentos, como en los casos de “El faquir y el equilibrista” y “Tras la puerta”. Pero algunos relatos se pierden en la búsqueda del efectismo a través de lo sórdido, lo insólito, lo retorcido y, en los casos de textos protagonizados por escritores (algunos por el propio autor), del malditismo. De todas maneras, La prosperidad reclusa, segundo libro de Mazeyra, confirma a este narrador como un autor de interés.

* Tomado del diario La República del 30-06-2010.

Nuestro nuevo lanzamiento: LA ESPADA DE SANTIAGO de JIMMY BARRIOS RIVERA

2010-06-29T12:44:00.000-07:00

Continuando con nuestras publicaciones de la nueva gran poesía peruana, esta vez nos complacemos en anunciarles la publicación de La espada de Santiago, tercer libro del poeta peruano Jimmy Barrios Rivera.

Barrios ha sido un importante actor de la movida arequipeña de inicios de siglo. Fue editor de la revista “Cara de camión”, y desde 2004 de la revista bi-regional (Lima-Arequipa) “Grita”, la cual tenía un proyecto editorial interesante, que consistía en auspiciar publicaciones de escritores jóvenes de la región a través de la ONG que llevaba el mismo. En junio del 2004 organizó el evento denominado “Tráfico, I encuentro de revistas, fanzines y publicaciones independientes-Arequipa 2004”, donde se comprobó la circulación de más de 30 publicaciones independientes, tan sólo en el transcurso de 3 años, lo cual ya es un hito histórico para las letras peruanas de este nuevo siglo.

Datos del autor:

Jimmy Barrios Rivera nació en Arequipa en 1981. Ha frecuentado estudios de Literatura en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa; y estudios de Literatura Peruana en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos de Lima, donde actualmente concluye la investigación: La invención de América, el caso Mariátegui. Ha publicado Arquitectura del desencanto (2006), y El tiempo de los anormales (2009).

Dos miradas distintas sobre JARDÍN DE ARENA de Cristóbal Zapata

2010-06-25T14:46:00.000-07:00

Con estas dos reseñas nos vamos preparando para participar en la Feria Internacional del Libro de Lima, la misma que se llevará a cabo desde el 22 de julio al 1 de agosto y cuyo invitado de honor es nuestro vecino del norte: Ecuador. Ahí nos vemos.

A LA ORIGINALIDAD POR LA TRADICIÓN: Nuevo libro de Cristóbal Zapata

Por Víctor Coral

Jardín de arena (Cascahuesos, 2009), del poeta ecuatoriano Cristóbal Zapata, se plantea como una vuelta a la margen segura, tradicional, referencial de la poesía; pero esta impresión, como lo sugiere José Kozer en el prólogo, puede solo ser otra ilusión. El yo poético se entrega sin veladuras, con ritmo límpido y si aspavientos a una celebración de la poesía y, sobre todo, de los poetas que a él más lo impresionan; por otro lado, hace un split de símbolos, de guiños a lo cotidiano, a lo zen, a lo trascendente, que de tan sutiles apenas entrevuelan a los ojos del lector común.

El poeta ha querido, siguiendo a Kozer, “armar un rostro de prismas que se desintegra reintegrándose desde una constante poética que tiene como propósito implícito, tal vez inconsciente, alcanzar la originalidad por la vía de la tradición, de la recombinación participatoria de los numerosos jardines que conforman a estas alturas la historia de la escritura”.

Muy cierto. Pero también el yo poético se atreve a perderse en el enmarañado de sombras y amenazas que es el jardín nocturno, ese que esconde historias, secretos y sucesos negros como el que sucedió al poeta César Dávila Andrade, muerto por agua y ebrio de poesía y de vida y de muerte. Aquí el hermoso poema que Zapata le dedica:

EL AHOGADO
(CÉSAR DÁVILA ANDRADE)

Yo fui el que cayó una mañana
en el desaguadero público
y conoció el aroma animal de los hombres.
El que trago por todos
—los ortodoxos, los bienpensantes y los cuerdos—
la mierda y los efluvios,
el que trajo para ellos
las sombrías noticias del subsuelo.

Con el tiempo supe
que ese sería yo:
un sobreviviente,
un sobremuriente.

¿No es eso un poeta,
quien absorbe a la luz del día
el miasma
y los flujos corruptos de la ciudad?

Fuera de los pordioseros que se recogen
bajo el puente
y de algunos noctámbulos que bordean las orillas
nadie me ve.

Soy esa cabeza de bronce
que reluce en la superficie del río
iluminada por la luna capicúa
o los mortecinos focos del alumbrado municipal
—como un Centinela de la Noche Antigua—.
En el verano me alimento de tallos y hojas secas,
en el invierno, de los banquetes reales
que traen las crecidas.

Una cabeza a punto de ahogarse o salvarse.
es difícil saberlo,
hasta de muerto.

El cadáver de Dávila Andrade estaba lleno de mundo (Vallejo dixit); la poesía de Zapata también, sobre todo en esta última entrega que mezcla tradición y modernidad en dosis edificantes.

* Tomado del blog LDL.

DEL AUSTRO LÍRICO Y EL DÍA EN QUE SEÑOREA EL LIBRO

Por Luis Carlos Mussó

A nuestras manos han llegado algunos títulos provenientes del austro del país. Ahí destacan claramente dos, por la cuidadísima edición y por la calidad de sus textos. Son ellos La leña del fuego y Jardín de arena. El primero es el Nº 5 de la colección Último round, del Núcleo del Azuay de la CCE, 2009, de autoría del cañarejo César Molina Martínez (…).

Jardín de arena es, a su vez, el Nº 5 de la colección Pájaro de cera, de Cascahuesos editores, de Arequipa, y vio la luz en 2009. Pertenece al poeta Cristóbal Zapata (Cuenca, 1968). Algo de sabiduría serena se deja leer en las 57 páginas de esta entrega. A algunos puede llegar a fastidiar en su particular lectura el hecho de que el autor suele acompañar sus poemas con unos minúsculos prefacios que brindan un contexto. En efecto, el poema debe explicarse por sí mismo, pero Zapata nos ha habituado a aquella suya forma de escritura. Su discurso sabe lo que es el proceso de brindar y escamotear a intervalos. Zapata, desde su Te perderá la carne ha demostrado que es capaz de poetizar sobre cualquier tema, convirtiendo la existencia misma en material para los poemas. Nuestro poeta se sabe deudor de la tradición, pero mientras pone un pie en ella, con el otro busca, interroga y se adentra en las palabras en pos de esa renovación que la poesía de buena ley incorpora al idioma. El instante como espacio que trasciende se puede ver en La rueda moscovita: “Jamás sospechamos que un día / ni mi mano ni la tuya / nos salvarían de caer en el abismo, / ese agujero umbroso y baldío / que con tanta pureza y abnegación fabricamos”. Y en El ahogado, homenajea a César Dávila Andrade: “Con el tiempo supe / que ese sería yo: / un sobreviviente / un sobremuriente // ¿No es eso un poeta, / quien absorbe a la luz del día / el miasma / y los flujos corruptos de la ciudad?”. Un manojo de textos mediante los que se asienta una voz que lleva dos décadas en este trajín.

* Tomado del diario El telégrafo de Ecuador del 02-05-2010.

Lectura de AZAHAR de Alexis Naranjo por Ana Minga

2010-06-17T13:02:00.000-07:00

Presentación del libro Azahar de Alexis Naranjo.

En buena hora cayó Azahar en mis manos mientras trabajaba en una oficina incierta. Con lo primero que me topé es con una cita del I Ching: “Sobre la montaña hay un árbol: la imagen de la evolución…”. Desde allí, intuí que no era un libro para leerlo entre gritos laborales, sino en la calma, pues todo árbol es sabio hasta cuando muere, ya que lo hace de pie, como indica Tolkien.

Cuando escucho que la poesía no sirve para nada, dudo, puesto que es una forma de conocimiento cercana a la filosofía. Esto nuevamente lo comprobé en los 33 poemas de Azahar, divididos en tres partes por fragmentos poéticos de Jorge Carrera Andrade.

Cada línea de Azahar invita al lector a reflexionar. De entrada, en el poema Exordio, se plantea: “…llaga vuélveme señor / intolerable afrenta / despiadado tormento / en todo ello tórname te suplico / mas no me vuelvas palabra / mas no me tornes poema…

Y más abajo la súplica es otra: “rehúsame hogar patria y templo señor / albedrío y certeza / todo ello niégame te imploro / mas no rehúses mi palabra / más no me niegues el poema”. Magnífica contradicción para un creador, siempre y cuando no sea comentada al médico tradicional, pues se corre el peligro de obtener una lista de medicamentos para la cabeza…

César Dávila Andrade, personaje citado en el libro, también apuntó en su poema Profesión de Fe: “No hay angustia mayor que la de luchar envuelto / en la tela que rodea / la pequeña casa del poeta durante la tormenta… Pero la voluntad del poema / embiste / aquí / y / allá”.

Luego, la voz del árbol que yo imaginaba en la lectura deja en evidencia un entendimiento sabio de su alrededor y se conecta con un más allá, con otros mundos, y plantea reencarnaciones de la mano de creadores valiosos para la historia, como Su Dongpo, uno de los intelectuales más famosos de China, quien tras padecer varios exilios por criticar al poder y sus abusos, se inclinó hacia el Confucionismo, el Budismo y el Taoísmo. Es sugerente la reflexión que de él encontré: “Todos quieren tener un hijo inteligente, pero la inteligencia me ha arruinado la vida. Así que quiero que mi hijo sea tonto y estúpido: sin penas ni penalidades, llegará a ser ministro”.

El que Azahar esté acompañado por estos personajes no constituye pretensión ni adorno para confundir la palabra sencilla, limpia, no simplona; más bien, es conocimiento hecho poesía.

La poesía, entonces, ha servido para algo, incluso para detener la violencia, pues la mente revuelta por ideas, bien puede salir a la calle y matar a unos cuantos, pero no, más bien se recoge en algún rincón y escribe: “…no asistiré esta noche a la casa de las analectas /sino que brindaré con Su Dongpo y César Dávila Andrade / por la alegría y el dolor / más antiguos de la tierra”, como menciona Azahar.

Dicen que el individuo no puede vivir solo, a veces dudo si eso es bueno o malo, pero lo dejo para después; si el individuo está vinculado a un entorno, significa que tiene anclajes. Entonces, como lectora de Azahar, encontré algunos, pues el conocimiento también levanta emociones. Así, el poema Nonagenario nos revela estos pasajes: “yo era ya viejísimo cuando naciste / padre… / el cansancio era para ti alegre alimento / agua canora la sed / secreto elíxir la enfermedad / yo era ya viejísimo / cuando de pura fatiga aumentabas cargas sobre tus espaldas / cuando sediento dabas de beber a tus orquídeas / cuando enfermo ofrecías salud a tus pacientes / yo era ya viejísimo / cuando vi por primera vez rodar lágrimas de tus ojos / y era que evocabas / cuánto debías al hada de tu hado / yo era ya viejísimo / cuando ella quiso unirse contigo para siempre.

Con estos versos recordé a mi padre, su sensibilidad, las tardes en las que, cómo árbol, veía los colores de su alrededor, mientras yo lo observaba como niña vieja que forraba los libros que él me regalaba, a fin de leerlos sin problemas, pues vivíamos vigilados por buitres que esperaban nuestra muerte para mandarnos al cielo o al infierno.

A Azahar, primero por ser libro, luego por su carga simbólica y mística, me lo habrían prohibido, y más si leían el poema Onán: “por mucho que te obliguen/ desobedécelos / no escuches al patriarca / no acates las órdenes divinas / más bien toma a tu siniestra hasta dar / con las exequias de tu hermano / y deja entonces que se aclare tu día / antes de seguir a tu diestra hasta dar con la viuda que te han destinado / entiéndeme / ella acogerá tu rijosa rebeldía / ella te gozará aunque tu simiente a tierra caiga…”

Por lo demás, frente a una iglesia, los poetas son mal vistos, peor si mencionan al pintor chino Shitao, quien en cita de Azahar busca la vía “para alcanzar la verdadera locura.”

La voz del árbol que imaginé al leer este libro, tiene una visión amplia de la vida y respira esperanza, pues también hay otra voz que lo ayuda, ella, “cuyos ojos desde hace tanto supieron ver más adentro y más lejos en las rutas del amor y de los hijos”.

Pero ¿quién escribe en Azahar que “las nubes blancas se asemejan al hombre que las contempla”, que “el mezcal es el ángel del poeta en la noche de los tiempos” y que aquí se quedará “aunque aprieten procesiones y turbas?”. Es Alexis Naranjo, quien tiene una admirable trayectoria en la literatura, trayectoria que supera límites territoriales. Cuenta con varias publicaciones, una de ellas Sacra, libro que ganó el Primer Certamen de Poesía Hispanoamericana “Festival de la Lira”.

Podría decir muchas cosas de él, pero me quedo con la certeza de que es un buen ser humano y un poeta serio. Sus textos son reflexivos, por lo que no caben las sugerencias que realizan ciertos organizadores de eventos literarios: cuando uno va a leer poesía, salen con expresiones como: “eso no más va a leer” o “no va a hacer algo más, vea que le damos espacio si tiene programada alguna otra actividad…” y uno se queda con la interrogante de ¿qué otra actividad querrán, tal vez luego del poema sea bueno contar un chiste…?

En suma, esta poesía no es para lecturas rápidas, pues su autor ha escogido la más complicada de las tareas: pensar.

Ana Minga
Escritora y periodista de investigación.

Nuestro sétimo lanzamiento internacional: BARRIDO DE CAMPO de Juan José Rodríguez

2010-06-13T21:29:00.000-07:00

Continuando con nuestras publicaciones internacionales, ahora nos complace anunciar que ya se encuentra en prensa uno de los libros más interesantes de la nueva poesía ecuatoriana, se trata de Barrido de campo de Juan José Rodríguez, uno de los poetas más interesantes que ha aparecido a inicios de siglo.

Juan José Rodríguez Santamaría nació en Ambato, Ecuador, en 1979. Estudió Literatura y Periodismo en Quito, e hizo cursos de traducción en Madrid. Ha publicado Los rastros (Quito, 2006) y Viaje a la mansedumbre (Barcelona, 2009). También ha sido incluido en antologías como Poesía de Ecuador (Madrid, 2009), Antología Ecuador-Perú (Lima, 2009), Álbum de arena (Guayaquil, 2008), El Vértigo de los aires. Poesía latinoamericana 1974-1985 (México, 2007). Sus poemas constan en revistas virtuales e impresas como Viento en vela de México, Sol negro de Perú, País secreto de Ecuador y Bigsur de Argentina. También ha publicado varios ensayos sobre poesía ecuatoriana e hispanoamericana; y como traductor el libro Una cosa natural. 29 poetas norteamericanos (Quito, 2009). Actualmente forma parte del comité editorial de la revista de poesía Ruido Blanco, y en 2007 obtuvo el III Premio Internacional de poesía joven La Garúa.

«Rodríguez escribe desde la conciencia de quien ha sido expulsado. Cada palabra es un regreso, sentencia. Una vuelta al silencio (donde ya no caben más los nombres propios) Yo (Rodríguez, el autor) termina por constituirse en una reconstrucción (una que pone en duda incluso a lo corpóreo) donde se pierde la noción del individuo, de un individuo, para aparecérsenos, más bien, como una distopía», nos dice el poeta Maurizio Medo.

Los CUENTOS de Orlando Mazeyra

2010-06-05T11:01:00.000-07:00

Por Camilo Fernández Cozman

El cuento gana por knock-out; la novela, por puntos. Aquel recuerda la perfección estilística de un poema; esta permite un mayor desarrollo de la sutil trama narrativa. Que este breve introito nos permita comentar un buen libro de relatos: me refiero a La prosperidad reclusa (Arequipa, Cascahuesos Edit., 2009) de Orlando Mazeyra Guillén (Arequipa, 1980), quien ya había publicado Urgente: necesito un retazo de felicidad (2007). El escritor arequipeño intenta aproximarse al relato corto. Por ejemplo, «Vacíos» tiene solo dos párrafos y explora la analogía barroca de teatro y vida. Esta última es concebida como un escenario teatral que desemboca en el exceso y el delirio. En «Tras la puerta» (uno de los textos más notables), el narrador-personaje explora el tema de la locura en una atmósfera familiar donde anida la falta de comunicación y triunfa el prejuicio: hay temas vetados como la esquizofrenia. En «La dulce espera» se explora el carácter heterogéneo del yo: Todos eran yo. Todos eran un poco de mí, una partícula de mis entrañas (p. 15); se trata de una meditación sobre la escritura que nos recuerda el “Yo es otro” de Arthur Rimbaud. En «El faquir y la equilibrista» se relata una anécdota impregnada de erotismo que conduce a una extraña costumbre andaluza: el protagonista pone clavos, diariamente, en su recámara por las noches para espantar a la muerte (p. 39).

Quisiera destacar dos aspectos en los cuentos de Mazeyra: la caracterización psicológica de los personajes y el manejo de la trama narrativa. El autor arequipeño sabe delinear los contornos de la personalidad de los protagonistas de cada historia; además, hace que el lector mantenga el interés por el desarrollo de los sucesos. Mención especial merece la musicalidad de la prosa que evidencia un trabajo de relojería con el lenguaje. En fin, un libro que merece ser leído con atención y que augura un estilo personal en el concierto de la narrativa peruana contemporánea.

* Tomado del blog La soledad de la página en blanco de CFC.